im Kino: Yorgos Lanthimos - The Killing Of A Sacred Deer

Gestern rief mich mein Cinegeek Partner an, nur, um mir mitzuteilen, dass der neue Lanthimos Film nicht mehr so gut ist wie die vorigen. Es ist also soweit: Yorgos Lanthimos, der originellste Auteur der letzten Jahre, wird jetzt zersägt! Natürlich zu Unrecht. Mein Cinegeek Partner sollte lieber seine Brille polieren und The Killing Of A Sacred Deer noch einmal richtig ansehen. Es geht um einen Mann, der Gott spielt und einen Jungen, der sich entscheidet, den Teufel zu geben. Alles ist hier metaphorisch. Lanthimos schafft eine unmögliche Situation, um menschliche Ängste spürbar zu machen, ja zu verdeutlichen. Daraus entsteht ein hypnotisierender Horrorfilm, der Fragen stellt, auf die uns einfach keine guten Antworten einfallen. Ist in dieser bizarren Situation überhaupt so etwas wie ein Happy Ending möglich? Lanthimos vereinigt dafür wirklich grosse Schauspieler vor der Kamera und beweist erneut seine Liebe zum Detail. Von wegen weniger gut als seine vorigen Filme? Unfug, der beste Film des Jahres! Colin Farrell, ein bisschen ergraut, spielt Dr. Steven Murphy, einen respektablen Chirurgen. An Murphys Seite, seine umwerfende Gattin Anna (Nicole Kidman). Zwei Kinder hat er auch. Murphy ist befreundet mit Martin (Barry Keoghan), einem 16jährigen Jungen, dessen Vater vor Jahren auf Murphys Operationstisch verstarb. Nun fühlt sich Murphy als väterlicher Freund des Jungen. Ihre Beziehung wird gleich am Anfang deutlich. Beide wirken seltsam distanziert, dann schenkt Murphy dem Jungen eine teure Uhr. Wir wissen zu diesem Zeitpunkt nichts von beiden, glauben, dass es vielleicht um sexuelle Dienstleistungen geht. Es ist aber noch viel schlimmer... Wie Martins Vater genau starb, erfahren wir nicht. Lanthimos lässt auch offen, wie sich Murphy und Martin "näher" kamen. Murphy stellt den Jungen als Freund seiner Tochter vor, aber das stimmt nicht. Wahr ist, dass sich Martin mit Murphys Kindern anfreundet und wohl auch Gefühle für die Tochter hegt. Doch auch hier spüren wir einen düsteren Unterton. Irgendetwas in Dr. Murphys Haushalt scheint einfach nicht richtig zu sein. Eines Morgens versucht Murphys Sohn aufzustehen, aber seine Beine funktionieren nicht mehr. Er weigert sich zu essen. Martin klärt den Doktor auf: Gerechtigkeit waltet. Murphy nahm ihm seinen Vater, nun muss im Gegenzug ein Mitglied der Familie des Doktors sterben. Der Doktor darf wählen: Entweder, er tötet ein Mitglied seiner Familie oder ein Fluch trifft alle übrigen. Sie werden die Nahrung verweigern und sogar aus den Augen bluten. Fast scheint es so, als ob hier ein Gleichgewicht zwischen der Wissenschaft und dem Übernatürlichen geschaffen wird. Murphy spielt Gott. Er schafft und er nimmt Leben. Seine Welt ist Schwarz und Weiss. Martin zerstört diese kontrollierte Welt und verlangt etwas, dass nur selten von Göttern verlangt wird: Ein persönliches Opfer. The Killing of a Sacred Deer spielt in einer Welt klarer Linien und weisser Räume. In einer Krankenhaus-Welt. Später wird auch etwas über den Titel des Films verraten, wenn einer der Protagonisten einen Aufsatz über Iphigenie schreibt. Wer kennt das noch aus der Schule? Nun, wir sind ja fast eine griechische Bar, so viele griechische Kollegen arbeiten bei uns. Alle beflissen in der griechischen Mythologie und bereit, kurz auszuhelfen: Es war Artemis, der Gott der Jagd, der Agamemnon auferlegte, seine Tochter Iphigenie zu opfern. Sie soll Agamemnons "Sacred Deer" sein. Agamemnon war der Herrscher von Mykene und Anführer der Griechen gegen Troja. Tatsächlich genoss er einen ähnlichen Status wie Murphy innerhalb seiner Familie. Ist Martin demzufolge Artemis? Doch auch hier fehlen klare Linien. Lanthimos spielt mit dem griechischen Mythos und nutzt seinen schwarzen Humor für seinen Psycho-Horror. Was bleibt am Ende? Ich denke, wenn du dich dafür entscheidest, Gott zu spielen, musst du bereit sein, die Konsequenzen zu tragen.

youtube stream: Claude Lanzmann - Shoah

Über neun Stunden lang sass ich da (auf meiner angestammten Video Couch) und sah mir Shoah an. Nach dem Abspann sass ich noch ein bisschen länger dort auf meiner Video Couch und starrte einfach nur in die Luft. Ich versuchte, meine Emotionen zu fassen. Ich hatte eine Erinnerung an das schrecklichste Kapitel der Menschheitsgeschichte gesehen und gleichzeitig einen Film, der mit voller Leidenschaft JA! zum Leben sagt! Gibt es überhaupt eine Möglichkeit, Shoah zu fassen? Wie sollen wir dieses Werk durchdringen? 550 Minuten lang ertragen wir Qualen und Schmerz im Angesicht des Holocausts. Welcher Film trägt sein Ansinnen so nobel vor wie Shoah? Shoah ist hebräisch und bedeutet so viel wie Chaos. Eine Umschreibung des Holocausts. Shoah ist eine Doku und bietet trotzdem kein Bildmaterial aus den 40er Jahren. Es gibt keine Materialien aus den Nachrichten oder Archiven. Es gibt auch keine Interviews aus der Zeit. Es wird überhaupt nicht auf Bild-Materialien der Täter zurückgegriffen. Sämtliche Bilder filmte Regisseur Claude Lanzmann während der ersten Hälfte der 80er Jahre selbst. Überraschenderweise spürt er die damaligen Opfer auf. Menschen, die dabei waren, die sahen und hörten, was damals geschah. Eine kleine Handvoll der Protagonisten sind Holocaust-Überlebende. Die Restlichen sind Deutsche oder Polen, die in den Konzentrationslagern arbeiteten. Sie reden und reden. Shoah stellt eine Flut, ja eine Lawine von Wörtern dar. Lanzmann zeigt die Gesichter der Zeitzeugen sowie die Orte, an denen alles geschah. Es sind die Routen der Züge, die Millionen von Juden, Homosexueller, Gypsies (...) durch Polen transportierten, an die Orte ihres Todes. Ruhig, ganz still, gleitet die Kamera über Weideflächen. Dann erfahren wir, dass sich darunter Massengräber befinden. Lanzmann ist ein geduldiger Fragensteller. Er interessiert sich vor allem für die Details. Seine Fragen sind offen gehalten. Eine der berührendsten Sequenzen ist die, da Lanzmann Abraham Bombain in Tel Aviv interviewt. Bombain ist Frisör. Im Konzentrationslager rasierte er die Schädel der jüdischen Frauen, die anschliessend vernichtet wurden. Wie kann das Haar einer Frau wertvoller sein als sie selbst? Lanzmann fragt: Du hast ihre Haare geschnitten. Mit einer Schere? Gab es keine Spiegel? Du sagtest, es wären 16 Frisöre gewesen. Wie viele Frauen befanden sich gleichzeitig im Raum? Während Bombain antwortet, sitzt vor ihm ein Kunde, den er frisiert. Nach einer Weile bittet Bombain, die Fragen einzustellen. Er kann nicht mehr antworten. Es ist zu grauenhaft. Lanzmann insistiert: "Wir müssen das tun. Du weisst das". Bombain antwortet: "Ich sehe mich ausserstande". Lanzmann wiederum: "Es muss sein. Es tut mir sehr leid". Lanzmann ist grausam und äusserst korrekt. Er ist sich dessen bewusst, dass bald alle Überlebenden des Holocaust gestorben sein werden und er diesen Bericht vorher fertigstellen muss. Manchmal agiert Lanzmann sogar hinterhältig. Für die Interviews der Täter nutzt er eine versteckte Kamera, die ihre Gesichter einfängt. Einige der Nazis bitten darum, dass diese Aufzeichnungen privat bleiben. Sie bleiben es nicht. Die Interviews mit den Deutschen werden unterbrochen durch Bilder der Schienen, auf denen die Züge in die Konzentrationslager rollten. Wir haben Zeit, unseren Gedanken freien Lauf zu lassen. Wie eine Meditation. Shoah ist ein langer Film, aber kein langsamer. Ich bemerkte dieses eigentümliche Phänomen, wie die Wörter Bilder kreierten. Vorstellungen. Wir hören die Erzählung von Filip Muller, einem Juden, der am Eingang der Gaskammern arbeitete. Er erinnert sich, wie das Gas langsam eingelassen wurde. Dann wird es schwarz. Das Licht wird ausgeschaltet. In den Gaskammern war es dunkel. Die Opfer spürten, wie etwas von unten kam, versuchten, nach oben zu klettern. Sie dachten, dort oben wäre noch etwas Luft zum Atmen. Lanzmann fragt, was geschah, nachdem die Türen wieder geöffnet wurden? Die Toten fielen heraus. Steif, wie Blöcke aus Stein. Muller beschreibt etwas, was weder er - noch andere - je sahen. Es war schliesslich dunkel. Bis dahin hatte ich mir nie eine rechte Vorstellung der Gaskammern machen können. Muller nahm mich nun mit hinein. Genau das vermag Shoah - und genau das ist die grosse Leistung dieses Films! Nach neun Stunden ist der Holocaust nicht mehr bloss "Subjekt" - ein Kapitel der Geschichte. Er wird zu unserer direkten Umwelt. Er umgibt uns. Ein Lockführer der Route nach Treblinka wird gefragt, ob er die Schreie der Opfer in den Wagen hinter ihm hören konnte. Natürlich. Die Wagons befanden sich direkt hinter der Lokomotive. Man konnte alles ganz genau hören. Lanzmann will wissen, ob man sich daran gewöhnt? Der Lockführer verneint. Hinter ihm waren Menschen. Menschen, so wie er selbst. Die Deutschen gaben ihm Wodka zu trinken. Ohne Wodka hätte er es nicht ausgehalten. Die merkwürdigsten Passagen in Shoah stellen die Interviews der Verantwortlichen dar. Keiner von ihnen, die organisierten, dass die "Endlösung" schnell und unauffällig vonstatten ging, scheinen eine Vorstellung des Grauens zu haben. Mag man ihnen glauben, wenn sie behaupten, niemanden persönlich getötet zu haben? Sie alle waren nur ein Glied in einer langen Befehlskette. Sie trugen ihren kleinen Teil zum grossen Ganzen bei. Was fühlte der Mann, der die Züge der Juden koordinierte. Hat er je selbst einen Zug gesehen? "Nein, niemals"; antwortet der Mann. "Es gab soviel Arbeit. Ich verliess nie meinen Schreibtisch. Wir arbeiteten Tag und Nacht". Ein anderer Mann lebte nur 150 Meter von der Kirche entfernt, vor der die Juden zusammen getrieben wurden. Hat er je in einen Transporter hinein geschaut? "Nein, niemals". Es sind die Stimmen von Menschen, die sahen und hörten, was geschah. Sie wussten, dass der Holocaust existiert. Ich bemerkte meine eigene Tendenz, eine Distanz aufzubauen zwischen mir selbst und dem Geschehen dort im Film. Schliesslich liegt das alles lang zurück. Die Verbrechen in Shoah aber wurden von Menschen wie uns gegen Menschen wie uns verübt. Es macht keinen Unterschied, ob das in den 40er Jahren des letzten Jahrhunderts war. Dann ist da noch diese viel tiefere Botschaft des Films. Es ist Filip Muller, der erzählt, wie er die Opfer auf ihrem letzten Gang ins Gas beobachtete. Auf einmal begannen zwei von ihnen zu singen: The Hatikvah und die tschechische Nationalhymne. Sie bestätigten es: Wir sind Juden! Wir sind Tschechien! Sie verneinten Hitler. In diesem Moment fühlte Muller, wie sein eigenes Leben bedeutungslos wurde. Wozu sollte man noch weiterleben? Er entschloss, sich, ihnen in die Gaskammer zu folgen. Seinen Leuten! Lanzmann hakt nach: "Du warst bereits in der Gaskammer?" - "Ja". Doch ein paar Frauen hielten ihn auf. Sie fragten, ob er sterben wollte? Es wäre sinnlos. Er würde ihnen damit nicht ihr Leben zurückgeben. Sie forderten von Muller, lebend von ihr fortzukommen. Als Zeuge. Um vom Grauen zu berichten. Das ist die Botschaft von Shoah! Ein Film, der weder Dokumentation, noch Politik oder Propaganda ist. Shoah ist ein Zeugnis. Lanzmann tut das, was uns Menschen vom Tier unterscheidet: Die Fähigkeit, ein Ereignis zu behalten und an die nächste Generation weiterzugeben. In Deutschland gibt es derzeit die Debatte, diese Erinnerung um "180 Grad" zu vergessen. Auf dass der Mensch erneut alles Humanistische negiert.

