Dienstag, 31. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Richard Linklater - Waking Life


Our Daily Free Stream: Richard Linklater - Waking Life. Linklaters neuer Film Everybody Wants Some startet im Kino! Deshalb gibts heute Waking Life. - Wieviel von Richard Linklaters Waking Life mag wohl ein Traum sein? Vielleicht sogar alles? Der Held träumt, dass er aufwacht. Er spritzt sich Wasser ins Gesicht, geht hinaus und träumt wieder. Wir befinden uns aber nicht in einem surrealen Traumfilm. In Waking Life ist die Konversation genauso echt wie faszinierend - der Träumer muss intelligent sein! Oder doch nicht? Womöglich gibt er nur das wieder, was er so hört? Eine Frau erzählt ihm in einem Cafe von ihrer Idee einer Soap und er fragt sie, wie es sich anfühlt, eine Figur aus seinem Traum zu sein. Sie kann das nicht beantworten - wie auch, wenn sie nur ein Charakter seiner Imagination ist? Andererseits behauptet er, dass er sich all das unmöglich selbst ausdenken könnte. Es kam von aussen... Was ist Träumen überhaupt? Was geschieht mit uns, während wir träumen? Nehmen wir uns selbst wahr, aber ausserhalb unseres Körpers? Das ist eine der Erklärungen aus Waking Life. Und wenn wir sterben? Träumen wir dann fort? Doch das würde keinen Sinn ergeben, da ein Traum doch in unserem Gehirn iniziert wird. Oder doch nicht? Vielleicht glauben wir das auch nur? Waking Life ist gleichzeitig philosophisch und verspielt. Ein extravagantes Werk, das mit Footage Material "echter" Darsteller beginnt und sich dann zu einem Animationsfilm wandelt. Man nennt es Motion-Capture, da die realen Darsteller "ausgemalt" werden. Wir kennen das aus verschiedenen Blockbuster Produktionen, bei Linklater hat es allerdings nicht Millionen verschlungen. Dennoch wirkt sein Film lebendig, so dass es ein Vergnügen ist, seine Bilder zu bewundern! Linklater liebt es, den Menschen bei ihren Gesprächen zuzuhören - wobei er einen sehr hohen Standart der Unterhaltung schätzt. Es sind solche Gespräche, die wir selber führten als wir noch Studenten oder Schüler waren. Der Held aus Waking Life (dessen Namen wir nicht erfahren, der aber von Wiley Wiggins gespielt wird), ist aber ein mindestens genauso guter Zuhörer. Zuhören, das geht überall, ob in einer Bar oder sogar an der Brooklyn Bridge! Manche Szenen scheinen gar nicht miteinander in Verbindung zu stehen, so die Sequenz, in der ein Aktivist auf der Strasse Menschen anbrüllt. Es sind aber gar keine Passanten da, um ihn zu hören... Linklater liebt das Paradoxe an Träumen. Du träumst, um in einem ganz anderen Traum aufzuwachen. Wie kann man sich befreien? Die Freunde warnen unseren Helden, dass man sogar von Träumen hintergangen werden kann. Du kannst ihnen eine Richtung geben, sie bestimmen und doch geschieht alles genau JETZT. Das einzige, was immer funktioniert: Der Trick mit dem Licht. Schaltest du es aus und wieder an ohne Erfolg, dann träumst du. Der Held versucht es vergeblich. Natürlich, denn er träumt ja! Richard Linklater ist einer der besten Regisseure unserer Zeit. Er kann kommerzielle Komödien drehen oder Kunstfilme, er ist erfolgreich mit Ensemble-Filmen und mit Kammerspielen. In jedem Fall scheint er sich ungern zu langweilen und genauso langweilen wir uns auch nie in einem Linklater Film. Fast schon ungewöhnlich, das intensive Interesse, das Linklater seinem Subjekt schenkt! Linklater macht keine formellen Filme und das hält er nun schon fast dreissig Jahre durch!
Neue Berliner Kinos


Neue Berliner Kinos!

Letztens erklärte mir Toby Dope, dass er unsere Toiletten scheisse findet. Warum nicht Filmplakate aufhängen, um das zu betonen, was es bei uns gibt und nicht woanders? Eine Cinethek im Keller! Ich erinnerte mich an die Sammlung meines Vaters an Filmprogrammen. Seit den frühen 50ern geht er etwa vier Mal die Woche ins Kino und kauft für jeden gesehenen Film ein Programm. Ob L'Avventura oder A Bout De Souffle, ob Night Of The Living Dead oder Suspiria - alle im Original vorhanden! Auf zum Kopierer! So viele Filmprogramme fand ich, dass die nun überall im Laden wuchern. Auf den Clos (die Jungs haben die Nouvelle Vague, Neorealismus, den Neuen Deutschen Film, die Schweden, Russen und Japaner, die Mädels die Hollywood Klassiker und den New British Film), im hinteren Raum, im Gang, an unserer Vordertür... Filme, die für mich nach Abenteuer und Freiheit rochen! Solche Filme, die das ausdrücken, was wir doch auch alle leben wollen! Da die Filmkunstbar Fitzcarraldo kein Staatsgeld annimmt und nicht gefördert werden will, verkaufen wir Schnaps. Im Herzen aber gehts um Film! Letztens gabs Besuch aus der Eiszeit. Das ist das (ehemalige) Hinterhofkino am Lausitzer Platz, dass früher ohne Heizung auskam und daher seinen Namen trägt. Eine gute Kreuzberger Institution. Eiszeit hatte Glück, die "Immobilie" wechselte den Besitzer und der Neue meint es gut und gibt Kredit. Das Gebäude, das unter Atze Brauner noch so schön verfiel, soll also aufgehübscht werden und deshalb wird im Eiszeit mächtig gebaut. Und das Konzept? Programm-Kino mit ungewöhnlichen Filmen aus Frankreich oder den USA. Anschliessend dann noch zusammensitzen und drüber quatschen, was man gesehen hat. Erst einen Kaffee, dann Kino, danach ab in die Bar. Verlockend, oder? Neukölln hat sogar zwei neue Kinos bekommen! Aus Rom stammt die Idee des Il Kinos in der Nansenstr. Als man den drei Gründern das Lokal anbot, wussten sie im Grunde noch fast nichts über den Betrieb eines Kinos. Il ist ein Schlauchkino, aber ohne den typischen Muff der alten West-Berliner Programmkinos. Dazu gibts ein Restaurant und auch eine Bar - natürlich mit italienischem Essen und Cocktails. An der Ecke Wildenbruchstr./Weserstr. entsteht langsam das Wolf Kino, von dem alle sprechen. Früher war das ein Bordell, jetzt werden drei Säle mit Lobby, die später auch Cafe sein wird, gebaut. Der Motor dahinter: Verena von Stackelberg, Filmkuratorin und Programmgestalterin. Und Kino-Liebhaberin! Ihre Wolf-Gang ist ein Crowdfunding Zusammenschluss, denn von Stackelberg ist bestens vernetzt in der Branche. Nicht noch ein Vintage Laden für Neukölln, verspricht sie, sondern Kino und sogar ein Post-Production Raum mit 35mm Maschine! Im Wolf werden künftig auch Regisseure ihre künftigen Produktionen vorstellen können. Das City Kino Wedding dagegen bedient Menschen im besten Alter. Solche, die gern Meryl Streep sehen. Um auch das jüngere Publikum im Wedding zu ziehen, gibts Veranstaltungen. Filmemacher präsentieren ihre Lieblinge oder der Verein AfricAvenir gestaltet eine Reihe afrikanischer Produktionen. Alle schwören auf die Verbindung Gastro & Kino, so auch das wieder eröffnete Union Lichtspielhaus in Friedrichshagen. Hier soll der grosse Kinosaal tags als Cafe dienen. Abends gehen dann die Schotten runter. Neben Arthaus läuft hier auch Mainstream, daneben gibts Veranstaltungen, die auch mal nichts mit Kino zu tun haben. Früher sind wir oft nach Charlottenburg, in die City West gefahren, um ins Kino zu gehen. Seit einiger Zeit ist das ein bisschen eingeschlafen, was aber bestimmt nicht am West-Teil Berlins liegt! Es ist reine Faulheit. Hier gibts das Astor am Ku'damm: Liebevoll gestaltet und hochmodern. Es gibt einen Türsteher und edle Häppchen jenseits vom Multiplex Popcorn. Dazu Filmklassiker, Premieren und Film-Plus-Dinner. Berlin ist ja nicht nur Studenten-Stadt! Und wo finde ich noch die wahre Kino Atmosphäre? Wo kann ich während der Vorstellung rauchen? Zum Beispiel bei unserem alten Partner Skulli in seinem b-ware Ladenkino mit angeschlossener Filmkunst Videothek. Einer der letzten Friedrichshainer Spielplätze, die garantiert selbst gezimmert sind. Einen schönen Ableger haben sich auch die Tilsitter Lichtspieler mit dem Kino Zukunft am Ostkreuz geschaffen. Angeschlossen das Freiluftkino Pompeji und das Theater Zukunft, das ein bisschen wie die Bar 25 wirkt. Es ist definitiv der Hippie Spielplatz unter den Berliner Kinos! Was aber fehlt im Berliner Kinoleben? Programmgestalter, die sich vom Arthaus Mainstream lösen und hin wollen zu surrealen Filmen, Puppenfilmen oder Midnight Movies! Solche, die auch mal Arrabal, Jodorowsky oder ein paar Japaner ins Programm nehmen! Solche, die sich ganz klar vom Familienkino abgrenzen und nicht für Jedermann sein wollen! Dunkle Kaschemmen, in denen verhaltensauffällige Filmfreaks vegitieren, die das Licht scheuen wie Vampire!

