Film List: Polen Filmauswahl nach 1955 - zum Tod von Andrzej Wajda

Polen

Zum Tod von Andrzej Wajda 2016. Filmauswahl nach 1955

Das „Dritte Polnische Kino“ der 60er Jahre waren aussagekräftige Filme über die Gegenwart. Es war ein Kino der moralischen Aufklärung, stets die Sinnfrage nach dem richtigen Leben verfolgend. Grosse Namen wie Zanussi, Wajda, Kieslowski, Polanski und Hoffman waren auch nach kurzer Zeit einem internationalen Publikum bekannt (vgl. epd 2/99, S. 24f.). Wie in allen Ländern der kommunistischen Welt, herrschte auch in Polen eine Tendenz zur Erstarrung vor, die bis zu Stalins Tod anhielt. Der Aufschwung begann erst 1956, nachdem Gomulka an die Macht gekommen war. 1956 debütierten Jerzy Kawalerowicz, Andrzej Wajda und Andrej Munk. Sie wendeten sich gegen Klischees der Nachkriegszeit und der Phrase des „positiven Helden“, eine Abwehr Reaktion gegen die künstlerische Praxis der Stalin Zeit. Bevorzugt wurden die Themen des Krieges und der Besatzung, es kam die Zeit der Skeptiker und Pessimisten. Kawalerowicz Pociag (Nachtzug) ist ein Psychodrama, dass sich im Schlafwagen eines Nachtzugs abspielt. Mother Joan of the angels ist ein mystischer Film, der die vom Dämon befallenen Nonnen eines Klosters im 17. Jahrhundert zeigt. Der Film nimmt das Schaffen eines David Lynch vorweg und funktioniert auch als Warnung vor Fanatismus und Intoleranz. Wajdas Debüt A generation ist ein Widerstandsfilm, der weiter geführt wird von A canal, gestaltet wie die unentwirrbaren Gänge eines Labyrinths vor der Apokalypse. Ashes and daimonds ist sein Meisterwerk mit dem Höhepunkt einer makabren Party zur Feier des neuen Polens. Munks Filme sind weniger emotional als intellektuell. Ihre Vorliebe für Düsterkeit entspricht der Ablehnung modischer Zeiterscheinungen in Polen (vgl. Gregor/Patalas: Geschichte des modernen Films, Gütersloh 1965, S. 186f.). Wojciech Has The Saragossa manuscript ist ein unglaublich verschachtelter Film, gegen den Christopher Nolans Inception geradezu linear wirkt. Ein Labyrinth, ein Drahtseilakt dessen, was gerade noch möglich ist und ein philosophisches Traktat gegen alles Rationale. Walerian Borowczyk war einer der herausragenden Trickfilmer bevor er als erotischer Filmemacher mit surrealen Meisterwerken wie La bete schockierte. Borowczyk konnte seine Filme an der Grenze zum Porno nicht in Polen verwirklichen, er emigrierte Anfang der 60er nach Frankreich. Roman Polanski drehte einige schrullige Kurzfilme und sein Debüt Das Messer im Wasser in Polen, bevor er das Land verliess. Das Messer im Wasser ist ein straffer Thriller von drei Personen in der Falle und immer noch einer der grössten Polanski Filme überhaupt. Das Messer im Wasser zeigt den polnischen Film auf der Höhe seiner Zeit, gleichauf mit der französischen Nouvelle Vague und den italienischen Filmen Anfang der 60er. (Titelbild: Mother Joan of the angels)

Our Daily Free Stream: Eliseo Subiela - Don't Die Without Telling Me Where You Go (engl. subt.)