FILM LIST: Feelgood Comedies, Part I: Latin

Frage der allermeisten Gäste unserer Videothek: "Habt ihr heute mal was Leichtes?" - Meine Antwort: "Ja, hier kommt die erste Sammlung von leichten, aber nicht blöden Filmen. Aus Südamerika."

youtube stream: We're No Angels

Humphrey Bogart und Regisseur Michael Curtiz gehörten zu den Schlüsselfiguren von Warner Brothers. Ihr Markenzeichen: DüstereThriller. Was also lag 1955 näher, als dass ihr vierter gemeinsamer Film eine leichte Komödie werden sollte? We're No Angels beginnt aber wie ein artgerechter Bogart Thriller. Drei Gefangene brechen aus und überwinden die Stromschnellen von Devil's Island auf einem Dampfer. Nun planen sie, einen Kolonialwarenhändler mit seiner Frau auszurauben und anschliessend zu ermorden - doch es kommt anders als gedacht. Da sich der Kaufmann in einer kritischen Lage befindet, reparieren die drei Sträflinge das Dach, renovieren den Laden, auf dass endlich mehr Kundschaft kommt! Der Grund? "Cutting their throats might spoil their Christmas"(...)

youtube stream: Noviembre

Manche Filme entdeckt man nur, wenn man in einer kleinen Videothek arbeitet. "Weirdos" verleihen DVD an "Weirdos". In diesem Sinne hat mir mal mein Kollege Jose einen schönen Packen spanischer DVDs geschenkt. Im Stapel, sein Lieblingsfilm Noviembre. Kennt niemand, oder? Wie auch! Es existiert lediglich eine DVD Fassung der spanischen Fnac mit schönem Pappcover. Noviembre handelt von einem kämpferischen und unabhängigen Theater. Alfredo (Óscar Jaenada) ist ein theaterbegeisterter "Weirdo", der in Madrid, irgendwann in den 90ern lebt. Die Schauspielschule ärgert ihn. Alfredo will Strassentheater machen! Mit Freunden gemeinsam versucht er diesen - seinen! - Traum zu verwirklichen. Sie gründen die Theatergruppe Noviembre und verfassen passend dazu das November Manifest. Noviembre ist frei - vor allem frei von kommerziellen Zwängen! Kurze Unterbrechung: Unschwer, zu erkennen, wie sehr sich mein Freund Jose mit Alfredo identifizieren kann: Jose selbst macht Strassentheater, lebt in einer Kommune, die nichts anders machen als Theater. Alle wohnen gemeinsam in einer Fabriketage. Es war das Berlin der frühen 00er und vermutlich ganz ähnlich dem Madrid der 90er. Alfredos Theater findet statt in der Fussgängerzone oder vor dem Einkaufszentrum. Es geht auf die Menschen zu. Die Auftritte erregen Aufsehen und bald ist auch die Polizei zur Stelle. Kurze Unterbrechung: Ich habe unsere Filmkunstbar Fitzcarraldo immer so gesehen wie die Noviembre Theatergruppe. Wir gehören zu keiner Institution und kooperieren auch mit keiner. Niemand fördert uns, denn das wollen wir nicht und deshalb müssen wir die Leute erreichen. Gibt es überhaupt einen anderen Weg? Vielleicht. Aber nicht für mich. Noviembre stellen schliesslich ein Attentat der baskischen ETA nach und es kommt zu Verhaftungen. In der Gruppe brodelt es, kurzzeitig trennt man sich, um doch wieder zueinander zu finden. Für den EINEN grossen Auftritt! DEN Auftritt, dessen Folgen niemand absehen kann! Ist das nicht eine tolle Geschichte? P.S. Noviembre haben wir während der letzten 15 Jahre Filmkunstbar Fitzcarraldo ganze 29 Mal verliehen. Ich bin mir sicher, dass wir das ändern können. Es ist schliesslich Joses Lieblingsfilm!

youtube stream: Grave Of The Fireflies 

 In den letzten Tagen des zweiten Weltkriegs flogen amerikanische Bomber japanische Städte an und warfen Napalm ab, das Feuerstürme im Himmel entfacht. Diese Bomben sind nicht grösser als Cola Dosen und ziehen einen Schwall von Funken hinter sich her. Was aus der Ferne schön aussieht, war für die Japaner in ihren Häusern aus dünnem Holz und Papier tödlich. Grave Of The Fireflies erzählt nun die Geschichte zweier Kinder aus Korbe, die durch Napalm Bomben ihr Zuhause verloren. Seita ist ein Teenager, seine Schwester Setsuko erst fünf. Der Vater dient in der Arme, die Mutter wurde ein Opfer der Flammen. Im Krankenhaus knien die Geschwister neben ihrem verbrannten Körper. Für sie gibt es keine Heimat mehr. Alle Nachbarn und die Schule sind verschwunden. Eine Zeit lang verbringen sie bei ihrer grausamen Tante bis Seita eine Höhle in den Bergen findet. Seita tut was er kann, Nahrung im Wald zu suchen und Setsukos Fragen über die Eltern zu beantworten. Grave Of The Fireflies aber lässt uns keine Wahl, an Seitas Schicksal zu zweifeln: Die erste Aufnahme des Films zeigt ihn tot in einer U-Bahn-Station... Vom ersten Augenblick an, wohnen wir einem derartig kraftvollen Experiment der Emotionen bei, dass wir das Wesen des Animationsfilms an sich hinterfragen. Animationsfilme = niedliche Werke für Kinder? Cartoons für die ganze Familie? Sicher, es gab schon früh animierte Filme, die uns die Tränen in die Augen trieben. Nie zuvor aber spürten wir solch eine tiefe Trauer! Grave Of The Fireflies steht in einer Linie mit den ganz grossen Melodramen der Film-Historie! Eine simple Geschichte des Überlebens. Die Geschwister müssen Nahrung finden und einen Platz zum Schlafen suchen. In Kriegszeiten sind auch die Verwandten nicht mehr freundlich, geschweige denn freigiebig. Nachdem die Tante den Kimono der Mutter gegen Reis eintauschte, behält sie das Meiste für sich selbst. Seita versteht; es ist Zeit zu gehen. Er hat noch etwas Geld, um Essen zu kaufen - doch bald schon wird man keine Lebensmittel mehr kaufen können... Immer schwächer wird seine Schwester unter diesen Bedingungen. Grave Of The Firelfies erzählt uns die Geschichte nicht melodramatisch, sondern ganz direkt und einfach. Die grösste Stärke sind kleinen Momente, da wir innehalten! Die Momente, in denen wir die Charaktere näher kennenlernen. Es sind diese "Pillow Shots", die wir seit den klassischen Tagen des japanischen Kinos lieben gelernt haben. Momente des Innehaltens, in denen ein Detail der Natur gezeigt wird, um zwei Szenen zu trennen. Natürlich bietet Grave Of The Fireflies auch Kriegsszenen, aber es ist kein Werk voller Action. Es ist ein meditatives Werk über die Konsequenzen des Krieges. Grave Of The Fireflies ist bis heute der grösste Film von Isao Takahata, einem der Begründer der Ghibli Studios. Er folgt dem autobiographischen Roman von Nosaka Akiyuki, dessen Schwester während des Krieges verhungerte. Ein Schuldbekenntnis. Ein populärer Roman in Japan, der wohl auch einen realen Kriegsfilm hergegeben hätte. Reale Bilder des Krieges aber hätten von der Essenz des Romans abgelenkt. In Takahatas animierter Version sind unsere Gedanken frei, so dass wir die Schrecken des Krieges viel tiefer wahrnehmen! Es fällt uns leichter, die Charaktere mit unseren eigenen Empfindungen zu verbinden. Bestimmt liegt das auch am Filter des Anime Stils, der jeden Realismus verbietet. Alles ist hier vereinfacht! Symbole sind als solche viel deutlicher erkennbar! Grave Of The Fireflies ist einer der schönsten Animationsfilme überhaupt, wobei seine Schönheit nicht aus dem Stil heraus resultiert. Sie ist im Werk begriffen! Dadurch, dass die Realität vereinfacht wird, begreifen wir Grave Of The Fireflies als ein Werk, das auf Ideen aufbaut. Nicht auf Erfahrungen. Für mich als Videothekar erscheint es merkwürdig, dass dieser grosse Film immer noch nicht so sehr beachtet wird, wie er es verdient hätte! Die Gemeinde der Anime Fans scheint das Werk nicht ernst zu nehmen, andere Kunden suchen eher nach witzigen Zeichentrickfilmen. Das ist schade, denn Grave Of The Fireflies gehört in jede Liste der besten Kriegsfilme aller Zeiten!

