FILM LIST: Surreal Fantasy

Surreal Fantasy

Zur Vorweihnachtszeit eine Sammlung von surrealistischen Fantasy Filmen. (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. sEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 30.11.16)

youtube: Sang-soo Hong - Woman On The Beach (engl. subt.)

 youtube: Sang-soo Hong - Woman On The Beach (engl. subt.). Endlich läuft der erste Film von Hong im Kino an! Deshalb zeigen wir Woman On The Beach, eine Liebes-Triangel. - Sang-soo Hong hat einen bittersüssen Film übers Verlangen gemacht. Wer Hong kennt, weiss, worauf er sich einlässt: Etwa zehn Minuten lang beobachten wir zwei Männer und eine Frau, die aufs Meer hinaus starren. Die klassische Liebes-Triangel benutzt Hong für einen Film, der die Geheimnisse des Herzens und die Verrücktheiten des Geistes erforscht. Der Regisseur Kim (Kim Seung-woo), sein Begleiter Chang-wook (Kim Tae-woo) und dessen Freundin Moon-sook (Ko Hyun-joung) werden eingeführt. Eigentlich ist Chang-wook aber gar nicht ihr richtiger Freund, wie Moon-sook Kim gesteht. Überrascht blickt Chang-wook sie an, während Kim das alles für einen Spass hält. Hong hat ein Talent dafür, das Witzige mit dem Tragischen zu mixen. Bei ihm gibts beides: Süss & sauer. Dieses Werk kommt ohne die narrativen Spielchen von Hong aus. Keine Rückblenden, Überschneidungen, Perspektiv-Wechsel. Statt eines Puzzles bekommen wir diesmal ein kraftvolles und leidenschaftliches Drama! Wie immer bei Hong ists schliesslich der Alkohol, der die Dinge in Gang setzt. Unglaublich trauriger Sex folgt auf den Suff, der die Protagonisten und auch uns, ja den ganzen Film, erschüttert. Vielleicht ist das so tatsächlich auch nur in einem linear erzählten Film möglich?

FILM LIST French Indie Films

French Indie Films

Was ist in Frankreich "Inide"-Kino? Gibts das überhaupt? Zumindest kennen wir die beiden Marktführer Gaumont und Pathe. Die beiden Konzerne pflegen seit 120 Jahren die publikumswirksamen Genres. Zu Beginn der 70er wuchs Konkurrenz heran: Die UGC, später die MK2 von Martin Karmitz, der sich als Partner der Autorenfilmer verstand. Unabhängig sind in Frankreich also die Produktionen, die nicht mit den vier Marktführern verbändelt sind. Immer wieder gründeten Regisseure ihre eigenen Produktionsfirmen wie Eric Rohmer und Barbet Schroeder (Les Films Du Losange) oder später Cedric Klapisch und Robert Guediguin. Der Produzent Alain Rocca (La Haine) versteht sich als Förderer einer neuen Generation. Die ersten Filme von Francois Ozon entstanden für Fidelite, Philippe Garrel und Arnaud Desplechin arbeiten für Why Not. Und sonst? Canal Plus droht, sich aus der Filmproduktion zurückzuziehen; das Geld der Fernsehsender wird bevorzugt in Projekte mit Stars investiert. Einige Filmemacher schlossen sich sogar zum "Club der 13" zusammen, um auf die Misere aufmerksam zu machen (darunter Jacques Audiard). Und die Zukunft? Bald stehen im Nachbarland die Wahlen an und die werden zwischen Konservativen und Faschisten entschieden. Schlecht für die Filmförderung, gut für die Indies! (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 29.11.16)

youtube: Marketa Lazarova (engl. subt.)