Our Daily Free Stream: Eliseo Subiela - No te mueras sin decirme a donde vas...(engl. subt.). Eliseo Subiela ist der Poet des argentinischen Kinos! Alles beginnt 1885 in Jersey. Der junge Assistent von Thomas Edison, William, hilft bei der Erfindung des Kinomatographen. Nur ein Traum liegt zwischen ihm und dem Erfinder Leopoldo, der 1995 in Buenos Aires lebt. Leopoldo ist Kinooperator und bastelt nebenbei an einer Erfindung, die menschliche Träume sichtbar machen soll. Das funktioniert folgendermassen: Leopoldo setzt sich einen verkabelten Hut auf den Kopf und verbindet sich mit dem alten Röhren-Monitur. So begegnet er der schönen Rachel. Doch ist sie wirklich bloss ein Traum? Ist Rachel nicht eine wandernde zwischen dem Diesseits und Jenseits? Während Leopoldos Freund Oscar einen patenten Roboter konstruiert, wandelt der junge Träumer durch die Nacht... No te mueras sin de cirme adonde vas bringt ein altes menschliches Bedürfnis zum Ausdruck: Wohin verschwindet der Geliebte nach dem Tod? Subiela macht daraus ein Gedicht aus Imagination und Musik. Eine Hommage an die ewige Liebe und das Kino!

Our Daily Free Stream: What is wrong with Showgirls?

Our Daily Free Stream: Paul Verhoeven - Showgirls (What is wrong with Showgirls in 20 Minutes?). Bekommt Verhoeven für Elle nun doch einen Oscar? Wir erinnern uns an seine Goldene Himbeere 1995. - Ein Schlachtfest, das uns Innenansichten von La Vegas liefert. Hinein in die Welt der Stripperinnen und Huren. Vor allem aber mag Showgirls der persönlichste Film seines Autoren Joe Eszterhas geworden sein - seine eigene Masturbations Vorlage. Das Drehbuch beweist Eszterhas äusserst begrenzte Vorstellungskraft, die von Regisseur Paul Verhoeven zu einer teuren, exquisiten und schön schmierigen Soap Opera aufgeblasen wird. Immerihn, einer der ganz wenigen "Adults only" Big Budget Filme! Nacktheit gibts auch zu genüge, sexy wirds aber immer nur dann, wenn die Mädels ihre Klamotten wieder anziehen. Echte Erotik bietet Showgirls überhaupt nicht, denn die müsste ja eine mentale Verbindung zwischen zwei Personen schaffen. Showgirls ist aber eben nur Joe Eszterhas Fantasie. Die geht so: Frauen mit Messern, Lesbierinnen, Sex gegen Bares und ordentlich Gewalt. Der damals teuerste Schreiberlings Hollywoods bezieht seine Bilder aus "Pulp Fiction" Romanen. Ausserdem muss er unter einer gewaltigen Angst vor dem weiblichen Geschlecht leiden: Frauen töten dich und das Beste, was dir da noch widerfahren kann, ist vorher der Besuch einer Lesbenshow. Paul Verhoeven nimmt sich dessen mit voller Kraft an. Alles, was wir über Eva wussten, geschieht auch in Showgirls, wenn sich die Eine das Bein bricht und die Andere ihren Rang einnimmt. Elizabeth Berkley, eine Verhoeven Entdeckung zu ihrem Karriere-Pech, nimmt sich der Titelrolle mit grosser Heftigkeit an. Ein gelungener Einstand! Sie spielt Nomi Malone, ohne Vergangenheit oder Familie, die aus dem Nirgendwo aufbricht nach Las Vegas. Nomi braucht eine Freundin, denn offensichtlich ist sie eine zügellose Person mit gewaltigen Benimm-Problemen. Die findet sie in Molly (Gina Ravera). Bald gibts auch Arbeit im Cheetah Club (ein toller Name, oder?). Leider sind nur zwei Schwarze nett zu Nomi und sonst niemand. Der Star der Show heisst Cristal Connors (Gina Gershon) mit ihrem Freund (Kyle MacLachlan), der aber mehr Befehlsempfänger ist. Wichtig: Cristal ist bisexuell. Der Plot entwickelt nun ein Gemetzel hinter der Bühne und gibt uns eine Ahnung von Eszterhas Vorstellung wie Frauen untereinander reden: "How do you like your breasts?" All das behandelt Paul Verhoeven so wie seine grossen Filme zuvor. Sein Geheimnis: Er arbeitet ohne Abstand oder Ironie, dafür mit einem kernigen Humor, der Showgirls seine Note gibt. Sicher wärs wünschenswert, würde Eszterhas noch etwas über Erotik lernen, doch das sind nur unbedeutende Abstriche (obwohl es fast schade ist um das schöne NC 17!).