youtube stream: Lukas Moodyson - Fucking Amal

 Genauso sollen Teenager im Film sein: Klug, ein bisschen durcheinander, mit einem guten Herz! Leider aber sind solche Teeanger im Film rar und deshalb lande ich immer wieder bei Lukas Moodyssons Fucking Amal. Den kann man aber auch immer wieder sehen! Fucking Amal spielt zwar in Schweden, könnte aber genauso gut irgendwo bei uns in Berlin funktionieren. Überall dort, wo sich Teenager wie ausgestossene Desperados fühlen in einer Umgebung, die nicht zu ihnen passt. Elin (Alexandra Dahlstrom) ist so eine. Sie lebt in einer Kleinstadt und ihr ist einfach nur langweilig, langweilig, langweilig! Sie würde gerne Model sein, doch auch das ist letztlich langweilig! Agnes (Rebecca Liljeberg) ist neu in der Stadt. Eine Aussenseiterin, ohne Freunde in der Schule. Man munkelt, Agnes sei Lesbierin. Obwohl es gar keine Anhaltspunkte dafür gibt, haben die anderen Schüler doch Recht: Agnes ist lesbisch. Sie hat sich in Erin verknallt, obwohl sie noch kein Wort wechselten. Erin ist die Schulschönheit und Agnes schreibt ihr heimliche Liebesbriefe auf dem Computer. Eine zickige Schülerin wettet mit Erin, dass sie Agnes niemals küssen würde. Doch sie tuts! Hört sich das an wie der Plot für eine Sexcom? Genauso wurde die DVD vermarktet. Dabei ist Fucking Amal ein zärtlicher, ja herzzereissend schöner Film! Wir sehen zwei Mädchen zu, die unbeholfen Entscheidungen für ihr Leben treffen, die sie noch gar nicht richtig überblicken - genauso naiv und rührend die Perspektive des Films. Moodyssons Drama (nicht Komödie!), welcher der erfolgreichste schwedische Film überhaupt ist, erzählt keine Geschichte über Helden und Bösewichter. Stattdessen sehen wir mitfühlende Eltern, die ihr Bestes geben, die Tochter durch die verzweifelte Teenie-Zeit zu retten. Kein einziger Standart-Charakter, den wir aus Hollywood Filmen kennen, taucht auf. Lukas Moodyssons Film funktioniert ohne Autopilot. Er zeigt diese, seine speziellen Charaktere und bringt sie uns näher. Witzig, warmherzig und wahrhaftig! Ganz am Anfang organisieren Agnes Eltern eine Überraschungs-Party für sie zum Geburtstag (die sie gar nicht will!). Ein Mädchen im Rollstuhl erscheint, die vorgibt, Agnes Freundin zu sein. Weil aber Agnes so sauer ist auf ihre Eltern, beschimpft sie ihren Gast als Krüppel, der Backstreet Boys hört. Später entschuldigt sie sich - diese Szene aber, besitzt solche Wucht, dass wir sie erst verdauen müssen. Wie beschrieben; so etwas sind wir aus Teenie Filmen einfach nicht gewohnt! Ganz ungezwungen geht Moodysson mit dem Thema Sex um (obwohl wir eigentlich gar keine Sex-Szene sehen). Der wahrhaftigste Moment: Beide Mädchen gestehen einander zu, dass sie gar keine sexuellen Erfahrungen haben. Der Kuss, der aus einer Wette resultierte, war der allererste für Agnes und auch Erin ist noch Jungfrau. Fucking Amal handelt auch nicht primär von Sex, sondern davon, wie man sich in einer Kleinstadt fühlt: Eingeengt, gefangen. Der Film weiss aber auch, dass dieses Manko womöglich gar nicht der Stadt zuzuschreiben ist, sondern den Mädchen selbst, die Langeweile als Pose verstehen. Fühlen nicht alle Teenies so, dass sie sich unverstanden fühlen?(...)

youtubestream: Inadequate People

Ein entwurzelter, nicht mehr ganz junger Übersetzer verliebt sich in ein problematisches Schulmädchen. Eine, die genauso fremd ist auf der Welt wie er. Zusammen ergeben sie ein merkwürdiges, aber sympathisches Pärchen. Das ist der Stoff dieser russischen "RomCom" = romantischen Komödie! Diese genau so witzige wie geistreiche Off Beat Komödie folgt nun ganz bewusst ihrer eigenen idiotischen Logik. Er, der geschlagene Thirtysomething bricht mit seiner Vergangenheit, entflieht seiner gewohnten Umgebung und lässt sich dann auf SIE ein; die Schülerin! Beide müssen nun trotz aller sprachlichen Differenzen (ihrer verschiedenen Generationen geschuldet) miteinander kommunizieren und genau das macht den Reiz von Roman Karimovs Film aus!(...)

youtube stream: Cyborg She

Die Liebe zu einem Cyborg, einer Mensch-Maschine hat ein tiefliegendes Problem: Dem Cyborg fehlt die Seele. Es könnte deshalb passieren, dass die Maschine etwas kühl agiert während des gemeinsamen Dates. Jiro (Keisuke Koide), ein Student, verliebt sich in so eine Maschine (Haruka Ayase) als er - wie jedes Jahr - allein seinen Geburtstag feiert. Eine komplexe Liebe, denn gleich darauf verschwindet sie und Jiro wird sie erst ein Jahr später wiedersehen. Sie, der Cyborg, kommt aus der Zukunft, reist also zurück in der Zeit. Erschaffen wurde sie, Cyborg, vom zukünftigen Jiro, um den heutigen zu beschützen. Alles klar? Eine Projektion des älteren, zukünftigen Jiros erklärt dem jüngeren die Maschine: Cyborg sieht aus wie ein Mensch und wurde auch mit humanistischen Zügen programmiert. Und doch fehlt ihr die Seele!(...)

youtube stream: Howard Hawks - El Dorado

El Dorado ist ein dicht inszenierter, humorvoller Spätwestern, der scheinbar vollkommen mühelos seine Geschichte erzählt. 1966 brachte er drei Grössen des Genres (wieder) zueinander: John Wayne, Robert Mitchum und Howard Hawks. Natürlich könnte man El Dorado als "John Wayne Western" sehen, einfach, weil der Duke noch einmal/mal wieder im Sattel sitzt. Wie er seine lakonischen Weisheiten über das Universum mit gaaanz schleppender Stimme zum Besten gibt und sämtliche Western Klischees ineinander vereint, das ist natürlich viel wert! El Dorado ist aber viel mehr als nur das: Vor allem ein ziemlich guter Western! Lang, aber stets flott. Howard Hawks weiss ganz genau, wie er Wayne und Mitchum inszenieren muss und wir lehnen uns zurück, geniessen. Wayne spielt einen Profi, einen Revolverhelden, der von einem reichen Farmer angeheuert wird, einem armen Farmer das Wasser abzugraben. Der Sheriff (Mitchum) aber, stellt sich als alter Freund heraus und so lässt Wayne den Job sausen. Deshalb wirbt der Rancher einen weiteren Gunman (Christopher George) an und Wayne verbündet sich mit dem besoffenen Mitchum. Das Team des Dukes besteht allerdings nicht gerade aus Helden. Mitchum ist dem Suff verfallen, sein Deputy ist ein alter Krieger und Wayne selbst trägt eine Kugel an der Wirbelsäule mit sich herum, die ihn paralysiert. Ah, und dann wäre da noch Waynes Handlanger (James Caan), der so schlecht schiesst, dass er ein Gewehr statt eines Revolvers trägt. Das alles wird von Hawks mit leisem Humor vorangetrieben und nie erlaubt er seinen Schauspielern, zu sehr zu übertreiben. Alle Charaktere wirken lebendig. Für echte Western Fans dürfte die Szene am schönsten sein, in der Wayne seinem Jungen Caan die Tricks eines Westerners zeigt. Im Grunde bietet El Dorado alles, um einer der unterhaltsamsten Western der 60er zu sein: Schusswechsel, Pferde, Spannung, schöne Frauen und lässige Charaktere. Letztens beschwerte sich ein akademischer Kunde unserer Videothek, wie reaktionär El Dorado sei und wie übel das Licht gesetzt wäre. Quark! El Dorado ist schlicht sehr altmodisch und Hawks setzt das Licht nicht anders als in seinen klassischen Film Noirs. Der Student sollte mal seine Hornbrille schrubben.