youtube: Marketa Lazarova (engl. subt.). Was für eine Entdeckung! Marketa Lazarova startet nun auch in Berliner Kinos! - In weniger als einer Minute, noch bevor der Vorspann abgeschlossen ist, spüren wir, dass Marketa Lazarova ganz für sich allein steht. Ich habe nie wieder einen Film wie diesen gesehen! Ein Märchen, dem etwas Beliebiges innewohnt. So als hätte Frantisek Vlacil einfach improvisiert, Erzählbausteine zufällig zusammengeschustert. Das klingt nicht nach einem der grössten Filme aller Zeiten? Doch! Marketa Lazarova gehört für mich zu den 20 besten Filmen überhaupt! Kein konventioneller Film, sondern eine Schwärmerei! Vlacil filmte während der 60er als einer der Vertreter der tschechischen Neuen Welle und doch wirkt Marketa Lazarova wie ein Fremdkörper. Vlacils Werk hat weder die subversive Kraft oder die Alltags-Poesie, welche die tschechischen Filme seiner Zeit auszeichnen. Marketa Lazarova strahlt etwas anderes Paradoxes aus: Hier erleben wir ein intimes Epos, eine Halluzination, eine filmische Sinfonie. Nach seiner Veröffentlichung 1967 verschwand der Film wieder von der Bildfläche. Man vergass Marketa Lazarova. Erst 1998 wurde das Werk zum besten tschechischen Film aller Zeiten gewählt. Vor einigen Jahren kauften wir eine DVD vom tollen britischen Second Run Label und seitdem tauchen unsere Filmkunstbar Fitzcarraldo Gäste immer wieder ein in dieses Märchen, angesiedelt im düsteren Mittelalter. Jetzt verhilft der deutsche Verleih Bildstörung (bekannt durch seine exquisite DVD Kollektion!) dem Werk sogar zu einem Kinostart! Marketa Lazarova gehört auch auf die grosse Leinwand! Weite Winterlandschaften, Wälder, karge und verdreckte Bauernhöfe. Die Geschichte handelt von der Fehde zweier Räuberclans. Marketa (Magda Vásáryová) ist eine Räubertochter. Sie verkörpert die Unschuld in diesem Reigen aus Rache und Gier. Bevor man sie ins Kloster schickt, wird Marketa vom verfeindeten Clan entführt und vergewaltigt. Das löst eine tragische Wandlung ihres Charakters aus. Nun muss man anmerken, dass Marketa in diesem komplexen, ja unübersichtlichen Plot nur eine Nebenrolle spielt. Gleich zu Beginn führt uns eine Erzählerstimme ein, die betont, dass das Geschehen der Macht des Zufalls folgt. "Erzählt aufs Geratewohl". Für zusätzliche Verwirrung sorgen die Ordnungstafeln, die eben keine Ordnung schaffen in diesem Gemälde aus Visionen und Zeitsprüngen. Marketa Lazarova fordert unsere Sehgewohnheiten in zweieinhalb Stunden heraus, überwältigt uns mit seiner Pracht und seinem Reichtum an Formen und Metaphern. Angeblich verbrachten Vlacil und sein Team zwei Jahre im Böhmerwald. Entstanden ist kein Kostümfilm, sondern experimentelles Kino. Auf majestätische Tableas folgen verwackelte Einstellungen der Handkamera, teilweise ist der Ton asynchron, Chorgesänge und elektronische Synthieklänge wechseln ab, blutiger Naturalismus begegnet erhabener Mystik. Immer wieder greift der Erzähler ins Geschehen ein und sorgt für absurde Komik, die wir eher aus britischen Filmen der 70er gewohnt sind. Eine halluzinatorische Winterreise, die offen ist für alle möglichen Interpretationen. Marketa hat niemanden, dem sie vertrauen kann. Wir haben auch niemanden, dem wir in diesem Bildersturm vertrauen können! Am Ende aber überleben wir, werden wiedergeboren, ja wiederbelebt. wie jemand, der die Welt mit neuen Augen erblickt! (Du findest diesen Film auf youtube)