Montag, 30. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Duncan Jones - Source Code


Our Daily Free Stream: Duncan Jones - Source Code. Zum 45. Geburtstag des Regisseurs. Duncan Jones' Source Code ist ein formidabler Thriller, der uns als Science Fiction verkauft wird. Obwohl das absurd ist, scheint es den Machern äusserst wichtig. Einerlei, das "Science" steht für den Versuch eines Mannes, seine Vergangenheit zu ändern. Sein Name ist Colter Stevens (Jake Gyllenhaal) und dessen ist er sich sicher. Umso grösser die Verwirrung, da er sich in einem Zug nach Chicago wiederfindet und mit der schönen Christina Warren (Michelle Monaghan) spricht. Einer Frau, die er noch nie im Leben gesehen hat. Noch merkwürdiger wird es in dem Moment, da er auf die Toilette geht und sein Gesicht im Spiegel erblickt. Ein Gesicht, das er noch nie zuvor gesehen hat. Wie kann das sein? In diesen frühen Szenen sind wir noch weit davon entfernt, überhaupt zu verstehen, was überhaupt los ist! - Wenn du Source Code ganz unvermittelt sehen willst, hör jetzt besser auf, zu lesen. Spoiler. - Colter versteht nach der Unterhaltung mit der Wissenschaftlerin Colleen Goodwin (Vera Farmiga), dass er wohl Opfer eines terroristischen Angriffs wurde. Scheinbar befand er sich in einem Zug, der gesprengt wurde. Nun wurden diese acht Minuten des Schreckens in seinem Gehirn gelöscht. Goodwin hofft durch diese Massnahme, die Identität des Terroristen aufzudecken und Schlimmeres zu verhindern. Ganz Chicago könnte von einer Bombenattacke betroffen sein... Soviel zum Plot, den ich immer noch nicht ganz erfasst habe. Der menschliche Faktor in Source Code, das sind die verlorenen acht Minuten. Nach und nach nähert sich Colter dieser Zeitspanne. Das Paradox: Colter erinnert sich der vorangeganenen Zeit in derselben Zeitspanne wie es geschah. Echt-Zeit-Erinnerungen. Mehr noch: Er kann sich auch für Christina und andere im Zug MITERINNERN. Doch wie geht das? Ein Mann, der ums Überleben kämpft und derartig umfangreiche Erinnerungen hat? Langsam beginnt Colter, Liebe für Christina zu fühlen. Mit der Geschwindigkeit des Zuges, in dem Colter sitzt, entwickeln Duncan Jones und Co-Autor Ben Ripley das Geschehen. Christina rückt stärker in den Mittelpunkt, die Wissenschaftler reagieren zunehmend verzweifelt. Tatsächlich wirkt Source Code mit seinem eleganten Schnitt dieser Art Zeitreise wie ein ausgereifter Hard Science Fiction (oder bin ich da wem auf den Leim gegangen?). Ein Genre, das unter Artenschutz stehen müsste, so bedroht ist es. Duncan Jones hat sich aufgeschwungen, als Retter aufzutreten. Genau wie Jones Debüt lebt Source Code von einer Idee. Ganz in der Tradition des klassischen Science Fiction der späten 60er. Gyllenhaal und Monaghan spielen ihre Varianten der verlorenen acht Minuten so geschickt, dass es mir ganz leicht fiehl, die Absurdität des Plots zu vergessen.

Sonntag, 29. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Dummy

 Our Daily Free Stream: Dummy. Greg Pritikins Dummy gehört zum Sub-Genre amerikanischer Indie Komödien über den Typus des liebenswerten Losers. Der zweideutige Titel bezieht sich auf Adrien Brody, der einen schmerzhaft schüchternen Mann namens Steven spielt. Steven lebt mit Mitte zwanzig noch bei seinen ewig streitenden Eltern und der tragisch unverheirateten grossen Schwester Heidi (Illeana Douglas). ''You look like a child molester", bemerkt Heidi zu Steven mit seinem Dummy auf dem Schoss. Dummy aber ist kein Kind, sondern eine Bauchredner Puppe. Dummy ist viel selbstbewusster und energischer als Steven (und wird von Adrien Brody selbst als Bauchredner gesprochen!). Im Grunde verkörpert Dummy das, was Steven nie werden konnte: Ein unverblümt auftretender unabhängiger Erwachsener. Und wie läuft es mit Steven und den Frauen? Wir edürfen das erleben, wenn er ungeschickt die Mitarbeiterin des Arbeitslosenamtes Lorena (Vera Farmiga) umwirbt... Der ganze Film scheint mir vollgestopft mit unfertigen Erwachsenen; nicht nur Steven und Heidi. Ferner treten auf: Michael (Jared Harris), Heidis voriger Verlobter, der Drogenprobleme hat und die Aussenseiterin aus Stevens alter Schule (Milla Jovovich), die sich jetzt Fangora nennt, um Karriere als Punk Rocker zu machen. Die Beziehung von Steven und Fangora könnte man als das Gegenteil von Sex bezeichnen. Fangora rät ihm, einen Liebesbeweis an Lorenas Tür zu sprayen - was im Desaster endet... So lieb und kindlich sind die Figuren in Dummy, dass der Film eine ganz besondere, freundliche Note bekommt. Fangora schliesslich akzeptiert sogar, mit ihrer Punkband einen Klezmer Gig auf einer Hochzeit zu spielen - ohne auch nur annährend zu wissen, was das überhaupt ist. Solche Momente machen Dummy zu einem ganz eigenständigen Film. Er erfindet das Genre der Indie-Komödie zwar nicht neu, findet aber seinen ganz eigenen Tonfall. Die Klezmer Szene jedenfalls ist unvergesslich komisch! Adrien Brody, dessen Augen fortwährend zu starren scheinen, füllt die Rolle des Steven spielend. Milla Jovovich habe ich nie besser erlebt als in Dummy. Hier beweist sie das Talent zur Komödiantin! Du suchst einen kleinen (grossen) Film zum entdecken? Bitte schön.

Samstag, 28. Mai 2016

Our Daily Free Stream: La Antena


Our Daily Free Stream: La Antena. Esteban Sapirs La Antena aus Argentinien ist ein Schwarzweissfilm, der fast ohne Dialoge auskommt. Ein Fast-Stummfilm. Obwohl die Handlung ausserordentlich merkwürdig ist und recht viele Interpretationen zulässt, zielt hier doch alles auf eine Kernbotschaft: Wie werden wir durch die Medien beeinflusst? La Antena zeigten wir vor einigen Jahren in der Bar 25 und der retro-futuristische Look fand allgemeinen Beifall. Eine Kreuzung aus den Werken der Gründerzeit des Kinos und artifiziellem Science Fiction - wer könnte da "Nein" sagen? Dumm nur, dass ich selbst kein grosser Freund von La Antena wurde. Die Geschichte hat etwas skurril Launenhaftes, dass ich fast nachsichtig darüber hinwegsehen wollte, dass dem Film doch ein wenig die Bodenhaftung fehlt. Ganz oft fragte ich mich, an welchem Punkt der Handlung ich mich gerade befinde? Was passiert da bloss? La Antena spielt in der Zukunft und in der haben die Menschen die Sprache verloren. Die Gehirne, sie sind vom Fernsehen kräftig durcheinander gerührt worden. Alle werden beherrscht vom Mogul Mr. TV, der auf der Jagd ist nach dem letzten Einwohner mit Stimme: Das ist ein Sänger, dessen Sohn dafür ohne Augen auskommen muss. Wie entledigt man sich eines Mr. TVs? Indem man in das Innere seines Senders vordringt... Das Fernsehen ist mal wieder an allem Schuld, dumm nur, dass diese gar nicht so originelle Botschaft in einer so hochmütig ästhetischen Hülle serviert wird! Die klassischen Stummfilme, sie waren aber modern! State Of The Art! La Antena wirkt da manchmal eher wie eine Ausgrabung auf dem Friedhof. Heute ist eben alles "vintage". Ein bisschen scheint Sapir da den Pioniergeist jener Zeit misszuverstehen: Die Klassiker versuchten nicht nur gut auszusehen, sondern vielmehr ein Medium zu entwickeln! Genug aber der kritischen Einwände, denn trotzdem bietet La Antena neben seinen wirklich wundervollen Bildern auch genug amüsante Momente, um gut zu unterhalten. Ein hübsches Kleinod, abseits vom Mainstream, wenn auch nicht so ein grosses Meisterwerk, wie La Antena es wohl gern wäre!

Freitag, 27. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Derek Jarman - Blue

 Our Daily Free Stream: Derek Jarman -Blue. In Derek Jarmans letztem Film sehen wir so wie er: Blau. Langsam verliert Jarman seine Sehkraft als Zeichen seiner Krankheit Aids. Der Soundtrack aber beschwört kraftvolle Bilder seiner mentalen, körperlichen und emotionalen Belastung hervor. 1993 konnte Jarman Blue fertigstellen, bevor er schliesslich starb. Tatsächlich kam ihm die Idee bereits 1974 als er ein Gemälde des französischen Künstlers Yves Klein betrachtete. Jarman beschloss, einen blauen Film zu machen. Tatsächlich ist die einzige Einstellung seines Films von Klein: Das Blau in Jarmans Film - ultramarine. Für Klein ist dieses Blau Ausdruck einer grenzüberschreitenden Realität, hin zum Zustand immaterieller Spiritualität. Immer war Jarman fasziniert vom Mythischen, vom Religiösen. Die Schönheit des heroischen Leids - betrifft es nicht auch den Kampf des Homosexuellen? 1986 erfuhr Jarman, dass er HIV positiv war. Langsam verlor er sein Augenlicht und er erinnerte sich an das Konzept eines blauen Films. Das Drehbuch wird von Schauspielern und Jarman selbst vorgetragen. Poesie und Narration stehen nebeneinander, wobei ganz verschiedene Bedeutungen und Interpretationen möglich sind. Einige autobiographische Episoden lassen Blue sogar zu einer Art Charakter reifen. Die Musik von Simon Fisher-Turner badet in herrlichen Chorgesängen und bietet immer wieder Alltagsgeräusche wie eine tickende Uhr oder Glocken und Gongs. Darüber hinaus hören wir Musikstücke von Brian Eno, Coil und Erik Satie. 1942 wurde Jarman in Northwood geboren. Die meiste Zeit seines Lebens verbrachte er in London, wo er 1994 verstarb.

Donnerstag, 26. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Berlin Alexanderplatz (engl. subt.)


Our Daily Free Stream: Berlin Alexanderplatz (engl. subt.). Alfred Döblin meinte es wirklich ernst mit der Moderne. Er stammte aus einer gutbürgerlichen jüdischen Familie und wurde Nervenarzt zu einer Zeit, da das noch heftig umstritten war. Ausserdem verfasste er Artikel für die expressionistische Zeitschrift "Der Sturm". Seine Essays über Berlin veröffentlichte er bereits während des ersten Weltkrieges und daraus wurde später sein Roman Berlin Alexanderplatz, der diesen Charakter beibehielt. Eine Mischung aus Collagen, inneren Monologen und expressionistischen Ausbrüchen. Wer es liest, meint, unmittelbar dabei zu sein! Ganz nebenbei ist dieser erste Grossstadt-Roman aber auch ein gewaltiger Brocken Gesellschaftskrritik. Phil Jutzi war einer der Wegbereiter des proletarischen Kinos in der Weimarer Republik, gefilmt vor Ort mit echten Menschen. Nach Döblins Drehbuch entstand dieser letzte grosse Film Jutzis. In der Hauptrolle, der umstrittene Star Heinrich George als Franz Biberkopf. Damals bekundete George noch seine Sympathie für die Linken. Später ging er nach Hollywood, um 1933 als grosser Nazi-Schauspieler zu wirken. Über seine politische Schuld mag man streiten, seiner schauspielerischen Kraft aber kann sich niemand entziehen! Wie wurde das Simultane und das Klangliche der Romanvorlage im Film wiedergegeben? Etwas unbeholfen durch eine Und-Dann-Erzählweise. Wer aber ein Mal George als Franz Biberkopf gesehen hat, kann sich niemand anderen mehr in der Rolle vorstellen. Fast zerbricht der Film an dieser imponierenden Figur: Einige Szenen haben dokumentarischen Charakter, dann wieder verkommt Berlin zur Kulisse. Mitten drin, Biberkopf. Ein einsamer Typ, gerade aus dem Gefängnis entlassen, der vom Tempo und dem Lärm der Grossstadt überfordert ist, aber trotzdem entschlossen, ein ehrbares Leben zu führen. Manchmal verlässt sich der Film zu sehr auf seine Schauspieler und wirkt dann wie uninspiriert herunter gefilmtes Theater. So viel weniger traut sich diese Verfilmung zu als das Original! Entnommen wurde nur die Unterweltshandlung, aber nicht das Ganze - vielleicht ein grundsätzliches Problem bei Literaturverfilmungen. Trotzdem bietet sich uns die Gelegenheit, in das "goldene Zeitalter" Berlins zu blicken. Was sehen wir? Die Stadt mit all ihren Verwünschungen und Fallen. Für Bieberkopf ist bereits die Bürokratie zu viel. Das Kleinbürgertum ist nicht seine Welt, aber der soziale Aufstieg misslingt. Bieberkopf entgeht einem Mordversuch, verliert einen Arm und die nächste Katastrophe lauert schon. So klingt das: „Biberkopf ist ein kleiner Arbeiter. Wir wissen, was wir wissen, wir habens teuer bezahlen müssen." Bieberkopf verschwindet in der Menge, doch ist das für einen Heinrich George überhaupt möglich? Der sucht den grossen Auftritt und da haben wir das Dilemma wieder. (Dazu gibts unsere Film List Deutschland Filmauswahl 1930-33 auf cinegeek.de

Mittwoch, 25. Mai 2016

Our Daily Free Stream: El Secreto De Sus Ojos (spanish only).