FILMLIST: Rapid Eye - Japanese Movies

 Sicher, die DVD stirbt aus. Klar, als Videothek nimmt sich die Filmkunstbar Fitzcarraldo mittlerweile anachronistisch aus. Doch natürlich interessiert uns das gar nicht! Alle Jahre wieder schauen Berliner Tageszeitungen oder Radiosender vorbei, um sich mal nach den Videotheken zu erkundigen. Wie und warum haltet ihr noch durch? Einer der Gründe: Das tolle DVD Label Rapid Eye Movies! Seit rund 20 Jahren gibt sich Rapid Eye ganz dem asiatischen Kino her. Vor allem ihre merkwürdigen Entdeckungen aus dem japanischen Kino haben es uns angetan! Wir von der Filmkunstbar Fitzcarraldo kaufen alles, was japanisch ist! Wir sind süchtig danach! Rapid Eye bietet Klassiker aus den 60ern, die gar keine sind! Wer kannte Sword Of Doom aus dem Jahr 1966, bevor Rapid Eye die wundervolle Schmuck-Edition herausbrachte? Oder Blind Beast aus dem Jahr 1969? Besonders ergiebig funktioniert Rapid Eye als Fundgrube der 90er. Takashi Miike, SABU und Shin'ya Tsukamoto sind bei Rapid Eye zu Hause. Wir leben davon, in unserem DVD Archiv (du findest es unten im Keller der Filmkunstbar Fitzcarraldo) schöne DVD Cover auszustellen. Fragen uns Künstler, ob sie ihr Werk bei uns ausstellen können, muss die Antwort leider "Nein" lauten. Warum? Weil wir doch bereits eine ständige Ausstellung haben: Die schönsten Cover von Rapid Eye sind Papphüllen mit extravagantem Design und umfangreichen Booklet. Wie wählen wir Filme aus? Indem wir uns einer massenhaften Auswahl des Internets ergeben? Natürlich nicht. Wir brauchen Rapid Eye Movies, die uns mit sorgfältig gestalteten Covers eine übersichtliche Auswahl mit Prädikat anbieten. Handverlesen und vom Videothekar empfohlen.(...)

youtube stream: La Estragia Del Caracol

Eine Schnecke kann, anders als viele Berliner, niemals obdachlos werden, weil sie ihr Haus auf dem Rücken trägt. In Bogota dürfte das Problem der Entmietung von Häusern noch viel schlimmer sein als hier: Immerhin sehen sich die Bewohner eines Mietshauses mit einer plötzlichen Räumungsaufforderung konfrontiert und die korrupten Behörden werden ihnen nicht helfen wollen. Es bleibt nur noch, der Strategie der Schnecke zu folgen. Das Haus wird Stein um Stein abgebaut, um an einem anderen Platz wieder aufgebaut zu werden. Das mag skurril wirken, eröffnet aber den Blick auf ein Leben zwischen Würde und Willkür. Ein schönes Stück Anarcho-Kino von Sergio Cabrera(...)

youtube stream: Francois Ozon - Regarder La Mer

Das Wunderkind des französischen Kinos der 90er: Francois Ozon! Anfang 30, hatte ein paar Dutzend Kurzfilme gemacht, von denen Regarder La Mer am tiefsten in Erinnerung blieb. Er handelt von einer jungen Frau und ihrem Kind, die an der Küste leben in einer einfachen Hütte. Sie trifft eine Herumtreiberin am Strand, die sie zum Abendessen einlädt. Es ist schwer zu beschreiben und kaum auf den Punkt zu bringen, doch ein Gefühl von Furcht macht sich breit. An keiner Stelle des Films könnte diese Furcht erklärt werden, doch sie ist vorhanden. Ausserdem spüren wir, unter welcher Spannung die Frau steht, die sich offensichtlich in einer Krise befindet. Hat es etwas mit ihrem Mann zu tun? Auch das vermittelt uns Regarder La Mer, ohne es zu erklären. Ozons Begabung findet man nicht oft: Er vermag es, uns genau das fühlen zu lassen, was er beabsichtigt. Darin hat er bereits in diesem Kurzfilm eine wahre Meisterschaft erlangt! Nichts ist offenkundig, keine Hinweise werden uns angeboten! Das, was wir fühlen, wird nicht durch den Plot heraufbeschworen, sondern direkt durch die Seele des Films(...)

youtube stream: Leviathan

Obwohl das russische Drama Leviathan in einem kleinen Ort spielt mit nur einer Handvoll Charakteren, verkörpert es "grandeur" - den expansiven Charakter der Parabel! Leviathan eröffnet mit grandiosen Bildern der russischen See im Norden, dort wo Felsgestalten ins graue Wasser münden. Dazu hören wir die Musik von Philip Glass. Wir erblicken die Gerippe verrotteter Fischerboote und das eines gestrandeten Wals. Das für den Auslands-Oscar nominierte Meisterwerk ist zweifellos der wichtigste russische Film der letzten 15 Jahre. Leicht lässt sich Leviathan übersetzen als Kritik der Putin-Ära. Regisseur Andrey Zvyagintsev ist eine künstlerische Vision gelungen, die uns mit der hypnotischen Eröffnungs-Szene in einem Sog mitreisst! Der Mechaniker Kolja wird "zum Wohle des Staates" enteignet, sein Familienerbe verliert er für einen Spottpreis. Statt seiner findet sich nun der besoffene Bürgermeister als neuer Nutzer dort ein. Ein Dossier über das kriminelle Vorleben des Bürgermeisters hilft Kolja auch nicht weiter. Es herrschen Korruption und das Recht des Stärkeren. Da hilft nur noch Wodka und der Glauben an Gott (obwohl die Frage im Dorf in etwa gleichzusetzen ist mit der Floskel "Wie geht es dir?"(...)

youtube stream: Lower City

Die Kamera ist ganz dicht dran, ein Gefühl von Angst und Leidenschaft allgegenwärtig - Lower City könnte wohl kaum brasilianischer sein! Der Plot entspricht dem klassischen Film Noir. Seit ein paar Jahren, werden die Formeln der schwarzen Serie in neueren Produktionen aus Südamerika wieder eingesetzt. In ganz neuem Licht! Zwei Freunde verlieben sich in dieselbe Frau, eine Stripperin (Alice Braga), deren Leben so leicht scheint wie ihre Garderobe. Ihre Nacktheit wirkt fast nebensächlich in all den organischen Close-Ups, die Lower City zu bieten hat: Hahnenkämpfe und verpfuschte Raubüberfälle, festgehalten mit Handkamera in grobkörnigen Aufnahmen. Alles hat ihr Elan und Energie! Wir werden mitten hineingeworfen in die Unterwelt, in der wir ganz bestimmt niemals leben wollten! Die Costa Bahia. Hier, im Norden Brasiliens, wuchsen Deco (Lázaro Ramos) und Naldinho (Wagner Moura) gemeinsam auf. Einer ist schwarz, der Andere weiss, doch beide betrachten sich als Brüder. "Keine Frau wird je zwischen uns kommen"; gibt Nadinho seinem Freund mit auf den Weg (natürlich sagt er dass viel schlichter). Nadinho ist einer, der ohne zu zögern zusticht auf offener Strasse. Dass keine Frau auf der ganzen Welt diese Freundschaft zerstören könnte, gehört zum gängigen "Homie" Gebot. Hört sich nobel an, doch natürlich wissen wir, was für ein Unsinn diese Aussage ist! Mit dem Auftritt der Hure Katrinna (Braga) gilt die Regel bereits nicht mehr. Ich denke, die meisten erinnern sich noch an Braga in "City Of God" und wissen, dass sie eine der kraftvollsten Schauspielerinnen der Welt ist und ihre Sexualität atemberaubend! Sie hat den Glamour, der sie leuchten lässt wie einen klassischen Filmstar! Katrinnas schwierige Freundschaft mit den beiden Freunden beginnt als simples Geschäft. Sie muss sich nach Salvador durchschlagen; die Freunde besitzen ein Boot. Doch was so einfach beginnt, wird in einem Rausch der Gefühle aus Mitleid, Eifersucht und Sehnsüchten enden...

Unser täglicher youtube stream: Apichatpong Weerasethakul - Uncle Boonmee

Und was wäre, wenn unsere Identität für alle Zeit existiert und sich gelegentlich an der Oberfläche des Lebens zeigt? In dem Moment, da wir uns dem bewusst werden, verliefe das Leben ohne zeitliche Begrenzung. Gibt es nicht diesen Gedanken, dass wir den Himmel als Kinder noch kannten? Wenn wir älter werden und dem Tode näher kommen, empfangen wir sie wieder, die Grüsse der anderen Seite. Diese Möglichkeitet bietet Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives an. Der Filmtitel klingt genauso geheimnisvoll wie der seines Regisseurs Apichatpong Weerasethakul. Zumindest für westliche Ohren. Wer aber offen ist für Geschichten mit Geistern, die uns manchmal besuchen, ist hier im richtigen Film gelandet! Als ich Unlce Boonmee zum zweiten Mal sah, wurde mir bewusst, dass der Film einfach zu verstehen ist. Ein sterbender Mann wie Boonmee ist auch nicht besonders ergiebig für einen Plot oder "Action". Er nimmt Abschied. Manches mag seltsam erscheinen wie die Begegnung mit einem Katzenfisch. Das ändert sich aber, sieht man das Werk unter dem Gesichtspunkt der Reinkarnation(...)