youtube link: Twin Town

  youtube link: Twin Town. Bevor Trainspotting 2 anläuft! - Ein Film, der das Gegenteil ist vom Heroin Chic der Modebranche. Angesiedelt im Süden von Wales, in Swansea, die der walisische Poet Dylan Thomas einst als Grab aller Ambitionen bezeichnete (und er kam aus Swansea!). Unsere Barkeeperin aus der Filmkunstbar Fitzcarraldo stammt ebenfalls aus Süd Wales und wir können nur hoffen, dass alles, was in Twin Town gezeigt wird, nicht bei ihr um die Ecke geschah. Im Mittelpunkt stehen die Zwillinge Julian (Llyr Evans) und Jeremy (der tolle Rhys Ifans), die gar keine sind, sondern nur Brüder. Jeder aber nennt sie Zwillinge. Die Hafenstadt Swansea kann nicht das Grab all ihrer Ambitionen sein, da sie nie welche hatten. Twin Town stellt uns zwei Clans vor, die in einen Streit geraten, da der Vater des einen vom Dach des anderen stürzt. Das Dach wiederum gehört Cartwright (William Thomas), dem örtichen Dealer. Kompliziert? Wie dem auch sei, Komödie und Pathos, Schlägereien, Mord und ganz viele Drogen finden ihren Platz im Plot, der ganz bestimmt auch an den schottischen "Trainspotting" erinnern soll. Das Finale gestaltet sich sogar richtig poetisch mit einem Chor! Wo aber will der Film mit uns hin? Viel zu viel passiert und viel zu viele Schauplätze werden uns aufgezwängt. Irgendwo darunter verbirgt sich eine viel leichtere Geschichte, der man einfach noch das Trainspotting-Label anklebte. Im Gegensatz zum Original fehlt hier aber eine klare Vision. Immerhin fungiert Trinspotting-Regisseur Danny Boyle auch als Executuve Producer, während Regisseur Kevin Allen immerhin der Bruder von Keith Allen ist, der im Original mitspielte. Twin Town soll nun das für Wales leisten, was Boyles Film für Schottland vollbrachte (mit starkem walisischen Akzent). Das ist einen Blick wert, mehr aber auch nicht. (Du findest den Film auf youtube)

FILM LIST: Kolumbien Filmauswahl

Kolumbien

Filmauswahl

Heut fragten mich zwei Kundinnen nach Filmen aus Kolumbien und ich muss gestehen, auf dem Schlauch gestanden zu haben. El Abrazo De La Serpiente steht doch bei den Neuheiten! Der Film, der von den Nachwehen der europäischen Kolonialisierung handelt, darf als Initialzündung des kolumbianischen Kinos gelten. Angelegt in zwei verschiedenen historischen Episoden und traumhaften Bildern. Allein die Einstellung, wie ein Kanu den Amazonas heruntergleitet, ist es Wert, sich die schmucke DVD zu leihen. Was aber kommt noch aus Kolumbien? Was lief auf dem Panorama Columbia? (http://www.panoramacolombia.com/). Hier eine Übersicht. (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 27.11.16)

FILM LIST: Movies in Bars

Movies in Bars

Die Filmkunstbar Fitzcarraldo ist eine Videothek, die ihr Geld mit Alkohol verdient. Und das Geld fliesst dann wieder in die Filme. Ein gesundes Ökosystem. Klar, dass wir besonders gerne Filme sehen, die auch wiederum in Bars spielen. Hier die Besten! (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 27.11.16)