Verhoeven Vs. De Palma

Verhoeven vs. De Palma

6:4

Für mich der entscheidende Unterschied zwischen Verhoeven und De Palma: Obs uns passt oder nicht, De Palma ist "postmodern". Er zitiert Hitchcock, Antonioni usw. Darüber legt er seine Sauereien. Verhoeven macht das nicht. er liebt B-Movies (so wie De Palma), erfindet aber seine eigenen. Eines aber hat De Palma Verhoeven voraus: Er erzählt nahezu perfekt. Body Double, Blow Out, Scarface (und das ist mal kein "postmodernes" Remake, sondern eigentlich gar keins), vor allem The Untouchables (mit Anleihen an Eisenstein: Die Kinderwagen Szene aus dem Panzerkreuzer Potiemkin) - perfekt erzählt! Lückenlos! Straff! Extrem logisch. Verhoeven dagegen: Basic Instinct - wo bleibt die Auflösung? Solange sich der Film im "postmodernen" Zitieren nicht verliert, akzeptiere ich das. Einen trinken gehen würde ich aber lieber mit Verhoeven. Er ist so ein witziger und netter Mann. Allein seine Dankesreden für die viele, vielen Goldenen Himberren seines Opus Magnums Showgirls. Er war aufrichtig stolz über diese Ehre. Einen Oscar bekam er - glaube ich - nie (im Gegensatz zu De Palma, was ein Vorteil ist. Allerdings könnte sich das mit Elle nun ändern). De Palma blieb übrigens der Verleihung der Himbeere für Mission To Mars fern, so weit ich weiss. Oder wars nur eine Nominierung und kein sieg? Dabei ist der Film wirklich toll und eine würdige Himbeere! Interessant die Frage, wer überhaupt noch in der Liga der Beiden agiert? (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 10.10.16)

Our Daily Free Stream: Ming-Liang, Tsai - What Time Is It There (engl. subt.)