FILM LIST: 120 BPM (+ modern french movies)

 Es gibt das bürgerliche französische Kino, das sich seit Jahrzehnten im Winterschlaf befindet und träge die Kinos verstopft. Und dann gibt es dieses hier! Hier befinden wir uns nicht mit einer Flasche Rotwein an der Seine, sondern in den Vorstädten. Es gibt Migranten und politische Bewegungen! 120 BPM handelt davon, jung zu sein und nichts zu verlieren zu haben. Daraus erwächst die Kraft der "Act Up" Bewegung der 90er, sich öffentlich als HIV positiv zu outen und Regierungsgebäude mit Blutbomben anzugreifen! Ein Querschnitt über das nicht-bürgerliche französische Kino!(...)

youtube stream: Chen Kaige - Life On A String

Willkommen in Chen Kaiges Welt voll mystischer Fabeln, poetischer Schönheit und glasklarer Absichten! Unmöglich, dieses Kunstwerk nicht zu lieben! Ein alter und blinder Musiker (Zhongyuan Liu) wandert von Dorf zu Dorf durch eine entlegene, karge Landschaft, begleitet von seinem eigensinnigen, aber liebenswerten Schüler (Lei Huang). Als der Meister noch ein Kind war, prophezeite man ihm, er würde seine Sehkraft wieder erlangen, nachdem die tausendste Seite seines Instruments gerissen sei. Nach der tausendsten Seite würde er im Innern seines Instruments ein Rezept finden, womit er sein Augenlicht zurückerlangen würde. Der Schüler aber ist skeptisch gegenüber den asketischen Überzeugungen des Meisters. Ist es nicht viel schöner, ein Mädchen aus dem Dorf zu nehmen, obwohl das weder den Wünschen seines Meisters, noch dem Gebot ihrer Familie entspricht? Life On A String handelt vom Konflikt zwischen Alt und Jung, vom tiefen Graben zwischen Spiritualität und Körperlichkeit, zwischen Disziplin und Ungehorsam. Am meisten aber handelt Life On A String vom Verlust zweier Dinge: Glauben und Hoffnung(...)

youtube stream: David Cronenbberg - Videodrome

 In Berlin wurde jeder gute Geek vom Videodrom gross gezogen und versorgt. Das Videodrom befand sich erst in der Zossener Strasse, dann in der Mittenwalder und heute in der Friesenstr. 11 (also in 61, nähe der Bergmannstrasse). Vorbild dieser ersten Berliner Cinethek: David Cronenbergs geradezu prophetischer Klassiker Videodrome. Das Videodrom wiederum verhalf genauso solchen Werken wie Videodrome auch zu ihrem Recht, denn galten Horrorfilme nicht als die schwarzen Schafe des Kinos? Hätte man sie nicht am liebsten weggeschlossen wie böse Stiefkinder? Doch wer könnte sich als ernsthaften Geek bezeichnen, der Horror nicht liebt? Videodrome war ein Flop im Kino, beendete so ganz nebenbei die Filmkarriere von Deborah Harry alias Blondie. In Deutschland kam Videodrome direkt auf Video heraus und zählt bis heute zu den indizierten Filmen (darf verkauft bzw. verliehen, aber nicht beworben werden). Deborah Harry gehört zu der langen Liste der Schönheiten in Videodrome und ich denke, zu Beginn der 80er war sie der Hauptgrund, sich Cronenbergs Film anzusehen! Im Mittelpunkt aber steht Max Renn (James Woods), der billige Horrorfilme und Softcores produziert(...)

FILM LIST: Love Couples Against The World

Für diese Paare ist kein Platz in der Welt! Wie sollen sie sich jemals lieben dürfen? Einfach die Augen zu und rennen!

youtube stream: Francois Truffaut Documentary

Jules Et Jim eröffnet mit einer furiosen Karussell-Musiksequenz und einer atemlosen Einführung über zwei junge Männer, Jules und Jim, die sich in Paris um 1912 treffen. Einer ist Franzose, einer Österreicher. Sie bringen einander ihre Sprachen bei und übersetzen sich Gedichte. Jules sucht nach einer Freundin, doch nie klappt es so recht. Die Mädchen, die er "datet", sind entweder zu still oder sie reden zu viel oder es passt sonst etwas nicht. Also versucht ers mit einer Professionellen, aber das ist natürlich auch nicht der Weisheit letzter Schluss. Truffaut erzählt das alles ausgesprochen überschwänglich und immer so, als wüsste er bereits das Ende der Geschichte... 1962, mitten in der kreativen Explosion der Nouvelle Vague, kam Truffauts dritter Film in die Kinos. Wahrscheinlich der einflussreichste und auch beste Film dieser Reihe, die so radikal mit der Vergangenheit brach! So ungeheuer wirkte dieser Schub der Nouvelle Vague, dass ein paar Jahre später auch das amerikanische Kino mit den Stereotypen der Vergangenheit brechen sollte. Der Legende nach fand Truffaut den Original-Roman von Henri-Pierre Roche in einem Antiquariat. Der wiederum hatte die Dreiecksbeziehung um Jules und Jim nach eigenen Erlebnissen entworfen. Das bedeutet, dass die Original Catherine noch lebte, während der Film in den Kinos anlief. Die Original-Geschichte verlief wohl so, dass Catherine Jules heiratete und Jim erschoss. In Truffauts Umsetzung wird Catherine aber nicht zur Mörderin. Jim (Henri Serre) überlebt und nur einmal richtet Catherine (Jeanne Moreau) eine Pistole auf ihn. Alles beginnt heiter und beschwingt, doch der erste Weltkrieg naht, der nicht nur Europa brechen sollte, sondern auch unser Trio. Jules (Oskar Werner) und Jim wurden dazu geboren, um Freunde zu sein. Beide leben in Paris und beide wählen ein Leben aus Freiheit. Zunächst glaubt Jules in Therese (Marie Dubois) seine ideale Frau gefunden zu haben, nachdem sie einen anarchistischen Slogan an die Wand schreibt und daraufhin von ihrem Freund geschlagen wird. Therese ist eine, die Zigaretten mit dem brennenden Ende in den Mund nimmt, um den Rauch aus dem anderen Ende zu blasen. Letztlich findet Jules allerdings heraus, dass Therese wohl doch nicht die ideale Frau für ihn ist und erklärt es Jim so, dass sie Mutter als auch Tochter für ihn sei. In einer Skulptur entdecken die Freunde ihr Ideal: Ein Antlitz, schön, aber auch undurchschaubar. Diesen Ausdruck sollen sie im Gesicht von Catherine wiederfinden. Normalerweise teilen sich die Beiden ihre Freundinnen, diesmal aber nicht, wie Jules betont. Dennoch gehen die drei überall gemeinsam hin. Nach einem Strindberg Stück versucht Catherine ihren Freunden zu verdeutlichen, wie beeindruckend sie die Heldin fand (ganz anders als die Jungs). Catherine springt dafür einfach in die Seine. Das reicht als Erklärung! Natürlich haben sich beide in sie verliebt. Jules aber nimmt Catherine mit nach Österreich, um sie zu heiraten. Schliesslich trennt sie der Krieg: Jules und Jim stehen sich nun in feindlichen Lagern gegenüber. Erst nach dem Krieg besucht Jim das Ehepaar wieder, die mittlerweile eine Tochter haben. Die Ehe aber verläuft (natürlich) unglücklich. Obwohl Catherine davonläuft und Affären pflegt, bleibt Jules bei ihr - einfach, weil er ihre Natur versteht und sie liebt! Jules würde alles tun, um sie glücklich zu machen! Er würde Catherine nun sogar mit Jim teilen! Vielleicht wäre sogar eine Scheidung das Klügste, damit Jim Catherine heiraten könnte? Auch das würde die Freundschaft überleben! Catherine aber scheint wild entschlossen, sich immer so zu verhalten, wie es niemand erwartet. Sie schockiert die Freunde - wohl auch, um sie zu testen. Truffaut filmt entsprechend und wir müssen seinen Regie-Stil im Jahr 1962 als Offenbarung begreifen! Mit Leichtigkeit springt er durch das Geschehen, niemals verweilt er. Den Krieg erzählt er durch Footage Materialien (ganz so wie Welles' "Citizen Kane"), während sich die Kamera immerzu bewegt. Im Grunde bricht Truffauts Handkamera jede geltende Hollywood Regel. In dem Moment, da keine Zeit bleibt, uns das Geschehen zu zeigen, muss der Erzähler herhalten. Fast hechelt er hinterher. Der Erzähler soll später zu Truffauts Erkennungsmerkmalen werden. So atemlos schildert er die Geschichte, dass wir meinen, das Ende schon zu kennen, bevor es überhaupt begonnen hat. Manchmal frage ich mich, wie Jules Et Jim wohl geworden wäre, hätte Truffaut ihn traditionell gefilmt? Womöglich mit einer Psychoanalyse von Catherine? Besser? Wohl kaum. Im Grunde handelt Jules Et Jim doch von drei Menschen, die nicht akzeptieren wollen, dass ihr kurzer Moment des Glücks vorüber geht. Uns wird dieser kurze Moment in genauso rasanter Geschwindigkeit vorgeführt, so dass wir meinen, eine Komödie zu sehen. Falsch! Was bleibt ist Trauer. Womöglich ist es allein diese Trauer, die uns an das vergangene Glück erinnert.

youtube stream: The Cow

Während der 50er und 60er Jahre glichen iranische Filme denen Bollywoods. Es wurde gesungen und getanzt, obgleich auf einem technisch viel geringeren Niveau. Die Männer waren harte Typen, die Frauen Madonnen oder Huren. Oder beides. Oder so ähnlich. Während der späten 50er aber entwickelte sich auch im Iran eine neue Welle. Poetische, stille Filme, der persischen literarischen Tradition nahe stehend, wurden auf Filmfestivals aufgeführt. Sie führten das Leben vor wie es eigentlich war: Hart und beschwerlich - und darin glichen sie dem italienischen Neorealismus. The Cow aus dem Jahr 1969 ist der schönste unter ihnen! Doch konnte man ein derart strenges Werk, dass so stark auf der einheimischen Kultur im Iran basierte im Ausland verkaufen? Im Iran aber hatte The Cow eine bahnbrechende Wirkung. Wer kennt die Geschichte des Ayatollah Khomeini, der immerhin sämtliche Kinos nach der Revolution 1979 niederbrennen wollte? Doch dann sah er The Cow und entschied, dass FILM doch etwas Sinnvolles sei(...)

youtube stream: Satin Rouge

Es ist unendlich langweilig, eine "anständige" und "vorbildliche" Frau zu sein. Wie im Gefängnis. Während Lilia (Hiam Abbas) dieses Ideal nach dem Tod ihres Mannes verkörpert, verbringt ihre Tochter Salma (Hend El Fahem) die Nächte draussen im Nachtleben von Tunis. Gemeinsam mit Chokri (Maher Kamoun) einem Kabaret-Sänger. Manchmal kommt Salma gar nicht nach Hause, was wiederum nur eines bedeuten kann: Sie muss Probleme haben. Lilia beschliesst, der Tochter zu folgen. Der Weg führt in einen Nachtclub, das Satin Rouge. Eine beunruhigende und gleichermassen verlockende Welt! Das Satin Rouge ist das Reich des Bauchtanzes. Lilia zögert, doch andere Frauen überreden sie, einmal selbst zu tanzen. Natürlich wissen wir längst, was passieren wird: Lilia verfällt der Magie des Satin Rouge (...)