youtube link: Danny Boyle - Trainspotting

 youtube link: Danny Boyle - Trainspotting. Bald kommt Trainspotting 2! - Seit 12 Jahren mache ich die Filmkunstbar Fitzcarraldo. Seit mehr als 20 Jahren arbeite ich im Nachtleben. Wer sich oft in einer Bar aufhält, lernt auch die dunklen Ecken des Lebens kennen. Auch die Welt der Süchtigen. Selbst, wenn sie vordergründig ganz normal zu funktionieren scheinen, gibt es etwas, dass sie von der normalen Welt trennt: Das Geheimnis, dass die Sucht mehr gilt als alles andere in der Welt: Freunde, Familie, Arbeit, Liebe, Sex. Niemand kann die Dringlichkeit der Sucht besser verstehen als ein anderer Süchtiger. Man ist unter sich: Es gibt keinen Grund, zu lügen oder etwas zu verbergen. Man teilt dieselben Bedürfnisse. Trainspotting kennt diese Wahrheit von Grund auf. Damals, 1996, hat man Danny Boyles Film entweder vorgeworfen, Drogen zu verherrlichen oder ihn verteidigt als Anti-Drogen Film. Beides ist falsch. Trainspotting ist schlicht und ergreifend pragmatisch. Er zeigt den aufregenden, aber auch unangenehmen Alltag der Sucht. Die Routine. Nur zwei Dinge machen es erträglich: Die Droge (wenn sie dann endlich beschafft wurde!) und das Einverständnis der Gruppe. Echte "Druffies", wenn sie einmal "clean" sind, werden diesen Alltag genauso sehr vermissen wie ihre Substanzen. Die Bedingungen, unter denen sie genossen wurden. Das beginnt schon in der Filmkunstbar Fitzcarraldo, wenn sich zu weniger belebten Zeiten die echten Trinker einfinden. Diejenigen, die Witze über ihre Sucht reissen. Das Leben ist für sie eine Qual, aber mit einem Drink kann man allem die Stirn bieten. Trainspotting also handelt im Kern von solchen Freunden. Nicht nur von ihrer Qual, sondern auch von dem Vergnügen ihres Alltags. Trainspotting basiert auf dem Roman von Irvine Welch aus Edinburgh. Wir hören die Geschichte aus der Perspektive von Renton (Ewan McGregor), der eintauchen wird in die “the filthiest toilet in Scotland”. Er stellt uns seine Freunde vor wie Spud (Ewen Bremner), der das schrecklichste Vorstellungsgespräch führen wird, was ich je sah! Oder Sick Boy (Jonny Lee Miller) mit seinen Theorien über Sean_Connery. Die Freunde schlafen dort, wo es geht. In Bars, besetzten Häusern oder bei irgendwelchen Mädchen. Es gibt kein Zuhause. Ganz am Anfang will Renton aufräumen und irgendwann wird er sogar seriös mit einem Job in London als Versicherungsvertreter... Seine Freunde aber spüren ihn auf und Renton wirft seine ganze geborgte Seriösität über Bord, um ihr Mitbringsel, die Droge, zu testen: Wunderbar! Keine Frage, er mag Heroin. Er fühlt sich einfach wohl damit (zumindest in dem Augenblick des Genusses, nicht aber für die gesamte übrige Zeit). Wie fühlt sich das eigentlich an mit den Drogen? “They make you feel like more drugs.” Die Charaktere in Trainspotting sind gewalttätig und höchst amoralisch. Sie haben ihre eigenen Legenden um sich gesponnen und die handeln vom Schmerz. Einmal erleben wir sie draussen auf dem Land - aber dort wirken sie wie Fremdkörper. Trainspotting löste in den 90ern einen britischen Kinoboom aus - wie zuvor der Britpop. Buy British! Der Film ist witzig und voller Energie (Iggy Pop - Lust For Life!), aber ansonsten? Trainspotting will uns nichts mitteilen. Genau darum gehts. Genau das ist der Punkt! Drogen zu nehmen bedeutet schliesslich nicht, sich zu entwickeln, sondern sich einfach im Kreise zu drehen. Nie landet man irgendwo, immer gehts wieder zurück auf Los. Immerhin, auf dem Weg findet man Freunde. Falls sie nicht sterben. (Den Film findest du auf youtube)