Our Daily Free Stream: El Secreto De Sus Ojos (spanish only). El secreto de sus ojos eröffnet mit einem Wiedersehen nach vielen Jahren von Benjamin (Ricardo Darin) und Irene (Soledad Villamil). Sie ist Richterin, er Justizbeamter im Ruhestand. Vor 25 Jahren, als sie noch Assistenz-Richterin war und er für sie Dienst abhielt, bearbeiteten sie einen besonders traumatischen Fall. Eine junge Frau wurde ermordet. Man verurteilte zwei Hilfsarbeiter - zu Unrecht wie Benjamin noch heute behauptet. Er eröffnet deshalb Irene, dass er auf eigene Faust den Fall wieder aufrollen würde. Hier beginnt eine Reise in die Vergangenheit: Buenos Aires 1974. Dabei geht es um viel mehr als nur einen ungelösten Mordfall. Immer stärker werden wir hineingezogen in die Gefühlswelt von Irene und Benjamin. Es geht um Emotionen, die nie gezeigt werden konnten und um die Frage, ob beide überhaupt richtig gelebt haben? Soledad Villamil ist die perfekte Frau (und wer sieht nicht gerne Traumfrauen im Kino??) - nicht nur für diese Rolle. Erwachsen, vernünftig, mit grossen ausdrucksstarken Augen. Immer wieder sehen wir sie in Nahaufnahme und oft drücken ihre Augen das aus, was sie nicht ausspricht. Ricardo Darin spielt Benjamin, dessen Position in der Vergangenheit zu niedrig schien und seine Bezahlung zu gering, um ihre Signale wahrzunehmen. Kann ein einziger Moment ein ganzes Leben entscheiden? Es scheint so. Benjamin wirkt traurig. Er konnte nie aufhören, an diesen einen Fall zu denken und wir verstehen, dass er vor dem Hintergrund der argentinischen Militärdiktatur zu betrachten ist. El secreto de sus ojos bietet im Grunde zwei Parallelgeschichten, einmal den Modfall, zum Anderen die nicht gelebte Liebesbeziehung Benjamins und Irenes. Der Film bietet darüber hinaus sehr lebendige Nebencharaktere: Benjamins ständig alkoholisierter Assistent Sandoval (Guillermo Francella) mag zwar skurril sein, aber nicht nutzlos. Morales (Pablo Rago), der Ehemann der ermordeten Frau, scheint sich immer noch obsessiv mit ihrem Tod zu beschäftigen. Benjamins Hauptverdächtiger war immer Gomez (Javier Godino). Es existiert ein Gruppenfoto mit der Toten und Gomez, in dem der Verdächtige die junge Frau mit einem Blick ansieht, der für Benjamin dessen Schuld beweist. El secreto de sus ojos - er kann es in seinen Augen sehen. Juan Jose Campanella hat diesen melodramatischen Thriller geschrieben und inszeniert wie eine Verbeugung vor dem klassischen Filmemachen. Ein unvergleichbar kraftvolles, liebenswertes Werk, in dessen Geschichte wir eintauchen und dessen Charaktere uns immer vertrauter werden. Campanellas Film wirkt wie ein Zurechtweisung, von formelhaften Drehbüchern und seelenloser Kinoschnellkost! Sein Skript zollt allen Figuren grossen Respekt, kennt ihre Bedürfnisse und geheimsten Wünsche. Immer wieder müssen wir dran erinnert werden, dass Benjamin und Irene im Hier und jetzt leben und darin besteht ihre Tragik. Hier kommt ein grosser, ein echter Film! Einer von denen, die kaum noch gemacht werden.

Dienstag, 24. Mai 2016

Klaus Lemke - Unterwäsche Lügen


Bis dahin hat die deutsche Film-Clique ihn immer abgelehnt: Klaus Lemke, der dafür der Berlinale schon seinen nackten Arsch zeigte. Das ist auch kein Wunder! Der deutsche Film stinkt nach Behörde und selbst der abenteuerliche Bau des Kinos um die Ecke wird zum Kinderspielplatz. Diejenigen, die in Deutschland Film studieren und anschliessend produzieren, das sind Beamte. Sie alle haben eins gemein: Freiwillige Selbstzensur. Danach wird der Fördertopf ausgeschüttet und das Geld möchte brav angelegt werden. Vielleicht ein bisschen Nachwende Thematik? Etwas Sozialkritisches? Wofür kein Platz im etablierten Kino vorhanden ist, dass kann Lemke am besten selbst zusammenfassen. Heute smste er mir diese Zusammenfassung von Unterwäsche Lügen: "Ein Callgirl, die es nicht hinkriegt, Geld für ihre Dienste zu verlangen. Weil sie sexsüchtig ist. Eine Malerin, die ihren einzigen Förderer in den Krater des Vesuvs stürzt. Weil er sich in sie verliebt hat. Und das Opfer der Beiden: Ein Herzensbrecher, der unter gefühlten falschen Geschlechtszuweisungen leidet." Das ist der Stoff der grossen Träume! Das ist Nouvelle Vague und nicht Staatskino!
Film List: Berlin Thriller


Der israelische Künstler Omar Fast hat mit Remainder ein Vexierspiel um Identität erschaffen. Ein junger Mann wird am Kopf getroffen und kann sich an nichts mehr erinnern. Nur Eindrücke wie das Klavierspiel im oberen Treppenhaus bleiben ihm und daraus versucht er, das Vergangene zu inszenieren. Ein ungewöhnliches Genre für einen deutschen Film: Nicht nur ein Thriller, sondern zudem noch ein surrealistischer! Was gibts also Neues aus unserer Stadt? Sebastian Schippers Echt-Zeit Thriller Victoria oder der Hacker Krimi Who Am I erinnern uns daran, dass Film ja nicht nur Drama oder Komödie sein muss. Selbst Filmemacher wie Christoph Hochhäusler versuchten sich zuletzt im Thriller Genre (Die Lügen der Sieger). Und war nicht Tom Tykwers Lola rennt auch so etwas wie ein Thriller? Irgendwann einmal gab es weltberühmte Berlin Thriller wie Dr. Mabuse und M - Eine Stadt sucht einen Mörder von Fritz Lang. Der kann aber auch gleichzeitig als gutes Beispiel dienen, wie Goebbels Film-Prinzipien 1933 eine ganze Generation von Künstlern vertrieb. Lang drehte in Hollywood noch ein gutes Dutzend Mal Variationen von M. In Deutschland rutschte der Thriller seitdem ab ins Fernsehen. Wie viele Artikel habe ich nun schon gelesen, die Dominik Graf als einzigen deutschen Genre Experten bezeichnen? Seine Mini Serie Im Angesicht des Verbrechens ist dann auch das Flaggschiff in der Disziplin Berlin Thriller. Graf kommt aus dem Genre. Er will Spannung erzeugen! Hochhäusler, Tykwer und Sebastian Schipper trauen sich das nicht so recht. Immer hat man den Eindruck, als suchten sie nach Erklärungen, einen Thriller drehen zu dürfen. Das Tempo entspricht eher dem einer Arthaus Produktion. Ja, das gilt auch für Victoria, der mindestens eine Hälfte lang Liebesfilm ist. Graf bleibt der Einzige, der Figuren wie einen Paten der Russenmafia oder zwei Polizisten-Kumpel ohne Scheu so zeichnet, wie wir sie kennen: Aus italienischen oder amerikanischen Produktionen. Graf bleibt auch der Einzige, der mit Freude eine Explosion inszeniert. Hier kommen also die Berlin Thriller der letzten Zeit zum Start von Remainder.

Montag, 23. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Taste Of Cherry (engl. subt.)


Our Daily Free Stream: Abbas Kiarostami - Taste Of Cherry (engl. subt.). Wer erinnert sich noch an das Drama in Cannes 1997? Abbas Kiarostami durfte in letzter Sekunde den Iran verlassen, um zur Premiere von The Taste Of Cherry zu gelangen. Stehende Ovationen gab es für Kiarostami vor dem Film. Am Ende gewann er die goldene Palme. Heute am Videotresen der Filmkunstbar Fitzcarraldo diskutierte ich mit zwei Kunden über den Film. Beide meinten, The Taste Of Cherry sei ein grosses Meisterwerk. Mir kam es so vor, als ob ich einen halbfertigen Film gesehen hätte. Eine Parabel über Leben und Tod, die man wunderbar vortragen könnte, so dass es sich immerhin wie ein grosser Film anhört... Die Geschichte: Ein Mann in einem Range Rover kurvt durch eine Landschaft in der Nähe Teherans, die aussieht wie eine riesige Baustelle. Der Mann heisst Mr. Badhi (Homayon Ershadi). Er will Selbstmord begehen und sucht jemanden, der ihn umbringt. Der Erste, den er fragt, aber, läuft davon. Selbstmord wird vom Koran verboten und so scheint das Unterfangen gar nicht so einfach. Schliesslich aber trifft er einen alten Mann, der Geld braucht und einwilligt. Trotzdem argumentiert der alte Mann, weshalb Selbstmord keine Lösung ist: Könnte er, Badhi, ohne den Geschmack von Kirschen leben? Kiarostami erzählt das in langen monotonen Einstellungen. Fast nie sieht man zwei Figuren während einer Einstellung. Gaaanz lange fährt der Range Rover durch die verwüstete Landschaft, dann wieder raucht Bahi in einer genauso langen Sequenz. Die beiden Kunden am Videotresen lobten Kiarostami, der so langsam und intensiv filmt. In einer Zeit, in der unsere Aufmerksamkeitsspanne immer mehr sinkt (so lerne ich), wäre The Taste Of Cherry ein heilsames Gegenmittel. Durch die Langsamkeit des Films könnte man sich voll auf das existentielle Dilemma des Mannes einlassen. Ich habe an sich überhaupt kein Problem mit langsamen Filmen. Ich liebe die japanischen Klassiker, ja bin süchtig nach ihnen! Kiarostamis Stil aber kommt mir affektiert vor. Sein Subjekt verlangt diese Monotonie gar nicht! Und Badhi? Können wir uns auf seinen Charakter, sein Dilemma, nun wirklich besser konzentrieren? Wäre es aber nicht hilfreich, ihn etwas besser zu kennen? Wissen wir überhaupt etwas von ihm? Kiarostami unternimmt keinen Versuch, uns diesen Mann näher zu bringen. Er lässt ihn nur bedeutungsschwanger in die Ferne blicken. Und ist es notwendig, dass wir Kiarostamis Kamerateam manchmal im Bild sehen? Soll uns das bewusst machen, dass eben alles nur ein Film ist? Ich hätte da allerdings eine schlechte Nachricht: The Taste Of Cherry kommt so leblos daher, dass ich nie wirklich in den Film eintauchen kann. Im Grunde gebe ich den beiden Kunden Recht: Es ist gut, wenn Filme nicht bloss ein Action-Gewitter sind! Gut, wenn ein persischer Regisseur heimlich dreht und damit so einiges riskiert! Ja, wir alle befürworten künstlerische Freiheit in der islamischen Republik! Ja, es gibt ganz grossartige Filme aus dem Iran! Ist aber The Taste Of Cherry eine Erfahrung, die ich nicht missen möchte? Nein.
Our Daily Free Stream: Bob Dylan - Eat The Document

 Our Daily Free Stream: Bob Dylan - Eat The Document. Zum 75. Geburtstag von Bob Dylan! - D. A. Pennebaker und Bob Dylan - fast eine Liebesgeschichte! Eat The Document wurde während Dylans 65er Tour durch Grossbritannien gefilmt von Pennebaker unter der Regie von Dylan. 1966 aber hatte Dylan einen Motorradunfall unter Eat The Document bleib Fragment. Teile davon kennen wir aus No Direction Home, den ganzen Film aber gibts nicht auf DVD. Zum 75. Geburtstag von Dylan lohnen sich diese knapp 55 Minuten Material.