FILM LIST: Fikkefuchs + Deutsche Satire Filme 

 Früher war Rocky sexuell erfolgreich, heute durchlebt er eine Zeit der Dürre. Sein Haupthaar lichtet sich und an seiner Seite ein jüngerer Mann, der behauptet, Rockys Sohn zu sein. zwei verhinderte Frauenjäger, so die Geschichte von Jan Henrik Stahlbergs neuer Komödie Fikkefuchs. Willkommen in einer Welt aus Bukkake und dem Abfall des Glückgefühls nach dem Orgasmus! Fragt man mich als Videokar nun, ob ich noch einen anderen genauso ekelhaften Film wie Fikkefuchs kenne, antworte ich: "Jawohl, Muxmäuschenstill von Jan Henrik Stahlberg. Eine Art deutscher Taxi Driver. Und sonst? Nun, es gibt nicht viele Satiren made in Germany, die ich wirklich für einen Videoabend empfehlen könnte. Eine Bestandsaufnahme(...)

youtube stream: Rudolf Thome - Paradiso

Das ist der Stoff, aus dem Männerphantasien sind: Ein nicht mehr ganz junges Exemplar seiner Schöpfung, der natürlich den Namen Adam (Hanns Zischler) trägt, lebt mit seiner Frau Eva (Cora Frost) zusammen. Zu seinem 60. Geburtstag wünscht er sich, mit den wichtigsten Frauen seines Lebens eine Woche zu verbringen. Sieben an der Zahl. Ehrengast, sein Sohn, den er seit zwanzig Jahren nicht mehr sah. Willkommen im magischen Realismus des Rudolf Thome: Adam und Eva, gemeinsam mit sieben Frauen im Paradies für sieben Tage. Und dann auch noch der verlorene Sohn! Thome gelingt es, seine Metaphern gleichermassen witzig und anspruchsvoll zu servieren. Ein echter Sommerfilm! Thome verzichtet darauf, das Geschehen zuzuspitzen. Wilde Leidenschaft oder Eifersucht, das gibt es nicht in Paradiso(...)

youtube stream: Blue In The Face

Smoke liebe ich und deshalb wirkt auch der Nachfolger Blue In The Face ganz so als ob ich meine Stammkneipe betrete. Hier sind sie wieder, die New Yorker, die scheinbar keine eigene Wohnung haben und stattdessen im Brooklyn Cigar & Co herumhängen. Blue In The Face wurde in nur sechs Tagen abgedreht und wirkt auch so: Unfertig. Genau das macht seinen Reiz aus! Hier geht's eben einfach nur um Kunden, die im Brooklyn Cigar & Co aus- und eingehen und ins Gespräch miteinander kommen. Manche Szenen sind besser, andere schlechter gelungen. Keine kommt je zum Punkt, aber genau das macht den Charme von Blue In The Face aus. Roseanne, Madonna und Jim Jarmusch, der vorhat, seine aller letzte Zigarette zu rauchen, schauen vorbei. Eins wird schnell klar, Blue In The Face ist mehr Komödie als Smoke! Wir bemerken dabei ganz nebenbei, dass nicht jeder Schauspieler die Gabe zur Improvisation hat (nicht in dem Masse wie Harvey Keitel!). Während also ein Stargast nach dem anderen den Laden betritt, erscheint auf einmal der Besitzer (Victor Argo) und droht mit Kündigung. Zukünftig soll eine Bio-Kette da rein (!!!!!!!!!!!). Keitels Auggie erklärt, dass sein Laden ein Stück Nachbarschaft sei und deshalb unmöglich geschlossen werden könnte. Ein Stück Kiez würde sterben! Schmerzhaft sei an die Brooklyn Dodgers erinnert und wie sie eines Tages wegzogen...

youtube stream: Smoke

Smoke ist ein Film der Worte, der Geheimnisse und vor allem des Tabakgenusses! Im Grunde handelts von einer Gruppe einsamer Männer und ein paar vereinsamter Frauen, die sich mitten in New York, in Brooklyn, eine kleine Parallelwelt aufgebaut haben. Eine Welt voller Melancholie, ganz darauf ausgerichtet, die Zeit totzuschlagen (und Tabak zu geniessen). In Smoke wird deshalb auch ungeheuer viel geredet und zwar von den grossen Träumen und dem, was man von ihnen mitnehmen kann. Das Zentrum von Smoke ist der Brooklyn Cigar & Co Store (wir würden das einen "Späti" nennen). Er liegt genau an der Kreuzung der Third Street / Eighth Avenue. Betrieben wird die Brooklyn Cigar & Co von Auggie Wren (Harvey Keitel) und für ihn bedeutet dieses Eckgeschäft das Zentrum der ganzen Welt. Das muss man wörtlich nehmen, denn Auggie macht sogar jeden Morgen ein Foto von seiner Ecke! Gelegentlich zeigt er sein Fotoalbum Paul (William Hurt), einem Schriftsteller und Stammkunden. "That's my Project"; erzählt Auggie; "What you'd call my life's work". Natürlich sehen die Bilder nicht sehr unterschiedlich aus. "They're all the same," so Auggie, "but each one is different from all the others." Auf einmal entdeckt Paul seine Frau, die eines Morgens, schwanger, erschossen wurde. "Look at her. Look at my sweet Darling" - Paul beginnt zu weinen. Nun sind nicht mehr alle Fotos gleich. Smoke ist einer dieser Filme, die wissen, dass es die kleinen Dinge sind, die das Leben ausmachen. Auggie erinnert sich an den Morgen als Pauls Frau erschossen wurde. Hätte er ihr nicht gleich das Wechselgeld herausgegeben; wäre irgendetwas passiert, dass Zeit gekostet hätte... dann wäre sie nicht in die Schiesserei geraten. Und auch Pauls Leben hängt von Momenten ab. Einmal wird er fast von einem Lastwagen überfahren, doch Rashid (Harold Perrineau Jr.) zieht ihn zurück. Paul würde sich gern lebenslang revanchieren, denn ist das nicht eine der universalen Regeln? Für Rashid tuts aber auch eine Limonade. Irgendwie wird Rashid sogar zu Pauls Mitbewohner, was dessen Tante wiederum nicht verstehen kann. Das Leben geht weiter. Auggies Ex-Freundin erscheint nach Jahren und erzählt, dass Auggies Tochter (ja?/nein?) Felicity (Ashley Judd) schwanger sei. Ein Kind ohne Eltern ist auch Rashid, bis zu dem Tag, da er seinen Vater (Forest Whitaker) dort an einer Tankstelle irgendwo in einer kleinen Stadt verfolgt... Längst wissen wir, dass das Leben keinem Plan unterliegt, sondern einzig vom Glück bestimmt wird. Glück, Zufall und Ironie, darauf baut alles auf. Zumindest in Smoke. Regisseur Wayne Wang und sein Drehbuch-Autor Paul Auster glauben beide offensichtlich fest daran und haben so ihrem Film diese kleinen, besonderen Momente spendiert, die Smoke so wundervoll machen! Getragen wird Smoke auch von Harvey Keitel, der wie kein zweiter Schauspieler das Indie Kino der 90er dominiert. Gibt es überhaupt einen Film von Rang aus der Zeit ohne Keitel? So unveränderlich wirken sein Gesicht und sein Körper, dass man die Rollen Keitels kaum auseinanderhalten kann. Sind das wirklich verschiedene Charaktere oder einfach er selbst? Doch das wäre genauso ungerecht wie die Behauptung, Auggies Fotos würden alle gleich aussehen. In Smoke jedenfalls hält Keitel alles zusammen. Alles dreht sich um seinen Laden und seine Figur. Ansonsten verzichtet Smoke auf jede dramaturgische Zuspitzung. Der Film entspricht dem Leben der Stammkunden der Brooklyn Cigar & Co. Er folgt diesen Typen, die so verloren durch ihr eigenes Leben stolpern(...)

youtube stream: Zhang Yimou - To Live

To Live mag zwar ein simpler Titel sein, doch dahinter verbirgt sich ein ganzes Universum. Wir erleben das China der 40er, die grosse Zeit des Glückspiels und schliesslich die Zeit der Austeritäts-Politik während der 60er Jahre der kulturellen Revolution. To Live zeigt den Fall einer Familie aus der Sicht der Frau. Die Hoffnung stirbt, das Schicksal zeigt sich gnadenlos. Sie verliert ihr Vermögen, ihre Position und ihre Kinder und fasst das alles in einem Satz zusammen: "All I ask is a quiet life together." To Live ist eines der grossen Meisterwerke des chinesischen Regisseurs Zhang Yimou. Damals, 1994, zählte man ihn zu Chinas führenden Filmemachern, nach To Live wurde er zwei Jahre lang mit einem Bann belegt. Seine Frau, Chinas grösster Star Gong Li, Yimous Frau, wurde ebenfalls gebannt (heute arbeiten beide eng mit der Partei zusammen). Wie die grossen Filme von Zhang Yimou und Gong Li folgt To Live der Geschichte einer starken Frau - die in diesem Fall aber an der Seite eines starken Mannes steht. Beide sind aneinander gekettet durch unfassbare Not und Armut. Zunächst sind die Probleme hausgemacht von Fugui (Ge You), einem degenerierten Zocker, der das Haus der Familie verspielt. Sein Vater prügelt Fugui mit einem Stock, seine Frau Jiazhen (Gong Li) will nichts mehr mit ihm zu tun haben. Sein Leben lang war Fugui träge und faul, nun findet er sich auf der Strasse wieder. Er tritt als Puppenspieler auf und gerät besoffen zwischen die Fronten der nationalen und roten Armee. Wird er über die rote Armee zurückfinden in seine Heimatstadt? Zurück zu seiner Frau und den Kindern? Das Leben ist ungeheuer hart, doch sie überleben die dunklen Tage des kommunistischen Regimes. Die Jahre kommen und gehen, Mao Tse Tung dankt ab, Regen und Sonne wechseln. Irgendwie leben sie... Ich bin der Meinung, dass die tollsten Filme oft aus Ländern kommen, in denen es die Menschen am schwersten haben. Damals in den 90ern begann die grosse Zeit des chinesischen Kinos trotz widriger Bedingungen. Jahrzehntelang gab es keine nennenswerten Filme aus der Volksrepublik. Auf einmal begann die sogenannte 5. Generation(...)