youtube link: Shane Meadows - A Room For Romeo Brass

youtube link: Shane Meadows - A Room for Romeo Brass. Irgendwo in einer kleinen Stadt in Nottingham, England, leben zwei Freunde Tür an Tür nebeneinander. Sie machen das, was alle Freunde so tun: Miteinander abhängen, Jungs-Gespräche führen, im Grunde aber nicht viel. Romeo Brass (Andrew Shim) ist der etwas pummelige, stets optimistische Sohn einer schwarzen Mutter. Sein weisser Vater ist abgehauen. Romeo ist einer, der sich irgendwie immer durchmogelt, hier und da ein bisschen trickst, guter Dinge ist. Sein Freund Gavin Woolley (Ben Marshall), den alle Knocks nennen, leidet und muss operiert werden. Sein Vater beschäftigt sich lieber mit dem Fernsehprogrmm als der eigenen Familie. Romeo und Knocks mögen sich, aber wird diese Freundschaft halten? Wir befinden uns mitten im Ken-Loach-Land der Arbeiter aus der Working-Class! Schliesslich kommt Morell (Paddy Considine) dazu, ein merkwürdiger Typ, der Romeos Schwester daten will. Ladine (Vicky McClure) ist sehr schön und attraktiv. Ich denke, der Grund, weshalb sie schliesslich mit Morell ausgeht ist pure Langeweile. Langsam sind wir vertraut geworden mit den Charakteren. Wir verstehen sogar, weshalb Romeo Knocks nach dessen Operation nicht besucht. Es ist schlicht und ergreifend so, dass solche Dinge zwischen Freunden in diesem Alter ganz normal sind. Wir verstehen auch, warum Romeo zuvor von zu Hause ausziehen wollte und Knocks froh war, ihn aufzunehmen. Überhaupt; wir wissen, dass beide in einer Nachbarschaft leben, in der jeder alles über jeden weiss. Mit Morell aber zieht Gefahr auf. Ich würde ihn nicht einfach als Stalker oder Psycho bezeichnen (wie er in konventionellen Filmen auftreten würde). Morell ändert sich ständig und bestimmt erstaunt es ihn selbst, zu welchen Facetten er fähig ist. Obwohl der Plot logisch aufgebaut ist, überrascht es uns doch, wie die Geschichte plötzlich in Gewalt umschlägt... Shane Meadows serviert das in seiner ganz eigenen Balance aus Komödie und Drama, so dass man gar nicht mehr von Ken-Loach-Country sprechen mag! (Diesen Film findest du auf youtube)

FILM LIST: Off Beat British Comedies

Off Beat British Comedies

Ein paar Spielereien, Titelngaben und andere Unterbrechungen. Hier wird selbstbewusst erzählt und experimentiert. Das muss nicht gutgehen, aber in diesen zehn Komödien von der Insel tuts das! (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 25.11.16)

youtube link: Kohlhass oder Die Verhältnismässigkeit der Mittel

  youtube link: Kohlhaas oder Die Verhältnismässigkeit der Mittel (german only). Kann man Kleist ganz ohne Geld verfilmen? Eine Frage, die sich Aron Lehmanns ebenfalls nicht besonders dicke Produktion stellt. Lehmann (Robert Gwisdek) jedenfalls, hat sein Budget bereits am ersten Tag verbraucht. Die Kostüme und Pferde werden abgeholt und ein Grossteil der Crew nimmt Reissaus. Die Verbliebenen aber beschwört er nach einer Eingebung, weiterzumachen. Mit Liebe und Fantasie. Das Konkrete wird ersetzt durch Illusionen. Dem echten Lehmann wirds genauso ergangen sein. In der ersten Szene bekommt man eine Ahnung, wie Kleists Selbstjustiz-Geschichte auch umgesetzt werden könnte. Lehmann aber muss sich mit Humor und Ironie behelfen. Alles wird nun geschildert wie ein Making Of, die Grenzen zwischen Fiktion und Realität sind fliessend. Ein bisschen aber bleiben uns der fiktive als auch der echte Lehmann ihr Versprechen der Fantasie schuldig. Das, was innerhalb des Filmreams passiert, wirkt etwas banal, vieles auch albern. Das wollte jemand clever sein, der sich womöglich doch überhoben hat.

FILM LIST Deutsche OFF Beat Komödien

Deutsche Off Beat Komödien

Normalerweise sprechen die Figuren in deutschen Filmen immer als ob sie gerade unter Narkose stehen. Gestern aber sah ich die ersten beiden Filme von Dietrich Brüggemann wieder und da hats "Klick" gemacht! Renn, wenn du kannst und Drei Zimmer/Küche/Bad haben diesen gewissen Swing! So wie im Leben? Irgendwie cooler als im Leben! Ich hab überlegt, welche Filme das auch ausstrahlen: Oh Boy mit Tom Schilling oder Westend, eine No-Budget Produktion. Hier kommt die Liste dazu! (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 24.11.16)