 Our Daily Free Stream: Ming-liang, Tsai - What Time Is It There (engl. subt.). Immer schon hat man Tsai Ming-liang mit den ganz grossen Namen der Filmgeschichte verglichen. Mit dem Kino der Stille, Einsamkeit und Isolation. Wer What Time Is It There sieht, wird bemerken, dass Tsais Filme genauso witzig wie traurig sind. Und zwar beides im gleichen Moment. Tsais Held heisst Hsiao Kang (Lee Kang-Sheng) und er verkauft Armbanduhren, draussen auf den Strassen von Taipeh. Er hat etwas von der Befangenheit, aber auch der Redlichkeit der grossen Vorbilder, die wir aus Tatis oder Keatons Filmen kennen. Eines Tages will er Shiang-Chyi eine seiner Uhren verkaufen, doch sie besteht auf genau der an seinem Handgelenk. Die wiederum kann zwei Zeitzonen anzeigen und das ist wichtig für Shiang-Chyi. Sie wird bald nach Paris ziehen. Hsiaos Leben daheim ist trist und ohne jede Hoffnung auf Erlösung. Einmal sehen wir seinen Vater rauchend, allein in einem verdunkelten Zimmer. Die Mutter glaubt längst, die Seele ihres Mannes sei auf den grossen weissen Fisch in ihrem Aquarium übertragen worden. Ein Fisch als einziger Freund. Der Vater wird sterben, ohne je einen Funken Lebensfreude an seinen Sohn weitergegeben zu haben. What Time Is It There eröffnet uns das Versprechen der Gleichzeitigkeit. Ohne je wirklich mit ihr gesprochen zu haben, stellt Hsiao seine Uhren nach der Pariser Zeit. Gleichzeitigkeit oder einfach nur die Hoffnung darauf? Wenn unser Leben voller Leere ist, hoffen wir dann nicht auf ein fernes Ereignis? Währenddessen ergibt sich Shiang-Chyi ihrer Einsamkeit in Paris. Welchen Grund hat sie überhaupt, dort zu leben? Hsiao versuchts mit einer Prostituierten, Shiang-Chyi mit einer anderen Frau. Alles ereignet sich zur selben Zeit, doch tatsächlich im Einklang? What Time Is It There ist kein einfacher Film. Er hat mich noch lange verfolgt, ich sah einzelne Szenen vor Augen und musste daran denken. Vor allem aber brachte er mich durcheinander. Immer wieder ringen die lustigen mit den traurigen Anteilen - nie gewinnt ein Pol die Überhand. What Time Is It There - gleichermassen witzig und traurig. Nichts ist schliesslich trauriger als die unerwiderte Liebe. Nichts ist lustiger als die unerwiderte Liebe! Weshalb sollte es auch tragisch sein, wenn sich zwei Menschen NICHT kennenlernen nach zwei bedeutungslosen Gesprächen? What Time Is It there handelt von der Vorstellung von Liebe. Nicht von der Liebe selbst. Was ist depressiver: Eine Mutter, die glaubt die Seele ihres Mannes in einem dicken Fisch zu finden? Ein Sohn, dessen einziger Freund dieser Fisch ist? Ein Film, der derartige Fragen stellt, verdient es gesehen zu haben. Mitleid für den Anspruch, die Antworten zu kennen. Immerhin aber sinds Fragen, deren Existenz uns meistens gar nicht bewusst ist.