FILM LIST: Magic Realism

 Es gehört zum Merkmal des Magischen Realismus, dass er sich jeder Defintion entzieht. Viele Versuche wurden unternommen. Oft hat man den magischen Realismus als literarischen Stil aus Lateinamerikas bezeichnet, der fantastische und mystische Elemente benutzt - gepaart mit realen. Etwa die Romane von Gabriel Garcia Márquez und Jorge Luis Borges. Die fantastischen Elemente dienen bei ihnen immer dazu, die Realität klarer zu durchschauen. Hier kann das gezeigt werden, was mit Worten nicht beschreibbar wäre! Was steht hinter der Magie? Hier fängt unser Spiel an; das Spiel unserer Imagination...

youtube stream: Vittorio De Sica - Bicycle Thieves

 DU FINDEST DEN GANZEN FILM AUF YOUTUBE MIT ENGLISCHEN UNTERTITELN - stell die Geschwindigkeit auf 1,25 unter "Einstellungen") Vittorio de Sicas Bicyle Thieves ist ein so ehrwürdiges und in jedem Lexikon gepriesenes Meisterwerk, dass ich richtig erstaunt war, wie lebendig und frisch der Film heute noch ist! Klar, 1949 wurde der Film mit dem Oscar prämiert und seitdem in reiner Routine zu den grössten Filmen aller Zeiten gezählt. Eigentlich ist es doch aber ein simpler Film über einen Mann, der Arbeit sucht. Der Regisseur Vittorio de Sica war von einer Tatsache fest überzeugt: Dass jeder von uns EINE Rolle wirklich spielen kann - sich selbst! Geschrieben wurde Bicycle Thieves von Cesare Zavattini, der als Vater des italienischen Neorealismus gilt. Von ihm stammt ein berühmter Aufsatz, wie er und de Sica im echten Leben nach Figuren suchten. Es war die Zeit nach dem zweiten Weltkrieg und Italien war von Armut gelähmt. Die Geschichte ist schnell erzählt. Lamberto Maggiorani, ein Nicht-Schauspieler, verkörpert Ricci, einen Mann, der jeden Morgen den hoffnungslosen Versuch unternimmt, Arbeit zu finden. Eines Tages aber hat er Erfolg: Ein Job wird geboten für einen Mann, der ein Fahrrad besitzt. Und Ricci besitzt ein Fahrrad! Doch er musste es verpfänden. Nur mit grösster Mühe gelingt es Ricci und sein Frau, das Fahrrad einzulösen und so kann Ricci als Post-Zusteller arbeiten. Einmal stellt er sein Fahrrad unachtsam ab, ohne es anzuschliessen. Wir erwarten, dass es geklaut wird - jedoch ist das Rad noch an seiner Stelle, als Ricci zurückkehrt. Dann aber wird es tatsächlich gestohlen - ohne Zweifel von einem anderen Mann, der einen Job sucht. Ricci, gemeinsam mit seinem kleinen Sohn Bruno (Enzo Staiola), versucht den Dieb zu fassen. Doch WIE in den verwinkelten Strassen Roms? Und natürlich ist die Polizei keine Hilfe. Ricci gibt letztlich auf und bringt seinem Sohn bei, dass Leben nichts als Leid bedeutet. Du lebst und leidest. Zur Hölle mit dem Leben! - und deshalb essen Ricci und sein Sohn eine Pizza. Um sich das leisten zu können, müsste man eine Million Lire im Monat verdienen, so Ricci zu Bruno. Einen Moment darauf aber entdeckt Ricci den Fahrrad-Dieb und verfolgt ihn bis zu einem Bordell. Dort wartet eine hässliche Menge. Ein Polizist naht, doch der kann nicht helfen, denn es gibt keine Zeugen ausser Ricci selbst. Was soll Ricci tun? Schliesslich wird er selbst dazu verleitet, ein Rad zu klauen in diesem Kreislauf aus Armut und Diebstahl. So direkt wird Bicycle Thieves erzählt, dass es mehr einer Parabel, denn einem Drama gleicht. Manchmal mag es etwas enttäuschend sein, dass Riccis Charakter im Grunde nur in der Pizzeria Szene richtig lebendig erscheint. Doch das mag am Charakter der Parabel liegen. Trotzdem ist Ricci eine zeitlose Figur. Ein Mann, der alles daran legt, seine Familie zu beschützen. Wer könnte sich nicht mit ihm identifizieren? Und im Ernst; wer nicht weinen muss nach Bicycle Thieves - was fühlt dieser Mensch überhaupt? Neorealismus als Begriff kann eine ganze Menge bedeuten. Vor allem verstehe ich darunter aber Filme aus dem sozialen täglichen Leben, geboren in der Armut nach dem Krieg. In Bicycle Thieves führt de Sica die neorealistische Welt sehr pointiert ein, in dem Moment, da Ricci vor einem grossen "Rita Hayworth" Plakat sein Fahrrad sucht. Hier die neorealistische Welt, dort Hollywood. Die Kernaussage lautet: In einer besseren Gesellschaft würde der Wohlstand gerechter verteilt sein.

youtube stream: Claude Chabrol - Juste Avant La Nuit

 Die Blondine sieht schön aus, vielleicht ein bisschen zu sehr. Sie räkelt sich auf dem Bett. Sie fordert ihn auf, mit ihr zu spielen - und leckt sich die Lippen. Michel Bouquet sitzt voller Gram am Fenster. Ein kleiner Mann, korrekt gekleidet, mit dünnem Haar, dass ihm langsam ausgeht. Er will überhaupt nicht spielen, tut es dann aber doch. Die Blonde schliesst ihre Augen und widmet sich ganz ihren Vergewaltigungs-Fantasien. Natürlich wünscht sie auch, gewürgt zu werden. Die Leinwand verdunkelt sich, es erscheint der Titel: Juste Avant La Nuit. In dem Moment, da das Licht zurückkehrt ist die Blonde tot. Wie so oft in Claude Chabrols Filmen erscheinen seine Charaktere wie Prototypen der französischen Bourgeoisie. Sie sind furchtbar seriös und werden von allen respektiert, leben in erhabenen Anwesen und arbeiten in Schlüsselpositionen. Doch hinter der Fassade verbergen sich dunkle Fantasien und wohl behütete Geheminisse bis hin zum Mord. Killer sind sie nicht. Es ist eher so, dass sie sich über die eigene Tat wundern und erschrecken. Juste Avant La Nuit ist einer der besten Chabrol Filme zu seinem Lieblingsthema. Wie in seinen besten Werken verbirgt sich so viel mehr hinter den zunächst glatten Charaktere. So viel mehr kann Chabroll über sie erzählen! Just Avant La Nuit handelt von Schuld und Sühne - schliesslich auch von Vergebung. Irgendwann dachte ich mir, dass ein Mord doch eigentlich jedem passieren könnte. Doch wären wir genauso vulgär wie Chabrols Figuren, den Mord anschliessend zu beichten? Die Tote ist die Frau von Charles' (Bouquet) bestem Freund. Seit mehreren Monaten pflegen sie und Charles eine Affäre. Eine perverse Beziehung, die auf den Fantasien der Ermordeten beruht. Im Grunde verachtet Charles sie und ihre Spielchen. Das, was sie wünscht, ist ihm zuwider! Ich denke nicht, dass er den genauen Grund kennt, weshalb er sie ermorden will - jedenfalls kehrt er nach der Tat zurück in sein gewohntes Leben. Niemand verdächtigt ihn. Charles ist verheiratet mit einer eleganten Frau (Stephane Audran). Er ist Vater von netten und aufgeweckten Kindern. Während des Begräbnisses erlangt Charles die absolute Gewissheit, dass die Polizei seine Spur niemals aufnehmen wird. Nachts aber quält seine Tat ihn, bringt ihn um den Schlaf. Charls überkommt der Wunsch, sein Verbrechen jemandem zu beichten: Seiner Frau als auch seinem besten Freund, dem Witwer der Toten. Und welch Wunder - sie alle vergeben ihm. Niemand verspürt die Lust auf Rache. Doch genau danach verlangt Charles. Er möchte gerichtet und bestraft werden. Die Anderen aber verhalten sich nicht anders als die tote Blondine, ganz so als führten sie ihr Spiel fort. Juste Avant La Nuit ist eine Meditation über das Thema Schuld. Was ist richtig? Was ist falsch? Natürlich bedauert man die Tote. Die Polizei zu rufen würde aber doch etwas zu weit gehen. Wer ausser Chabrol wäre noch in der Lage, ein Verbrechen wie Mord weniger verachtungswürdig darzustellen? Wer könnte es noch skandalöser relativieren?