FILM LIST: 90s Comedies Hidden Gems

90s Comedies

Hidden Gems

Den albernen College Humor der 80er hatte man überwunden, dafür schlich sich das "Indie" Fach im Mainstream Kino ein. Das waren die 90er und hier kommen ein paar vergessene Komödien (die sich lohnen, entdeckt zu werden). (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 23.11.16)

youtube link: Robert Thalheim - Westwind

youtube link: Robert Thalheim - Westwind (german only). Robert Thalheim arbeitet gerade an einem Film über den legendären DDR Spion Jochen Falk. Deshalb zeigen wir seinen unterschätzten Film Westwind. - Die meisten Filme über die DDR sind grau. Die Häuser, die Strassen, die Kleidung. Westwind ist ein bunter Film! Eine Sommer-Romanze? Mehr noch, die ganz grosse Liebe! Isabel (Luise Heyer) und Doreen (Friederike Becht) sind 17jährige Zwillingsschwestern. Alles machen sie gemeinsam! Zu zweit dürfen sie in ein Sportcamp am Plattensee in Ungarn, um für die Ruder-Meisterschaften zu trainieren. In Ungarn gibt es Schallplatten aus dem Westen (allerdings nur für harte Westwährung). In der Disco läuft Depeche Mode. Bestimmt fühlen die Beiden sich zum ersten Mal richtig frei (obwohl das nichts mit ihrer Herkunft, der DDR, zu tun hat, sondern einfach damit, dass sie 17 sind! Gleich am Anfang lassen sie sich von ein paar Jungs aus Hamburg im VW Käfer mitnehmen (dort läuft auch Depeche Mode). Doreen verguckt sich in Arne, mehr noch, sie verliebt sich zum ersten Mal! Nachts verlassen die Schwestern heimlich das Pionierlager, um die Jungs zu treffen. Arne schwärmt vom Hamburger Hafen, von Fischbrötchen und will Doreen über die Grenze schmuggeln. Isabel allerdings, müsste zurückbleiben... Was Robert Thalheim als Sommer-Romanze beginnt, entwickelt sich zu einem dramatischen Liebesfilm. Westwind kommt ohne Nostalgie aus, ist über weite Strecke sogar unverhofft heiter. Es ist eine Geschichte aus dem geteilten Deutschland, aber auch eine, die wohl jeder von uns so schon mal erlebt hat: Die Geschichte der ersten grossen Liebe. Für mich einer der deutschen Filme, die entdeckungswürdig sind. Westwind lief unter Wert im Kino und bietet das, was ich in deutschen Produktionen so oft vermisse: Leidenschaft!