Sonntag, 22. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Nicolas Winding Refn - Pusher (german dubbed)

 Our Daily Free Stream: Nicolas Winding Refn - Pusher (german dubbed). Nach The Neon Demon, der dieses Jahr ins Kino kommt, arbeitet Nicolas Winding Refn nun an einer TV Serie mit dem Titel Les Italiens. Grund genug, sich noch einmal sein Debüt anzusehen. - Es ist ein grauenhafter Job, Pusher zu sein. Diejenigen, die den Job machen, sind selbst süchtig und es ist nur eine Frage der Zeit, wann sie sich ihre Drogen nicht mehr werden leisten können. Noch aber befinden sie sich in einem Zustand der Euphorie. Doch was kommt danach? Ein Zustand der Leere. Wieviele Pusher habe ich schon im Kino gesehen? Ich kanns kaum sagen. Fast lle aber werden als "coole" Typen dargestellt in urbanen Filmen, die den Glanz der "Meanstreets" heraufbeschwören. Der Pusher ist ein Kind der Strasse mit dicken Autos und schönen Frauen. Nicolas Winding Refn kennt die Vorbilder und war ganz am Anfang seiner Karriere mit der Handkamera in Kobenhagen uhterwegs, um dieses Milieu zum Leben zu erwecken. Dabei ist es ihm gelungen, sich von den Vorbidern zu entfernen, dem Genre aber trotzdem treu zu bleiben (denn die blosse Handlung von Pusher erzählt nichts Neues). Weil Refn Däne ist, haben alle "Dogma" geschriehen, ob seiner verwackelten Bilder. Zu Unrecht, denn Refns Film ist straff inszeniert. Hier bastelt ein junger Filmemacher voller Selbstbewusstsein am europäischen Genre Film und Pusher hat er über die Zeit sogar zur Trilogie ausgebaut. Refn wuchs in New York auf und wer Pusher ansieht, bemerkt sofort, welche Gangsterfilme sein Regisseur am liebsten mag. So harte Szenen Pusher auch zu bieten hat, im Grunde ist das ein sehr melancholisches Werk. Pusher ist im Genre Kino verwurzelt, wirkt aber durch die rohe Machart sehr realistisch. Diese Urgewalt, bestimmt kriegt sie nur ein junger Wilder, ein Debütant wie Refn so hin! Wir erleben den jungen Mads Mikkelsen in einer Nebenrolle. Pusher aber wird getragen von Kim Bodnia, der jede Szene mit einer Vehemenz an sich reisst, wie das nur ganz wenigen gelingt. Er spielt Frank, ein Arschloch, das sich für etwas besonderes hält. Bodnias grösste Stärke sind seine Wutausbrüche. Sein Gegenpart ist Zlatko Buric als Milo, ein kalter Gangsterboss. Er bietet selbst nach einem versauten Deal noch freundlich Kaffee an, aber wir haben keine Zweifel an seiner Skrupellosigkeit. Refns Film ist nie fasziniert von diesen Gangster-Typen und ihr Milieu wird ohne falsche Romantisierung gezeigt. Refn nimmt die Nöte und Sorgen seiner Protagonisten ernst (Frank muss am Ende sogar zurück zu seiner Mutter) und ist meilenweilt entfernt vom hippen Gangstergeblödel der 90er. Jeder Anflug von Ironie verschwindet spätestens aber der zweiten Hälfte des Films, Komödie findet nicht statt. Stattdessen konzentriert sich Refn auf seinen erbarmungslosen Spannungsbogen, der so intensiv und mitreissend wirkt, wie es kein "postmodernes" Filmchen je könnte! Refns Realismus macht den Unterschied aus und deshalb entwickelt Pusher das Genre ein Stück weiter.

Samstag, 21. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Begotten

 Our Daily Free Stream: Begotten. Hier kommt einer der verstörendsten Filme aller Zeiten, der in keinem vernünftigen Ranking dieser Art fehlen wird. E. Elias Merhiges Schwarzweissfilm ohne Dialoge imponiert aber nicht nur denjenigen, die etwas Ekelhaftes wünschen. Der Maler und Performer hat einen Mythos in eigener Sache erschaffen. Fragt man ihn, was es heute noch in der Kunst zu entdecken gebe, wird aber die Antwort aber nur vermeintlich Begotten lauten. Merhige geht es um Effekte und weniger ein schlüssiges "Konzept". Er ist kein Theoretiker! Die Charaktere in Begotten lassen sich identifizieren als "God Killing Himself", "Mother Earth" und "Son of Earth". Es scheint, als würde hier auf groteske Art und Weise eine Gottheit geboren und gequält. Für mich sieht es so aus, als ob sich dieser Gott gleich im Anschluss an seine Geburt selbst umbringt. Mit Splatter-Effekten und viel Geschmodder gebährt dann auch Mutter Erde. Die gequälten Kreaturen werden durch die grob körnige Fotografie und den Soundtrack, der sich wie ein Herzschlag anhört, tatsächlich zum Mysterium (oder hat irgendwer begotten "verstanden"?). Merhige scheint dabei vor allem auf sich selbst konzentriert. Das Publikum, es ist ihm offensichtlich ganz egal! Um uns mit einzubeziehen ist begotten auch einfach zu grotesk!

Freitag, 20. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Rudolf Thome - Rote Sonne (german only)


Our Daily Free Stream: Rudolf Thome - Rote Sonne (german only). Ein ganz falscher Zugang zu Rote Sonne würde eine Diskussion darstellen, weshalb die vier schönen Frauen in Rudolf Thomes Film Männer umbringen? Sie tun es einfach, weil "sie es verdient haben". Das Gesindel. Jeder Mann, der länger als fünf Tage in ihrer WG bleibt, wird getötet. Erschossen, ertränkt oder überfahren. Rote Sonne kam 1970 ins Kino und es würde sich nun anbieten, das Werk für einen feministischen Film zu halten. Ich denke aber, dass Rudolf Thome sich mit der griechischen Antike auseinandergesetzt hat und gern Hollywood Action Filme sieht. Wie in der griechischen Tragödie taucht ein Jüngling auf (Thomas, der von Marquard Bohm gespielt wird und aussieht wie ein Mod) und fängt ausgerechnet eine Liebesbeziehung mit der Anführerin der Mädchentruppe, Peggy, (Kommunardin Uschi Obermeier) an. Ausgerecnet für diese Kreuzzung aus Versager und Macho hat Peggy eine Schwäche. Das nützt beiden aber nichts, denn bevor die rote Sonne am Starnberger See aufgeht, wird das Paar sich gegenseitig erschossen haben. Weil das so schön nach Hollywood aussieht. Oder nach einer griechischen Tragödie. Bohm und Obermeier spielten auch in Thomes erstem Film gemeinsam. In Rote Sonne sind sie definitiv das glamoröseste deutsche Kino-Paar - ein Jammer, dass es nicht noch mehr Filme mit den Beiden gibt! Wohl niemand ausser Bohm könnte die abstrusen Dialogzeilen aus Rote Sonne so vortragen: "Arbeit, die dem eigenen Lebensrythmus widerspricht, kann verheerende Folgen auf den gesamten Organismus haben". Darauf sie: "Du bist faul". Wer den Film so oft wie ich gesehen hat, kann sich auch mal damit beschäftigen, was hinter der Rahmenhandlung passiert. Rote Sonne wurde 1969 in München gedreht und während der Aussendrehs sieht man fast keine anderen Autos als VW Käfers. Die Wohnung, in der die Killer-Frauen leben, konnte einfach so übernommen werden. Die bunten Wände, die waren schon so. In der WG herrscht auch ein munterer Bettentausch: Jede schläft dort, wo was frei ist. Rudolf Thome ist ein redseliger Mann und insbesondere zum Dreh von Rote Sonne gibts viel zu berichten. Er hat das mal in den Tilsitter Lichtspielen veranschaulicht. Uschi Obermeier durfte sich nie länger als drei Tage aus der Kommune 1 entfernen und musste daher ständig von München nach West-Berlin geschafft werden. Marquard Bohm hat seine Rolle tatsächlich gelebt; sein Anzug erzählt eine ganz eigene Geschichte im Film. Rote Sonne wurde chronologisch gedreht und mit jeder Szene wird sein Anzug schmuddeliger. Bohm trug ihn auch nach dem Dreh privat, ging damit auf Parties. Bereits Ende der 60er unterschied man in Deutschland zwischen den staatlich förderungs"würdigen" Filmen des Filmverlags der Autoren und denen, die kein Geld bekommen. Rote Sonne gehörte zur letzteren Sorte. Thome gehörte zur sogenannten "Münchener Gruppe", die ein eigenes Oberhausener Manifest unterzeichneten, um sich vom ersteren abzugrenzen. Rote Sonne liebt die Vorbilder aus Hollywood und Frankreich, Schusswechsel und Verfolgungsjagten. Die deutsche "Realität" ist dem Film nicht so wichtig. Hier kommt also einer der seltenen deutschen Filme, in dem die Schauspieler wie Stars wirken, alles künstlich wirkt und vor allem echt sexy! Also echt!