Our Daily Free Stream: Murnau - Nosferatu

Our Daily Free Stream: Friedrich Wilhelm Munau - Nosferatu. Murnaus Nosferatu zu sehen ist ganz so, als würde man DEN Vampirfilm an sich sehen. Wir erleben, wie das Genre entsteht, bevor es hundertfach wiederholt und postmodern sezziert wurde. Die Geschichte Draculas, bevor sie lebendig begraben wurde im Selbstzitat. Murnaus Films ist voller Ehrfurcht vor der eigenen Geschichte. Fast so als würde er tatsächlich an Vampire glauben. Anders als seine Nachfolger spielt Max Schreck den Vampir auch nicht pathetisch überhöht, sondern zurückhaltend. Jede Theatralik fehlt in seiner Darbietung, stattdessen erleben wir den Vampir leidend unter einem fürchterlichen Fluch. Sein Graf gleicht mehr einem Tier als einem Menschen - ausgestaltet mit Fledermaus Ohren und Klauen mit langen Nägeln.Übrigens verbat sich die Witwe von Bram Stoker, dass der Buchtitel ihres Mannes für das Werk herhalten sollte - deshalb heisst Murnuas Dracula Nosferatu. Nichtsdestotrotz, vielleicht ist ihm sogar die werktreueste Verfilmung gelungen. Die Geschichte beginnt in Bremen. Hier will Graf Orlock Besitz erwerben und zwar ein abgelegenes Gebäude. Der Angestellte des Zuständigen Händlers Knock, Hutter (Gustav von Wangenheim), reist nach Karpathien und muss feststellen, dass dort jeder verstummt in dem Moment, da der Name Orlock fällt. Hutter lernt noch mehr: Der Graf muss tagsüber schlafen in der Erde aus den Gräbern des schwarzen Todes. Kurz vor dem Schloss weigert sich Hutters Kutscher, ihn noch weiter zu bringen. Graf Orlocks Büttel übernimmt, der sich mit der Hast einer Ratte bewegt. Immer noch schlägt Hutter die Warnungen über Vampirismus in den Wind, bis er sich während des Abendessens schneidet und der Graf entzückt ist von Hutters wundervollem Blut. Zwei Schlüsselszenen folgen, die wir heute wohl gar nicht mehr als revolutionär erkennen: Während der Grafe näher rückt an Hutter, das Opfer, erleben wir in Parallelmontage, wie Hutters Frau Ellen in Bremen schlafwandelt und voller Vorahnungen schreit. Später flieht Hutter, während der Graf den Seeweg nach Bremen einschlägt. Hutters Frau Ellen wiederum wartet begierig... Auf dem Schiff des Grafen verstarben alle Mitglieder der Crew. Man öffnet eine Kiste mit fauliger Erde und Ratten entkommen in alle Richtungen. Murnau fügt nach der Ankunft einige Szenen ein, die eher symbolischen Charakter haben, die Handlung aber nicht entwickeln. Wir erleben den Händler Knock, der in einer Zelle der Nervenklinik auf seinen "Meister" wartet. Ellen Hutter wiederum erfährt, dass es nur einen Weg gibt, den Vampir zu stoppen: Eine gute Frau muss ihn an ihrem Bett halten bis zum ersten Hahnenschrei. Ihre Geschichte erinnert uns an die verborgene Sexualität aus Bram Stokers Roman, ganz im Sinne des viktorianischen Zeitalters. Sex ist hier gleichbedeutend mit gesellschaftlicher Gefahr. Der Vampir, eine Metapher der Begierde. Allein verbringt er seine Zeit, jagt seine Opfer und sucht sie auf mit dem Versprechen, ewiger Glückseligkeit. Murnaus Horrofilm ist nicht gruselig im modernen Sinne. Er spricht nicht meine Gefühle an, erschreckt mich nicht. Vielmehr verzückt mich das Werk durch seine Atmosphäre und die Kraft seiner Bilder. Spannung entsteht, wenn die Subjekte aus dem Schatten ins Bild steigen - sowieso ist Nosferatu das Spiel mit Licht und Schatten - vor allem mit der Dunkelheit. Murnau verstarb mit nur 43 Jahren. Er hatte 22 Stummfilme inszeniert; die Tonfilm-Ära erlebte er nicht mehr. Bestimmt hätte er auch grossartige Tonfilme gemacht, die Wirkung von Murnaus grössten Werken aber resultiert daraus, dass er keine oder kaum Titelkarten braucht. Nosferatu wirkt wie ein böser Traum. Was heisst das? In Nosferatu werden die Protagonisten mit schaurigen Bildern konfrontiert, ohne jede Möglichkeit, sich durch Gespräche davon zu befreien. Die menschliche Sprache könnte den Traum auflösen, alles zur Normalität erklären. In Nosferatu gibt es diesen Weg nicht. Das, was nachts geschieht, bedarf keiner Rede. Es wartet auf seine Opfer, unheilvoll, unerklärt...

Our Daily Free Stream: Wanderers Of The Dessert - El Haimoune (engl. subt.)

Our Daily Free Stream: Wanderers Of The Dessert - El Haimoune (engl. subt.) Die Abwesenheit von Zeit, das muss möglich gewesen sein vor der Moderne. Wenn ein Schiff auftaucht vor den Mauern der Stadt, ganz so wie im Märchen. Das Meer, die Suche nach Weite, nach etwas hinter dem Horizont. Die Baliseurs leben ausserhalb der Zeit. Sie wandern durch die Wüste, singen alte andalusische Lieder. Cordoba, die andalusische Brücke kann nicht fern sein. Der Alte klagt, wie sich die Kinder, von einem Fluch befangen, auflösen in einer Fata Morgana. Sie werden von der Wüste verschlungen. Sein ganzes Leben hat der Alte einem Buch gewidmet, das er entziffert und neu ordnet. Die Kinder sollten es lesen, um den Fluch zu bannen. Ein Lehrer muss dabei helfen als Mittler zwischen Zukunft und Vergangenheit. Ein Märchen oder ein Traum, ganz nach Wunsch...