youtube link: Kieslowski - Three Colors Red

 youtube link: Kieslowski - Three Colors Red. Wir sind umgeben von Fremden und bleiben auch Fremde. Womöglich unterhalten wir uns. Dann stehen wir auf, verlassen einander wieder. Wir werden uns nie wieder sehen. Das erste Bild in Kieslowskis Rouge: Telefondrähte. Rote Telefondrähte. Sie überkreuzen sich. Sie verbinden Menschen, die sich doch nie begegnen. Wohlbemerkt: Kieslowskis Film entstand vor dem Zeitalter des Internets. Blicken wir nun zurück auf unser Leben, meinen wir, es wäre einem Plan gefolgt. Doch ist in Wahrheit nicht alles Zufall? Einzelne Ereignisse ohne Verbindung. In Rouge kennt keiner der Hauptcharaktere die Anderen und es gibt auch keinen Grund dafür, dass sie sich jemals begegnen. Da ist das Model Valentine (Irene Jacob). Sie lebt in Genf. Gerade macht sie einen Anruf. Zur selben Zeit klingelt das Telefon bei Auguste (Jean-Pierre Lorit), eines Jura Studenten. Valentine aber ruft nicht Auguste an, sondern ihren Freund. Er lebt in England und im Grunde sieht sie ihn nie. Beide sind nur formal ein Paar. Soweit wir wissen, haben sich Valentine und Auguste nie getroffen und werden das auch nie. Eines Tages fährt Valentine einen Hund an. Sie macht den Halter ausfindig, einen pensionierten Richter (Jean-Louis Trintignant). Scheinbar kümmert er sich nicht um seinen Hund und zeigt auch für sie keinerlei Regung. Der Richter interessiert sich ausschliesslich dafür, die Nachbarn auszuspionieren. Er hört ihre Telefongespräche ab. Doch irgend etwas geschieht zwischen dem alten Mann und der jungen Frau. Ist es Übereinkunft? Sympathie? Eine Gemeinsamkeit? Ihr Altersunterschied muss 40 Jahre betragen. Sie sind Fremde, die sich nur zufällig getroffen haben. Die Geschichte zwischen ihnen aber wird immer faszinierender. In keinem Moment des Films habe ich eine idee, wie es enden könnten. Überhaupt: Wo es lang geht. Wird es gut verlaufen oder schlecht? Spielt das überhaupt eine Rolle? Die Geheimnisse des täglichen Lebens sind schliesslich tiefer als sie eine kommerzielle Filmhandlung wiedergeben könnte. Valentine ist nur oberflächlich mit ihrem Freund zusammen. Sie geht zurück zum Haus des Richters. Mit ihm führt sie tiefere Gespräche. Es gibt melodramatische Elemente in Rouge, doch spielt Kieslowski sie nie aus. Was würden Valentine und Auguste wohl für ein Paar ergeben? Beide sehnen sich nach Liebe, die für sie unerfüllt bleibt. Was wäre wenn... Was wäre, wenn der Richter und Valentine dasselbe Alter hätten? Wenn sie in einem anderen Jahrhundert lebten? Wenn der Richter eine Katze hätte. Rouge ist einer dieser Filme, die man sieht und sich dabei ungeheuer lebendig fühlt. Es ist einer der Filme, die man sieht und anschliessend noch lange darüber nachdenkt.

youtube link: George Lucas - THX 1138

  youtube link: George Lucas - THX 1138. Die sagenhafte Geschichte der Zoetrope Studios beginnt während der späten 60er in San Francisco. Francis Ford Coppola, ein damals junges Regie-Talent, hatte gerade erfolgreich einen Mainstrem Film für Warner produziert. Er protegierte eine Reihe junger Filmemacher und das, was er zu bieten hatte, passte genau in diese Zeit der Jugend-, Biker oder Trip-Filme. Nur kurze Zeit später aber verblassten die Hoffnungen dieses Aufbruchs und man verlegte sich wieder aufs klassische Filmemachen. Vieles, was in den American Zoetrope Studios geplant war, wurde nie realisiert. Das San Francisco Experiment war vorbei. THX 1138 von George Lucas ist eine Science Fiction Parabel, angelegt im 25. Jahrhundert. Ein klassischer Stoff, visuell meisterhaft! Die Stärke von Lucas' Debütfilm, ist nicht die Geschichte. Es sind die Bilder! Die Story: Standart. Fünf Jahrhunderte in der Zukunft leben die Menschen in unterirdischen Städten und werden von Computern gesteuert. Roboter stellen Polizeieinheiten dar. Den Bürgern werden Drogen verabreicht, sonst würden sie's kaum aushalten. THX 1138 (Robert Duvall) und seine Freundin LUH 3417 (Maggie McOmie) aber, setzen ihre Dosis herab und merken, dass sie sexuelle Lust verspüren. Es folgt ein Kampf gegen das System der Maschinen. Neu davon ist nichts und der Widerstreit der Liebe gegen den Staat finden wir so auch bei Orwell sowie zahlreichen weiteren SciFi Autoren. George Lucas aber, scheint sich um seinen Stoff sowieso nicht alllzu sehr zu kümmern. Es geht ihm um die Bilder! THX 1138 resultiert aus dem preisgekrönten Abschlussfilm von Lucas für die Filmakademie. Seine besondere Begabung: Mit wenig Budget grossartige Special Effects zu kreieren! Die Apartments und langen Korridore in THX 1138; fast wirken sie wie aus Porzellan in ihrer Gleichförmigkeit. Wie die Menschen sprechen und was sie sagen, das ist zweitrangig. Unter Drogeneinfluss weggetreten, meint man, dass die Dialoge von fern kommen. Die Worte verlieren sich in der Stille. Einzig die Ansagen der Computer ertönen fest, ja selbstgewiss. Das Universum ist weiss. Die Endlosigkeit vollkommen gleichförmig. Das gipfelt in einem Gefängnis ohne Mauern - denn wie kann man ausbrechen aus dem Nichts? Sicher, irgendwo krankt THX 1138 an der simplen Geschichte. Die Pracht von Lucas Debüt aber kann sich mit den ganz grossen Meisterwerken des Science Fiction Films messen.