Donnerstag, 19. Mai 2016

Maren Ade - Tini Erdmann


Familiendramen

aus Deutschland
Maren Ades Toni Erdmann war in Cannes der Film, von dem die meisten sprachen und wird es auch in nächster Zeit bleiben. Hier kommen deshalb noch mehr Familiendramen aus Deutschland.
Our Daily Free Stream: Michael Mann - Heat


Our Daily Stream: Michael Mann - Heat. Zum Geburtstag des Regisseurs! - Es gibt diese eine Szene im Zentrum von Heat, die das Subjekt von Michael Manns Action Thriller ist. Hier haben wir den Polizisten Hanna (Al Pacino), der einen der meistgesuchten Diebe, McCauley (Robert De Niro), jagt. McCauley ist ungeheuer raffiniert und achtsam - fast unmöglich zu fangen. Seit Tagen ist Hanna bereits hinter ihm her, bis dahin erfolglos. Eines Nachts als Hanna McCaulys Wagen beschattet, lässt er ihn einfach rechts ran fahren. McCauley ist bewaffnet, doch das ist kein Moment der Gefahr. Hanna fragt bloss: "What do you say I buy you a cup of coffee?" - McCauley antwortet, dass sich die Idee gut anhört. Nun sitzen sich diese beiden müden Männer mittleren Alters im Diner gegenüber. Beide haben so viel Erfahrung, dass sie genau wissen, was der Gegenüber repräsentiert. Sie trinken zusammen Kaffee. McCauley erzählt eine Anekdote, wie er mal einen Liqueur Store ausraubte. Schliesslich endet ihr Gespräch. "I don't know how to do anything else", sagt der Dieb. "Neither do I." Diese Szene verdeutlicht uns: Hier sitzen zwei Männer, die einander brauchen. Sie sind Feinde, teilen aber diesen intimen Moment, der sie einander näher bringt als es ein Treffen mit Freunden könnte. Oder mit ihren Frauen. Frauen, sie sind das andere Thema in Heat. Zwei der wichtigsten Charaktere sind verheiratet und auch McCauley verliebt sich. Hannas dritte Ehefrau, die auch noch Justice (Diane Venora) heisst, ist zornig über die Obsession, die er seiner Arbeit entgegenbringt. McCauley seinerseits will sich auf nichts einlassen, dass eine längere Zeitspanne als 30 Sekunden umfasst. Er lernt eine Frau namens Eady (Amy Brenneman) kennen, die unbedingt wissen will, was er macht. McCauley fragt sie, woher dieses unbedingte Interesse rührt. Eady begründet es mit ihrer Einsamkeit. "I am not lonely", entgegnet der Dieb, obwohl er offensichtlich der einsamste Mann der Welt ist. Später wird er merken, dass er sie braucht. Da ist er wieder, der uralte Konflikt im amerikanischen Film: Der arbeitende Mann und die Frau, die ihn zu Hause halten will. Michael Mann behandelt das mit viel Verständnis und Einsicht. Sein Drehbuch hat phasenweise fast literarische Qualitäten. Die Männer in Manns Film können gar nicht anders. Selbst als McCauley und seine Bande das Geld zusammenhaben, sich nach Neuseeland abzusetzen, sind sie dazu nicht in der Lage. Es ist nicht die Beute, es ist der Kitzel! Während des gesamten Films bleibt McCauley der Stratege, während Hanna seinen nächsten Schritt erraten muss. De Niro und Pacino (zum ersten Mal gemeinsam vor der Kamera) haben die meiste Zeit ihrer Karriere damit verbracht, Cops und Gangster zu spielen. An dieser Stelle soll die Diskussion vorweggenommen werden, wie diese beiden Actors (sie lernten ihr Schauspiel im Actors Studio nach den Prinzipien von Lee Strasberg) an ihre Rollen herangehen würden. Würden sie als Vorbereitung ihre Zeit mit Cops und Gangstern teilen? Ich denke aber, De Niro und Pacino haben ihre Rollen aus Versatzstücken alter Hollywood Filme zusammengesetzt. Instintktiv erfassen sie, wie der maximale Effekt erreicht wird! Die Frauen befinden sich meist in der Küche und es wirkt, als ob sie ihre Jungs abends vom Spielen heim rufen. Hannas Frau ist die unerbittlichste und auch die verbitterste: Immerhin bringt ihr Mann seine Leichen mit ins Ehebett, wenn er nachts unter Albträumen leidet. Im Grunde ist ihre Ehe ein Witz. Die anderen Frauen mögen noch Illusionen haben, doch wir wissen, wo die enden werden. Bestimmt nicht in Neuseeland! Heat ist nicht einfach bloss ein Action Film. Die Dialoge erlauben den Figuren, uns mitzuteilen, was sie denken und fühlen. Es gibt sogar poetische Momente und im Grunde sind ihre Themen existentialistisch. Es ist schrecklich, wenn man sich niemandem mitteilen kann, wenn man seine Gefühle nicht ausdrücken kann. Diese Charaktere sind dazu in der Lage. Es hilft ihnen aber trotzdem nichts.

Mittwoch, 18. Mai 2016

Our Daily Free Stream: The Proposition (german dubbed)


Our Daily Free Stream: The Proposition (german dubbed). Das ist nicht Texas, das muss die Hölle sein! The Proposition ist ein Western, der durchaus bekannte Figuren aufbietet wie Desperados, einen korrupten Major und aufgebrachte Eingeborene. Die Landschaft aber habe ich so nie gesehen. The Proposition spielt im australischen Outback, dort wo der Himmel auf die Erde zu stürzen droht. Die Musik dazu stammt von Nick Cave und der hat auch das Drehbuch geschrieben. Die Geschichte ist voller Furcht und Verzweiflung. Im Mittelpunkt steht Arthur Burns, ein Ungeheuer. Gegen ihn aufgeboten wird Captain Stanley (Ray Winstone), der nicht zwingend als Sheriff zu bezeichnen ist, weil das Land im Grunde kein Recht kennt. Er ist besessen davon, Arthur Burns und dessen Brüder Charlie (Guy Pearce) und Mike (Richard Wilson) zu jagen. Die Burns Brüder haben die Hopkins Familie niedergemetztelt, auch die schwangere Frau. Sie taten das offensichtlich zum Vergnügen, nicht für die Beute. Captain Stanley lebt zusammen mit seiner Frau aus England, Martha (Emily Watson). Sie wirkt wie eine Kolonialistin au dem Viktorianischen Zeitalter (und man fragt sich, weshalb er sie in diese Hölle gebracht hat?). "I will civilize this land," nimmt sich Stanley vor, doch das Unterfangen scheint 1880 in Australien vollkommen unmöglich. Charlie und Mike Burns kann er einfangen, doch Arthur ist noch frei. Stanley macht Charlie das Angebot, den eigenen Bruder zu verfolgen... The Proposition ist ein Film, der kein Erbarmen kennt und darin ist der Western kompromisslos wie kaum ein anderer. Die Charaktere von The Proposition tragen kaum noch menschliche Züge, denn sie leben in einem Land, in dem Angst überall spürbar ist. Die Leere des Outbacks scheint alles Menschliche abzustossen. Und die Aborigines? Einzig der Haus-Sklave Two Bob scheint das Richtige zu tun: Er verschwindet eines Tages und lässt nur seine Schuhe zurück.

Dienstag, 17. Mai 2016

Our Daily Free Stream: True Romance


Our Daily Free Stream: True Romance. Zum Geburtstag von Dennis Hopper! - Das hier ist ein Film, der sein eigenes Universum kreiert und sich frech darin sonnt. In der eigenen Glorie. Unschwer zu erkennen, entspringt dieses Universum aus den tiefsten Wünschen eines Heranwachsenden (und zwar eines männlichen). True Romance sind die feuchten Träume eines Teenagers, der Martial Arts Filme liebt, Waffen und Mädchen mit dicken Dingern. Schlecht ist der Film deshalb nicht, es braucht nur den richtigen Zugang. True Romance öffnet einfach ganz viele Schubladen voller Klischees und sortiert. Das aber mit solcher Energie, soviel Spass und derartig bekloppten Einlagen, dass ich mich nur schwer dagegen wehren konnte! Einfach das Gehirn am Einlass abgeben. Der Held Clarence (Christian slater) ist die Identifikationsfigur. Er arbeitet im Comic Laden und verbringt seine Freizeit damit, Kung Fu Filme zu glotzen. Schwer fassbar für ihn, als eine Blondine (mit einem archetypischen 90s Haarschnitt) in sein Leben dringt. Sie heisst auch noch Alabama (lechz!) und wird gespielt von Patricia Arquette. Muss man noch erwähnen, dass sie eine Hure ist? Ich denke, es ist der einzige mögliche Beruf für eine Bombe wie sie in einem Film wie True Romance! Ihr Job bedeutet übersetzt: Viel Freizeit, keine Eltern, immer erreichbar, zumindest ab einem gewissen Preis. Natürlich kosten solche Damen wie Alabama nie etwas für den Helden in Filmen wie True Romance. Beide zusammen ergeben ein Comic Paar, das in Bonbon Farben strahlt! Alabama ist übrigens die Unschuld in Person. Erst seit vier Tagen arbeitet sie als Nutte, doch hat bereits einen grausamen Zuhälter hinter sich (Gary Oldman). Mit ihm wird sich Clarence auseinandersetzen müssen... Clarence ist beides: Mutig und dumm und so kommt das Paar in den Besitz von fünf Millionen Dollar, die der Mafia gehören. Verfolgt vom Mob gehts über Land Richtung Rio. Inszeniert hat Routinier Tony Scott den Film. Der wahre Autor, dessen Handschrift jede Dialogzeile auszeichnet, ist aber Quentin Tarantino, der gerade in Sundance seinen ersten eigenen Film vorgestellt hatte. Tarantino kreiert diese Welt aus harten Typen, leichten Mädels und schmierigem Melodram. Dazu gibts Waffen, Drogen und ganz viele Intrigen. Wie in den frühen Tarantino Filmen so üblich, gipfelt der Plot darin, dass sich sämtliche Parteien bewaffnet gegenüber stehen und losballern. Es gibt keinen einzigen Moment des Innehaltens, geschweige denn tieferer Gedanken. Hier ist alles Style und Action! Viel mehr noch als die Rahmenhandlung machen einzelne Szene Spass. Das liegt am ungeheuren Cast: Christopher Walken, Dennis Hopper und Brad Pitt haben unvergessliche Auftritte. Val Kilmer schliesslich spielt Elvis, der ein guter Ratgeber in allen Lebenslagen ist. Falls du dich nicht darüber wunderst, dass sogar der Geist von Elvis mitmacht, bist du hier ganz sicher im richtigen Film!