youtube stream: Fatih Akin - Kurz und schmerzlos

 Fatih Akins Film liebt das grosse Pathos, den ganz grossen Knall! Es ist möglich, dass seinen Charakteren nie etwas Gutes widerfahren wird. Ganz egal, welche Entscheidungen sie treffen oder was sie füreinander tun können. Es gibt diese Hochzeits-Szene in Kurz und schmerzlos - doch die hat nur den Wert einer Kotümparty - denn wir sind bereits mittend drin im Mechanismus der Selbstzerstörung. Was hier anläuft, das ist eine Abwärtsspirale. Erzählt wird die Geschichte von drei Freunden aus Hamburg-Altona. Von dem Türken Gabriel, dem Serben Bobby und von Costa, dem Griechen. Gabriel (Mehmet Kurtulus) kommt gerade aus dem Knast und trifft seine Freunde Bobby (Aleksandar Jovanovi) und Costa (Adam Bousdoukos) auf einer Hochzeit. Costa trägt die falschen Klamotten, aber Gabriel kann für ihn "bürgen"(...)

youtube stream: The Silences Of Palace

 The Silences Of Palace ist ein exotischer Film gleich in mancher Hinsicht. Ich denke, es braucht sogar eine Einführung. The Silences Of Palace spielt im Tunesien der 50er Jahre. Es ist die Zeit des letzten grossen Monarchen Tunesiens, doch draussen tbt bereits die nationalistische Bewegung... Die Heldin des Films heisst Alia (Amel Hedhili). Sie ist die Tochter einer Küchen-Sklavin. Damals erwarteten die Herrscher von ihren Sklavinnen, dass sie sexuell verfügbar sind(...)

youtube stream: Like Water For Chocolate

Ein Kunde unserer Videothek aus Mexiko erklärte mir, dass "Como agua para chocolate" so viel wie einen Zustand sexueller Erregung bedeutet. "Like Water For Chocolate" - denn in Mexiko wird der Kakao nicht mit Milch, sondern mit Wasser aufgegossen. Man kocht das Wasser und gibt dann das Kakao-Pulver hinein. Genauso sind sämtliche Protagonisten in Alfonso Araus mexikanischem Welterfolg kurz davor, den Siedepunkt zu erreichen! Im Mittelpunkt steht ein Mädchen, das ihr Leben in der Küche fristet. Dort bereitet sie ihre Gerichte zu, so magisch, dass die Menschen durch ihre Speisen lachen, weinen oder nackt aus dem Haus rennen, während draussen die Revolution tobt! Die Zutaten von Like Water For Chocolate: Eine intensive Mischung aus Leidenschaft und Romanze, garniert mit etwas Komödie - und natürlich ein paar Wachteleiern, Knoblauch, Chili und Honig. Der Film spielt irgendwo an der mexikanischen Grenze um 1910. Dort lernen wir Tita (Lumi Cavazos) und Pedro (Marco Leonardi) kennen, ein jung verliebtes Paar. Doch sie dürfen niemals heiraten! Das verbietet Titas gestrenge Mutter, denn Tita als jüngste Tochter, hat die Pflicht, für immer zu Hause zu bleiben, um die Mutter zu versorgen. Titas Herz ist gebrochen(...)

youtube stream: Bashu, The Little Stranger

Wir haben uns daran gewöhnt, dass "Flüchtlinge" etwa im Gleichklang mit "Flutkatastrophen" beschrieben werden. Es gilt als "mutig", die "Wahrheit" über sie auszusprechen, die zusammengefasst lautet, dass es sich bei Flüchtlingen um "Eindringlinge" handelt. Deshalb gibt es Filme wie Bashu, The Little Stranger aus dem Iran. Inszeniert 1989. Voller Gefahren ist der Himmel über ihm, dort am persischen Golf, während eine Einheit aus dem Irak einen Bombenangriff fliegt. Bashus Eltern wurden getötet, seine Heimat zerstört. Bashu aber entkommt unbemerkt auf einem Truck, der ihn in eine schönere, fruchtbare Region bringt. Die grösste Gefahr dort stellen einzig die Raubvögel dar. Der wundervoll simple Film von Bahram Beizai zeigt uns nun, wie Bashu eine neue Familie findet. Es ist die gutmütige Nai (Susan Taslimi), die ihn ganz allein auf einem Feld aufliest. Bashu (Adnan Afravian) reagiert verängstigt, zudem kann er sie nicht verstehen, weil man in diesem Teil des Landes eine andere Sprache spricht. Von den Nachbarn wird Bashu gemieden, da seine Haut dunkler ist als die der Menschen aus dem Norden(...)

youtube stream: Aki Kaurismäki - La Vie De Boheme

Aki Kaurismäki ist ein Meister in der Disziplin, ausdrucksloser Komik! Kaurismäkis Helden sind stets mürrisch und bedrückt. Sie sprechen kaum. Oft agieren sie naiv und werden von irgendwelchen gerissenen Typen hereingelegt oder einfach von der Welt an sich, die sie nicht verstehen. Hier ruht Kaurismäkis Humor, geboren aus tiefster Ironie: Das Leben wie wir wünschten - es möge so sein! Und ist das nicht die witzigste Ironie? La Vie de Boheme sieht nicht nur so aus, sondern verhält sich auch ganz danach, als ob eine graue schwere Wolke über uns hängen würde. Ein Schatten über unserer Welt. Diese Wolke folgt uns überall hin, ganz so wie eine Depression. Und doch gibt es auch etwas Herzliches in Kaurismäkis Welt! Es scheint so, als sei die Wolke nicht dick genug, um jeden Sonnenstrahl abzuwehren!(...)

youtube stream: Kops

Kops, das Original von Josef Fares, basiert auf einer genauso simplen wie guten Idee: Gesetzeshüter werden zu Dieben, Randalierern und Kidnappern. Wie kommt es dazu? Wir müssen uns dazu die Idylle im schwedischen Hinterland vorstellen: Högsboträsk. Ein Ort, in dem es seit zwanzig Jahren kein einziges Verbrechen gab. Vier Polizisten sind dort stationiert, die seit zwanzig Jahren nicht arbeiten. Einer heisst Jakob (Fares selbst), der sich vor allem darum kümmert, eine Freundin zu suchen. Scheinbar mit Erfolg, denn er schafft es, sich mit der reizenden Jessica (Eva Röse) zu verabreden! Dumm nur, dass sie ihm am folgenden Morgen als Jessica Lindbladt aus dem Polizei Hauptquartier entgegentritt. Sie ist die Vorgesetzte, die die Polizeistation in Högsboträsk schliessen will. Den vier "Kops" bietet sie Stellen ausserhalb ihres Heimatdorfs an - unmöglich! Kops spielt mit dem Typus des "Slackers", in Gestalt von Polizisten(...)

youtube stream: John Cassavetes - Opening Night

John Cassavetes Opening Night erzählt die Geschichte einer Schauspielerin und Alkoholikerin, auf dem Höhepunkt ihrer Qualen, ihrer Agonie. Umgeben wird sie von Menschen, deren Leben sie im Grunde verhindert. Keiner von denen aber ist so wütend auf sie wie er das eigentlich sein müsste. Verkörpert wird sie von Gena Rowlands, die genau verstanden hat, auf was es in dieser Rolle ankommt: Das Verlangen nach einem Drink! Selbst in den unpassendsten Momenten! Es muss sein! Hier und Sofort! Rowlands Charakter heisst Myrtle Gordon. Wir lernen sie kennen während der Vorbereitung eines Stücks. Gordon ist in grosser Star, verehrt von ihren Fans. Ben Gazzara spielt den Regisseur, der mit der Aufgabe zu kämpfen hat, diese verdammte Produktion irgendwie fertig zu stellen. Cassavetes selbst gibt den Hauptdarsteller. Jeder im Team weiss, dass Gordon eine Trinkerin ist und jeder versucht sich das schön zu reden. Mit etwas Fantasie trinkt sie, um ihr Altern zu ertragen. Oder sie trinkt, weil der Schmerz zu gross ist für sie. Alkoholiker können uns schliesslich stets einleuchtend die Gründe benennen, weshalb sie trinken. Wie aber der Suff und die Probleme miteinander zusammen hängen, das erkennen sie nicht. Opening Night war 1977 der dritte Film, in dem Rowlands die Hauptrolle in einem Cassavetes Film übernahm. Ungewöhnlich, wie klar Cassavetes Film erkennt, dass Alkoholismus der Schlüssel zur Selbstzerstörung ist. Opening Night weiss, dass besonders talentierte Alkoholiker die Fähigkeit besitzen, sich mit "Beschaffern" zu umgeben. Mit Menschen, die ihre Neurosen und ihren Suff unterstützen. Gordon ist so betrachtet eine äusserst talentierte Alkoholikerin: "I’ve never seen anyone as drunk as you who could stand up. You’re great!” Gordon befindet sich in einem Stadium, wo sie bereits beginnt zu halluzinieren (wer ist beispielsweise dieser Fan, der zuvor umkam, sie aber stets umgibt?) - und wird wohl bald eingewiesen werden müssen. Cassavetes vermag diesen Zustand besser darzustellen als jeder andere Filmeacher! Ein Meister der Darstellung von Wahnsinn, in dem Moment, da Gordon innerlich zerbricht, aber nach aussen wie eine Verrückte agiert. Gordon, eine stolze Person, aber nervös und zutiefst unglücklich. Immer näher rückt die Nacht der ersten Vorstellung und sämtliche Charaktere leugnen dass allzu Sichtbare. Und das Publikum? Alle sind Zeugen des psychotischen Chaos während dieser ersten Vorstellung, da Gordon besoffen auf ihr Gesicht stürzt. Der Vorhang fällt, man applaudiert. Stellt das einen Triumph dar? Wird sie weitere Angebote erhalten? Wird sie je aufhören, zu trinken? Wie alle Cassavetes Filme stellt Opening Night einen unaufhaltsamen Zusammenbruch dar. Alle seine Filme stellen die Frage, wie es denn früher einmal war (und was daraus geworden ist)? Eine Frage, die sich auch Alkoholiker oft stellen. Doch natürlich ist nichts so, wie es früher einmal war.