Montag, 16. Mai 2016

Our Daily Free Stream: The Night Porter

 Our Daily Free Stream: The Night Porter. Gleich sechs Filme sind in Arbeit mit Charlotte Rampling. Wir können uns nicht satt sehen an ihr! Das verruchte Image von Rampling, ich denke, es haftet ihr an seit ihrem Auftritt in The Night Porter. - Ein hässlicher, da schmieriger Versuch, uns Leid und Verfolgung als Exploitation unterzujubeln. Nazi Chic. Es gibt eine ganze Reihe von Kunden, die die DVD stolz leihen, um zu beweisen, dass sie hier keinen Müll in den Händen halten, sondern etwas "Bedeutungsschwangeres". In einigen Kreisen gilt das als "kulturell offen". Den Plot an sich will ich gar nicht per se aburteilen: Die sadomasochistische Liebesgeschichte zwischen dem Aufseher eines Konzentrationslagers und seines ehemaligen Opfers, einer damals 17jährigen. Il portiere di notte setzt nun 15 Jahre später ein. Das könnte psychologisch interessant sein, doch hier wird es als Seifenoper verbraten. Würde es nicht ein solch verachtenswerter Versuch sein, man könnte darüber lachen! Seit Gottfried Benn mag es diesen Aspekt geben, die Nazi Zeit als Untergang und Verdammnis zu empfangen. Während der 70er wurde diese Diskussion wieder laut - aber wie dekadent ist das? Für mich sind Exploitation Filme vor allem zum Lachen da. Sie richten sich an eine bestimmte Sorte Nerd. Diese Art von Geek: Männlich, nicht mehr ganz jung, nicht ganz schlank, schaut nachmittags Filme und isst dazu Kekse. Il portiere di notte aber zieht ein "anspruchsvolles" Publikum: Liest Feuilleton, schaut gerne Arthaus. Deshalb sieht der Film auch geschmackvoll aus mit seiner Farbpalette aus viel Braun und Schwarz. Gut besetzt ist er auch mit Dirk Bogarde und der jungen Charlotte Rampling. Doch es ist trotzdem ein grosser Unfug, wie in Rückblenden die unterwürfige Liebesbeziehung des Mädchens und ihres Peinigers dargestellt wird. Wie sie Freude empfindet bei Folter und Vergewaltigung. Jetzt treffen sie sich in Wien erneut. Sie hat einen Amerikaner geheiratet. In dem Moment aber, da der Gatte zur Tür hinaus ist, fangen Aufseher und Opfer wieder an mit ihren Spielchen. Und dann noch dieser Sub-Plot, in dem Bogart einer Art Nazi Einheit angehört, welche die eigenen Spuren vernichtet. Natürlich ist Ramplings Charakter der letzte Zeuge und soll vernichtet werden - so dass die Liebenden zusammenhalten müssen. Liliana Cavani, allen Ernstes, sieht ihren Film als Liebesgeschichte mit ehrlichen Charakteren.Sie wagt es, die Handlung als einen Aspekt der Konzentrationslager zu bezeichnen! Habe ich demnach ein kontroverses Werk gesehen? Wohl eher ein trauriges Zeugnis von Unverständnis.

Sonntag, 15. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Hark Bohm - Yasemin (german only)


Our Daily Free Stream: Hark Bohm - Yasemin (german only). Als ich noch zur Schule ging, gab es einen Film, der Pflichtprogramm war. Klassenweise wurden wir in Reisebusse gesetzt und zum Kino transportiert, um Hark Bohms Yasemin anzusehen. Das war 1988 als Berlin noch die Mauer hatte und wir das Film Genre "Culture Clash" noch gar nicht kannten. Ende der 60er war die erste Generation der "Gastarbeiter" nach Deutschland gekommen, die zweite liefert nun den Stoff für eine Romeo & Julia Geschichte. Bohms Film spielt in Hamburg Altona, dort, wo es türkische Einzelhändler gibt und das Strassenleben gar nicht mehr so deutsch ist. Hier findet Hark Bohm seine verfeindeteten Familien, hier lebt auch seine Julia. Sie heisst Yasemin (Ayse Romey, die nie Karriere machte, obwohl sie so eine tolle Schauspielerin ist - womöglich gabs noch nicht genug "Türkenrollen"?). Yasemin ist 16 und darf merkwürdigerweise Judo trainieren und sich mit Jungs schwitzend auf dem Boden wälzen. Ihr Vater lässt sie Medizin studieren, doch die konservativen Verwandten sehen all das ungerne. Uwe Bohm, den wir aus früheren Hark Bohm Filmen als jungen Abenteurer kennen, spielt den Milieu Romeo auf dem Mofa. Vor seinen Kumpels prahlt er; "In drei Tagen krieg ich sie rum!" Seine Liebe sprayt er an die Wand und bekommt schliesslich Date in Övelgönne an der Elbe auf einem Schiff. Wohl bemerkt: die Angeberei wird zur wahren Liebe! Da tritt der Tybalt auf, Yasemins Vetter, der den Liebhaber mit einer Stange bekämpft, aber besiegt wird. Tragisch, dass er ohne Papiere in Deutschland ist und kein Krankenhaus aufsuchen kann. Schliesslich klettert Bohm - nicht zu ihrem Balkon - aber zu ihrem Fenster hoch und die unschuldig Liebenden küssen sich. Hark Bohm hat reichlich Folklore untergebracht (die türkische Hochzeit oder die Brautnacht) und das haben die Lehrer damals erkannt. Yasemin ist ein ziemlich pädagogischer Film, der uns lehren soll wie sie leben, unsere anatolischen Nachbarn. Er meint das aber ganz aufrichtig, weil Bohms Kamera selbst noch staunend das "Fremde" entdeckt. Folklore hat hier keinen Selbstzweck für das ARD Abendpublikum. Die Charaktere wurden mittlerweile (da sich Culture Clash als Genre etabliert hat) schön breit getreten: Der durchgeknallte Vetter, die verständnisvolle Mutter usw. Das ist aber Hark Bohms Yasemin gar nicht anzulasten, weil er damals schliesslich Neuland betrat! Am interessantesten ist der Vater Yasemins, gespielt von Sener Sen. Eigentlich ist er liberal und tochtervernarrt. Durch den Druck von aussen, sprich durch die Verwandten, muss er sich vom aufgeklärten Patriarchen zum Tyrannen wandeln. Wider besseren Wissens. Geniessen wir Yasemin als romantischen Ausreisserfilm wie Hark Bohm sie am besten kann im Neuen Deutschen Film! Geniessen wir die schöne Ayse Romey und den draufgängerischen Uwe Bohm! Geniessen wir das ungewisse Happy Ending...

Samstag, 14. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Wajda - Danton (engl. subt.)


Our Daily Free Stream: Wajda - Danton (engl. subt.) Zwei Gründe führten zur französischen Revolution: Der Wille zur Republik und die Abscheu vor der Guillotine. Danton schert sich aber weniger um genaue Fakten (was die Kritiker während der frühen 80er teilweise gegen das Werk aufbrachte). Es ist ein Film geworden über die Leidenschaft und Glorie der Revolution! All das wird verständlich, wenn man berücksichtigt, dass Danton vom grossen polnischen Regisseur Andrzej Wajda inszeniert wurde. Wajda lebte während der 80er in Paris und war Anhänger der polnischen Solidaritäts-Bewegung. Der Funken der französischen Revolution, er hat ihn in Polen erlebt! Wajda hat einen emotionalen Historienfilm geschaffen, einen, der Schweiss und Wut atmet! Ihm ist gelungen, den erbitterten Glauben an den Sieg auf Zelluloid zu bannen! Danton wird verkörpert von Gerard Depardieu, der damals noch der grosse Proletarier Frankreichs war. Am besten standen ihm Rollen, in denen überbordende Gefühle etwas Bodenhaftung brauchen. Wenn Depardieu mit seiner heiseren Stimme idealistische Reden vor dem Senat hält, wird es schwer, sich überhaupt wen anderes als Danton vorzustellen. Robespierre wird gespielt von dem polnischen Charakter-Mimen Wojciech Pszoniak. Er führt ihn vor als Hypochonder, der von sich selbst besessen ist. Fast scheint es, als beruhe seine gesamte politische Strategie nur darin, endlich seine Kopfschmerzen loszuwerden. Wajdas Kamera führt uns in das Paris des 18. Jahrhunderts so als ob sie sich dort bestens auskennt. Alles scheint merkwürdig vertraut. Die Strassen sind gefüllt mit den Armen und Abgehängten, mit Dieben und Huren. Es ist das Gesindel, was irgendwie nicht passen will zu den Reden im Senat. Danton und Robespierre, sie stehen gegenüber, sie sind sich dessen bewusst, dass ihr intellektuelles Duell unter der Guillotine enden kann. Beide Schauspieler sind so grossartig, so umwerfend! Wajda hat ihre Rededuelle mit solcher Intensität gefilmt, dass Danton für mich der erste Historienfilm ist, in dem ich nicht Rednern von früher zuhöre, sondern echten Menschen!

Freitag, 13. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Lina Wertmüller - Seven Beauties (engl. dubbed)


Our Daily Free Stream: Lina Wertmüller - Seven Beauties (engl. dubbed). Lina Wertmüllers Seven Beauties handelt von Pasqualino, der durch das faschistische Italien wandelt, noch vor dem zweiten Weltkrieg. Es wird sein Schicksal sein, in deutsche Gefangenschaft zu geraten. Pasqualino landet schliesslich im KZ. Das mag als Plot nicht ungewöhnlich wirken (es gibt viele italienische Filme, die den zweiten Weltkrieg thematisieren), was aber Seven Beauties doch zu einem der einzigartigsten Filme überhaupt macht, ist die Tatsache, dass Pasqualino ein Dummkopf ist. Er ist weder besonders mutig, noch ausgesprochen feige, nicht einmal zynisch. In seinen "besten" Momenten ist er Opportunist, in seinen schwächsten ein gefügiger Spielball. Ich möchte - anstelle einer Spoilerwarnung - vorwegnehmen, dass mich Seven Beauties derartig mitgenommen hatte, dass es mindestens für eine Woche reichte! Natürlich würde Pasqualino sich selbst ganz anders charakterisieren. Er ist der einzige Sohn einer Familie, die nur Schwestern hervorbrachte. Sieben an der Zahl und jede ist noch hässlicher als ihre vorangegangene Schwester. Pasqualino selbst würde sich vermutlich als Mann von Ehre charakterisieren. Er hat dieses Macho Konstrukt der Ehre verinnerlicht und handelt danach. Für ihn ist jede seiner sieben hässlichen Schwestern der potentielle Ruin. Schliesslich schafft es die Jüngste auch, die schlimmsten Albträume wahr werden zu lassen. Sie nimmt einen Zuhälter als Mann und zieht in ein Puff. Pasqualino weiss, was zu tun ist: Er tötet den Zuhälter (der ziemlich gross ist) und verstreut die Leichenteile über ganz Italien in sperrigen Koffern. Auf dieser Reise trifft er auf Gestalten wie den Sträfling, der sich als Axtmörder und Monster von Neapel ausgibt. Es ist einer der typischen Wertmüller Männer, die grosse Posen vor dem Spiegel vorführen und den Kopf in den Nacken werfen. Es könnte sein, dass dieses durchgeknallte Monster aus dem Gefängnis entlassen wurde, um in der italienischen Armee zu dienen. Wir bemerken, wo der Film hin will: Mussolini sammelt bereits Mörder und Schergen für den Krieg ein. Wenn Wertmüller den italienischen Macho-Mann vorführt, gibts viel zu lachen in Seven Beauties. Doch Vorsicht: Das hier ist ein düsterer, grüblerischer Film. Er stellt die Frage, wozu der Mensch bereit ist. Wie tief kann er sinken? Wie sehr lässt er sich erniedrigen? Trotz seines Gehabes ist Pasqualino kein Mann, sondern ein Wurm. Im Konzentrationslager darf er all diese Eigenschaften zeigen. Die Aufseherin (die im Original mit einem bayrischen Akzent spricht) ist eine dicke, garstige Frau mit einer Peitsche, die sie wie eine Damenhandtasche mit sich führt. Durch den Rat seiner Mutter aber weiss Pasqualino, dass selbst die unzulänglichste Frau durch ihr Herz erreicht werden kann. Er muss also nur die Sprache des Herzens sprechen, um die Freiheit zu erlangen. Die Aufseherin durchschaut seine Lügen sofort, benutzt den Dummkopf aber für ihre eigenen Zwecke. Hier wird Seven Beauties zu einer Tortur. Wir sind einiges gewohnt an sadomasochistischen Beziehungen in Wertmüllers Filmen, diese aber verstört mehr als alles andere, was sie je zu zeigen wagte. Die Kommandantin versucht nichts weniger als Pasqualinos Charakter (falls er überhaupt je einen hatte) zu zerstören. Wir stellen uns vor: Der ausgehungerte KZ Häftling muss nun die fettleibige Deutsche ficken, und sie zum Orgasmus bringen. Das ist seine Möglichkeit, freigelassen zu werden. Mit ihrem bayrischen Dialekt aber, wiederholt die Kommandantin, dass sie nichts spürt, während sich der dürre Pasqualino an ihr abarbeitet. Dennoch gibt sie ihm die Chance, frei zu kommen. Er muss sechs Häftlinge auswählen, die anschliessend vernichtet werden. Dann muss Pasqualino seinem besten Freund eine Kugel zwischen die Augen setzen. Das könnte in einem normalen Film der tiefe Fall eines Mannes sein, der jegliche Selbstachtung verliert. Pasqualino aber hatte nie welche und das macht Seven Beauties so faszinierend! Was will Wertmüller uns mitteilen? Will sie uns simple Banalität und Grausmkeit erklären? Will sie uns die Nazi Herrschaft nahebringen, in der es keine moralische Wahl gibt und alle Opfer nur noch eins gemein haben: Die erlittene Demütigung? Ich kann es nicht beantworten. Ich denke, Lina Wertmüllers Film funktioniert auch nicht auf dieser rationalen Ebene, sondern gräbt sich tief ins Unterbewusstsein. Unfassbar und faszinierend! Ihr Film ist fesselnd und geheimnisvoll - er wird sich uns nicht erklären. Giancarlo Giannini spielt einen ganz ursprünglichen Toren, dem wir es verdanken, zumindest einige Male laut aufzulachen. Am Ende aber bleibt nur eines: Tiefer Pessimismus. Wertmüller hat Seven Beauties virtuos inszeniert; ich denke nicht, dass es keine bessere Regisseurin gibt! Seven Beauties, ein verzweifekter Aufschrei, ein Fall ins Bodenlose.

Donnerstag, 12. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Lina Wertmüller - Swept Away (english dubbed)

 Our Daily Free Stream: Lina Wertmüller - Swept Away (english dubbed). Lina Wertmüller ist konsequent darin, eine Fabel über die Bourgeoisie vs. das Proletariat zu erzählen. Genauso konsequent verweigert der Film die Interpretation, hier ginge es nur um Mann und Frau. Ganz nebenbei geschieht hier Ungeheuerliches und du wirst nach dem Film so einige Nachwirkungen spüren. Es gibt vieles, über das man sich hier in den Kopf zerbrechen kann (und genau das wirst du auch tun!) - doch ganz abgesehen davon funktioniert Swept Away auch einfach als schwarze Komödie ganz vortrefflich! Vorgestellt wird uns ein Segler, der so wirkt als hätte er gerade ein Fortbildung im Macho-Gehabe italienischer Art hinter sich. Ihm gegenüber eine schöne Blondine, die ihn in Sachen Macho-Gehabe sogar noch übertrifft. Sie ist das Spielzeug eines reichen Industriellen aus dem Norden. Der sizilianische Arbeiter gegen die Unternehmer-Gattin. Sie nimmt jede Gelegenheit wahr, um ihn spüren zu lassen, für wie dumm und unfähig sie ihn hält - und obendrein noch Kommunist! Schliesslich ordnet sie an, am späten Nachmittag mit dem Schlauchboot auf See zu fahren. Er warnt sie davor, weil es gefährlich sei, doch sie besteht auf ihr Vergnügen. Der Motor des Bootes blockiert und beide treiben ab. Noch spielt sie die grosse Dame, schmeisst einen Fisch weg, den er fängt, weil der stinkt. Sie landen auf einer Insel und die gesellschaftlichen Positionen, die eben noch galten, verkehren sich in ihr Gegenteil. Mit der Finanzkraft ihres Gatten war es ihr möglich, den Segler zu demütigen. Auf der Insel aber zählen nur die Fähigkeiten, die man zum nackten Überlegen braucht. Besonders kontrovers: Es sind männliche Fähigkeiten. Nun kann er sie befehligen. Will sie essen, muss sie seine Unterhosen waschen. Sie quietscht und stöhnt und argumentiert - aber ohne Erfolg. Dann geschieht das Unvermeidbare: Sie, die so lange verwöhnt wurde, wird mit aller Kraft von der Situation angezogen. Er erlegt ein Kanichen, zieht ihm das Fell ab. Von tiefer Trauer über den grausamen Tod des niedlichen Tiers getroffen, stirbt auch etwas in ihr: Der Kampfgeist. Sie gibt sich ihm hin. Viele fühlen sich an dieser Stelle unangenehm berührt. Er schlägt sie, sie verzehrt sich nach ihm. Lina Wertmüller vertritt zwar linke, kommunistische Positionen - eine Feministin aber ist sie nicht. Ich denke, sie will uns zweierlei mitteilen. 1) Ohne die Fassade des Geldes, kann der Kapitalist nicht überleben. Der Arbeiter aber sehr wohl! 2) Die Frau ist eine unterwürfige Masochistin und geniesst es, vom Mann kommandiert zu werden. Wohl bemerkt: Der Film wurde in der Mitte der 70er inszeniert, zu einer Zeit, da die Feministinnen genau diese Vorstellung aus der kollektiven Fantasie tilgen wollten. Nun kommt aber eine der wenigen RegisseurINNEN und macht einen ganzen Film daraus! Und: Wertmüller macht ernst, andere sogenannte "Skandalstreifen" wirken neben Swept Away wie Kindertheater! Wir erleben die Untiefen einer sadomasochistischen Beziehung mit viel Gewalt. Je mehr sie sich unterwirft, desto mehr Lust verspürt sie, ja sie fühlt das Pathos der Liebe. Doch wir haben es mit einem gegensätzlichen Paar zu tun. Nun müssen sie sich entscheiden: Bleiben sie abgeschieden auf der Insel oder kehren sie in die Zivilisation zurück? Der Segler kann nicht glauben, dass sie ihn wirklich liebt. Er verlangt einen Beweis, indem sie zurückkehrt und trotzdem bei ihm bleibt. Ohne zuviel verraten zu wollen, beweist Wertmüller, wie das Klassensystem über unsere Wünsche dominiert. Das mag unbefriedigend sein, aber Wertmüller verfolgt eben ihre politischen Ambitionen und nicht das Begehren ihrer beiden Hauptfiguren. Swept Away, ein Film, dem die Aussage wichtiger ist als seine vordergründige Geschichte. Dennoch: Wir tauchen ein in die Handlung, sind gefesselt und - habe ich das schon erwähnt? - es gibt sehr viel zu lachen! Giancarlo Giannini hat diese riesigen ausdrucksstarken Augen und es ist eine Wucht, wie er seine Figur schliesslich der Frau offenbart, die er eben noch hasste. Um 180 Grad ändert auch Mariangela Melato (mit der wahnsinnigen Stimme!) ihren Charakter, obwohl es so aussieht, als würde sie das gar nicht mitbekommen. Fast ist es zu bedauern, dass Wertmüller einen politischen Film drehen wollte und nicht einfach eine krachige Liebesgeschichte. Wie dem auch sei, der Film gehört zu meinen absoluten Favoriten und ich bin jedes Mal wieder aufs Neue überwältigt!

Mittwoch, 11. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Berlin Calling (germ. only)


Our Daily Free Stream: Berlin Calling (german only). Wieviel Berlin braucht eigentlich ein Berlin-Film? Hannes Stöhr bietet Locations wie die Eastside Gallery, die Oberbaumbrücke und den Alex. Ausserdem dreht er in zwei Clubs: Bar 25 und Maria am Ufer. Der Grossteil der Handlung aber findet dann in der geschlossenen Abteilung statt. Obwohl die Techno Bewegung 2008 schon nicht mehr taufrisch war, liefert Berlin Calling ein schönes Portrait von Techno City (und straft diejenigen Lügen, die damals bereits den Ausverkauf sahen). Berlin Calling, ein Schwanengesang? Wohl eher ein Missverständnis, denn eine Bewegung verlagert sich und mittlerweile gibts gute Clubs sogar in Tegel! Hier kommt also der typische DJ, wie er in der S-Bahn Samples mit dem Mobil aufnimmt und so den Soundtrack der Stadt entwirft. Normalerweise handeln Musiker-Filme immer von Engländern oder Amerikanern und spielen in der "guten alten Zeit". Wohl keine Genre ist konservativer als ausgerechnet der Musikfilm! Berlin Calling spielt aber nicht im tiefsten "Es war einmal", sondern hier und jetzt! Hannes Stöhr darf sich damit als Pionier fühlen, denn er hat den Techno auf die Leinwand gebracht! Sein grosses Thema ist Genie und Wahnsinn und das führt dann auch folgerichtig in die Nervenheilanstalt. Der DJ und Patient heisst Ickarus mit ck und wird verkörpert von Paul Kalkbrenner. Wieviel Kalkbrenner steckt in Ickarus? Ich vermute, ganz viel! Um das Bild zu verstehen, muss man in der griechischen Antike nicht sonderlich bewandert sein. Tauschen wir die Sonne doch einfach gegen den Mirrorball aus, denn schliesslich erlebt Ickarus die echte Sonne nur selten. Er macht die Nacht zum Tag und das weltweit. Stöhr kommt aus Hechingen-Sickingen und hat dennoch zwei formidable Berlin Filme gemacht. Hier zeigt er die Stadt von innen und deshalb wurden in der Bar 25 auch eigens für den Film Parties veranstaltet. Die Kamera darf sich durch die tanzenden Massen schieben und bekommt einen der seltenen Augenblicke, welche die meisten am nächsten Tag nur noch dunkel in Erinnerung behalten. Wie gern hätte ich ein paar solcher Bilder von der Filmkunstbar Fitzcarraldo! Stöhr, so liest man, kannte Kalkbrenner schon einige Zeit und überredete ihn schliesslich, selbst den Ickarus zu spielen. Konsequent ist das bisher seine einzige Rolle geblieben! Ickarus bezeichnet Kalkbrenner als den eigenen Dämon; ein Typ, der dahin will, wo Kalkbrenner heute ist. Ein Typ der dahin will, wo jeder Zweite, der hier so durch die Reichenberger latscht, auch hin will, denke ich manchmal.
Berliner Feierei 1979-jetzt


Desire Will Set You Free von Yony Leyser ist unser Berlin Film des Jahres! Die Sinnsuche zwischen den Geschlechtern taucht tief ein in die Berliner Club-Kultur. Mal kurz ins Roses, dann ins About Blank oder Schlange-Stehen vorm Berghain. Leyser alias Ezra (so heisst die Hauptfigur in Desire Will Set You Free) lässt Underground Grössen wie Peaches und Nina Hagen zu Wort kommen und schliesst ab als Queer Revue. Letztes Jahr durften Open Air Kinos wie die Lohmühle nicht über mangelndes Interesse klagen und der Grund hiess B-Movie - Lust & Sound in Westberlin 1979-89. Hier erleben wir, wie Gudrun Gut mit Malaria den Westberliner New Wave prägt und schliesslich mit ihren Mädels zu Westbam tanzt. Berlin zwischen Punk und Techno. Welche Filme gibts noch, in denen die Stadt das verewigt, was so selten eine Kamera findet: Die Bars und Clubs?

Dienstag, 10. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Life According To Agfa (germ. subt.)


Our Daily Free Stream: Life According To Agfa (german subt.). Ein Pub mitten in Tel Aviv, in dem alle aufeinander treffen: Juden, Palästinenser und israelische Araber, Menschen aus der Stadt und vom Land. Egal ob Soldat, Zionist oder Intifada-Anhänger, man trinkt gemeinsam. Es ist ein Ort, in dem das Miteinander zu funktionieren scheint, wobei die meisten der Charaktere des Films abstossend und schmierig gezeichnet werden. Warum sollten wir uns überhaupt für ihre Probleme interessieren, die einer Soap Opera entstammen könnten? Ein bisschen wirkt die Szenerie wie Theater, was auch daran liegt, das wohl Amateur-Schauspieler verpflichtet wurden. Mit etwas gutem Willen überblickt man aber die langsam hochkochenden Emotionen, zusammengehalten durch die Grundidee, dass die Inhaberin Lenora das Geschehen mit Schnappschüssen festhält (auf Agfa, was dem Film seinen Titel verleiht). Schliesslich betritt eine Gruppe israelischer Soldaten die Bar und die Situation eskaliert. Sie belästigen eine Kellnerin und provozieren die Gäste. Offensichtlich bewerten sie den Pub als "links". Man wirft sie heraus, doch die Gewaltspirale ist nicht mehr aufzuhalten. Am Ende der Nacht steht die Apokalypse. Regisseur Assi Dayan ist der Sohn des ehemaligen israelischen Verteidigungsministers und hat trotz aller Schwächen, wohl den wichtigsten israelischen Film überhaupt gemacht. Im Grunde erleben wir den gesamten Nahost-Konflikt in dem Mikrokosmos der Bar. Gibt es Hoffnung? Wohl kaum.

Montag, 9. Mai 2016

Our Daily Free Stream: The Color Wheel


Our Daily Stream: The Color Wheel. Zum Kinostart und zu unserem DVD Start von Queen Of Earth! - Alex Ross Perry - mögen muss ihn nicht, den Meister des zynischen Kinos, ignorieren kann man den Filmemacher aus Brooklyn aber auch nicht. Im Mumblecire Stil erleben wir hier den Road Trip eines abscheulichen Geschwisterpaares -vielleicht sogar des unsympathischsten der ganzen Filmgeschichte. Der Regisseur selbst spielt Colin, ein Mitzwanziger, der sich selbst aufgegeben hat. Er lebt zusammen mit seiner Freundin unter einem Dach mit den Eltern. Erstaunlich, wie offen die Freundin Colin nicht liebt. Er pflegt einen rassistischen Humor, den niemand teilt und über den nur er selbst lachen kann. Colins Schwester J.R. (Carlen Altman, die Co-Autorin) ist genauso abstossend. Eine Narzistin, die erst mit zehn Jahren das Lesen lernte und von einer TV Karriere träumt. Ihren Freund hat sie gerade verlassen und nun bittet sie Colin um Hilfe. Perry geniesst nun die Situation, sein Geschwisterpaar der Welt auszusetzen, die noch grausamer ist als die Beiden. Das ist es, was seinen Film ausmacht: Schadenfreude. (Dazu gibts unsere Film List "Indie vs. Indiewood" auf cinegeek.de

Sonntag, 8. Mai 2016

Our Daily Free Stream: Pier Paolo Pasolini - Mamma Roma (engl. subt.)

 Our Daily Free Stream: Pier Paolo Pasolini - Mamma Roma (engl. subt.). Die Hölle kennt keine Gnade für Mamma Roma, eine Prostituierte mittleren Alters, die versucht, ihren Sohn zu ernähren. Sie kauft eine Wohnung in einem bürgerlichen Viertel Roms und holt ihren Sohn zu sich. Sie versucht ihm ein bürgerliches Leben zu ermöglichen, doch die Vergangenheit, ihr alter zuhälter, holt sie immer wieder ein. Schliesslich erfährt ihr Sohn, dass sie eine Hure ist und wendet sich ab. Mamma Roma ist Pasolinis zweiter Film. Er zeigt seine Faszination für diejenigen, die am gesellschaftlichen Rand leben. Mit aller Kraft soll hier ein bürgerlicher Status erreicht werden, doch natürlich scheitert dieses Vorhaben letztlich katastrophal. Sein Bild des Proletariats hat nichts Romantisches, die Armen sind bei Pasolini nicht automatisch auch "gut". Pasolini zeichnet das Bild moralischer Dekadenz am unteren Rand. Heute ist Mamma Roma ein Klassiker, aber stellen wir uns vor, wir würden den Film im Italien der frühen 60er sehen. Kommunisten und Faschisten liefen Sturm gegen das Werk, das letztlich verboten wurde. Stilistisch fühlt man sich an die Nachkriegsfilme des Neorealismus erinnert (Anna Magnani ist die einzige "echte" schauspielerin). Mamma Roma ist aber nicht realistisch, sondern ein dunkles Kunstwerk des Filmemachers, der sich vor allem als Poet sieht. Manchmal fühlt man sich wie in einem Gemälde der Renaissance. Jedes Bild wirkt wie eine Komposition. So erleben wir Mamma Roma, wie sie die Promenade entlang steigt, Selbstgespräche führend über das Leben, die Liebe und das Schicksal. Wir kennen ihr Ziel, doch um sie herum erblicken wir nur andere Huren, Zuhälter und Freier.

Samstag, 7. Mai 2016

Our Daily Free Stream: The Woman In The Dunes (engl. subt.)


Neuigkeiten

http://cinegeek.de/woman-dunes-die-frau-den-d%C3%BCnen-suna… Our Daily Free Stream: The Woman In The Dunes (engl. subt.). Kennst du das Gefühl, jahrelang einen Film zu suchen, den du einfach nicht bekommen kannst? So ging es mir mit Woman In The Dunes, bis die vorliegende DVD veröffentlicht wurde (ich weiss, der Netflix User kann das nicht verstehen, denn seine Superhelden stehen per Click stets bereit...). Er würde gern in privaten Unterkünften übernachten, sagt der Mann, der seinen letzten Bus verpasst hat. Er erforscht Insekten in einer entlegenen Wüsten-Region Japans. Nun folgt er einer Fremden, die ihn einlädt, über Nacht zu bleiben. Ihr Haus liegt mitten in der Mulde einer Düne und betreten kann man es nur über eine Leiter. Er klettert die Leiter hinunter und verbringt die Nacht bei ihr als Gast. Am nächsten Morgen findet er die Fremde nackt; ihr Körper ist über und über mit Sand bedeckt. Er will weiterziehen, doch die Leiter ist weg. Ein brutaler Akkord erklingt in diesem Moment. Das ist Woman Of The Dunes, ein scheinbar realistischer Film, der darüber hinaus als Parabel des Lebens funktioniert. Der Mann (Eiji Okada) hat fortan die Aufgabe, Sand für die Fremde (Kyoko Kishida) zu schaufeln, denn sonst würde das Haus zu ihrem Grab werden. Unablässig treibt der Sand, immerfort muss dagegen an gebuddelt werden. Die Frau warnt ihn: Würde ihr Haus verschüttet werden, wäre danach das nächste Gebäude dran. Ich verstehe ihre Erklärung nicht und auch nicht die örtliche Wirtschaft, da die Dorfbewohner den Sand verkaufen. Scheinbar ist der Sand zu salzig, um den Auflagen der Bauwirtschaft zu genügen und wird deshalb billig verkauft. Wie dem auch sei, ein logischer Hintergrund existiert nicht. Regisseur Hiroshi Teshigahara hat aber schliesslich auch keinen Film über Sand gemacht, sondern über das Leben. Und ist der Mann nicht selbst Schuld? Wollte er nicht vor etwas entfliehen? Suchte er nicht die Einsamkeit? Ob sie Sand schaufelt, um zu überleben oder überlebt, weil sie Sand schaufelt, fragt er die Fremde. Wir erkennen den Mythos des Sisyphus darin. The Woman In The Dunes eröffnet mit einer sagenhaften Montage, in der wir erst einen Berg von Edelsteinen betrachten, dann die Düne - eine immer feiner werdende Körnung. Niemals zuvor oder danach habe ich eine solche Kameraarbeit gesehen! Hiroshi Segawa hat den Sand der Dünen so fabelhaft fotografiert, dass wir zwar eine Parabel erleben, aber glauben, alles geschehe tatsächlich! Die Musik von Toru Takemitsu scheint die Handlung dabei gar nicht zu unterstützen, sondern nur zu verspotten. Wer den Film zum ersten Mal sieht, muss meinen, The Woman In The Dunes sei ein psychologisches Erotik-Drama, denn so funktioniert die Ausgangssituation: Eine Frau, die ihren Körper für den Preis lebenslanger Einsamkeit anbietet. Feindseligkeit und Kampf zeichnen ihre Beziehung; im Grunde ist er ihr Sklave. Bondage. Viel stärker als in jedem anderen Film, den ich kenne, wird die Struktur von Woman In The Dunes spürbar durch die Fotografie: Sand, nackte Haut oder Wasser, das wiederum die Beschaffenheit des Sandes verändert. Wir sehen die Frau und meinen genau zu wissen, wie sich ihre Haut anfühlt! Die Sexszenen, sie sind ein Teil der allumfassenden Realität des Films. Das Leben in den Dünen, es besteht nur aus Arbeit, Schlaf, Essen und Sex. Die Frau wünscht sich zwar ein Radio, um wenigstens die Nachrichten zu hören - wir aber wissen, wie bedeutungslos das eigentlich ist. Ganz langsam führt der Autor Kobo Abe das Ungeheuerliche dieser Situation vor. Das Dilemma des Mannes entwickelt sich schleichend während der täglichen Routine in der Düne. Auch die Frau ist eine Gefangene, die zwar von den Dorfbewohnern versorgt wird, aber nicht entkommen kann. Längst hat sie sich ihrem Schicksal gefügt. Ich denke, falls es eine Möglichkeit gebe, zu fliehen - die Frau würde sie nicht einmal ergreifen! Wir erfahren, dass ihre Familie bereits umkam in den Dünen (ihre Knochen sind vor dem Haus begraben). Allein sieht sie sich ausserstande, genug Sand zu schaufeln und würde genauso begraben werden. Der Mann versurcht alles, um aus der Düne zu klettern. Er benutzt sein Wissen als Naturforscher - letztlich umsonst. Doch ist sein Leben im Sand nicht sinnvoll? Alles andere, wie uns eine Stimme aus dem Off (seine eigene?) erklärt, ist bloss Papierkram: Verträge, Lizenzen, Ausweiskarten... Hier erleben wir die Einheit Subjekt - Idee - Stil. Daraus zieht Woman In The Dunes seine ganze Kraft und die liess mich ab der ersten Einstellung des Films nicht mehr los! Mann und Frau, sie können nicht entkommen. Von ihnen hängt das Schicksal der Gemeinde ab und davon das der ganzen Welt. Dann aber findet er heraus, wie die Wasserpumpe in der Düne funktioniert. Immer noch sind sie gefangen, aber von nun an werden die Lebensbedingungen im Sand ein bisschen besser... (Dazu gibts unsere Film List der japanischen Klassiker auf cinegeek.de