youtube link: Le collier perdu de la colombe (engl. subt.)

youtube link: Le collier perdu de la colombe (engl. subt.) Nacer Khemir aus Tunesien ist ein Erzähler. Man könnte ihn sich auch gut abends am Lagerfeuer vorstellen, wie er seine Geschichten vorträgt. 1001 Nacht, verbunden mit traumhaften Bildern aus der andalusisch arabischen Hochkultur. Das mittelalterliche buch des Halsbandes der Taube handelt von der Liebe und den Liebenden. Liebe ist aber nicht gleich Liebe, allein 60 Begriffe kennt die arabische Sprache dafür. Es ist die Geschichte Hassans (Navin Chowdhry), der bei seinem Meister die Kunst der Kalligraphie erlernt. Auf einer versengten Buchseite trägt Hassan das Bild der magischen Prinzessin Samarkand mit sich. Hassan befindet sich im Bann der Schönen! Vor uns öffnet sich eine Welt, in der Dschinns (Geister) und Visionen real noch sind. In dieser Welt leben die verschiedenen Religionen und Kulturen noch friedlich nebeneinander. Khemirs Filme folgen den Spuren dieses Lebens und der Phantasie. Losgelöst von Raum und Zeit wirkt Le collier perdu de la colombe wie das Werk eines Magiers! (Du findest den Film mit englischen Untertiteln auf youtube)

FILM LIST: Subversiv & Popcorn

Subversiv & Popcorn

Jippie!!! Wer liebt nicht Starship Troopers und Team America? Hier kommen mehr Komödien, die beides sind: Subversiv und Popcorn! Amerika im Prä-Trump Zeitalter. (Wir stelen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 20.11.16)

youtube link: Robert Altman - Nashville

 youtube link: Robert Altman - Nashville. Was macht Robert Altmans Nashville zu einem grossen, ja einzigartigen Film? Und wovon handelt Nashville eigentlich? Ist es die Tatsache, dass diese Frage nicht beantwortet werden kann, der Grund, der Nashville so gut macht? Robert Altman selbst schrieb anlässlich der DVD Veröffentlichung, dass es sich um ein Musical handelt. Stimmt! Aber auch ein Doku-Drama über die Musikszene von Nashville und eine Polit-Parabel. Wir erleben die Grand Ole Opry am Tag von Nixons Rücktritt. Altman verwinkelt gekonnt seine Geschichten von Liebe & Sex und gebrochenen Herzen. Nashville ist eben auch ein filmisches Gedicht an alle, die verletzt wurden, die traurig sind! Die tollsten Figuren: Lily Tomlin als Hausfrau, die ihre tauben Söhne liebt. Der einsame Soldat. Der alte Mann, der um seine gerade verstorbene Frau trauert. Und natürlich der schmierige Country Sänger (Henry Gibson)! Nashville zeigt die Stadt über einen Zeitraum von fünf Tagen, während der Vorwahlen zum US Präsidenten. Wir erleben den Kandidaten Hal Phillip Walker, der von dem ABC Nachrichtenmann Howard K. Smith unterstützt wird. Am schönsten der Schlagabtausch von Smith mit ein paar Studenten: "Does Christmas smell like oranges to you?" Michael Murphy verkörpert John Triplette, der eine Wahl-Ralley organisiert. Ned Beatty gibt einen lokalen Richter, der dabei hilft. Triplette will die Country Legende Barbara Jean (Ronee Blakley) dazu bewegen, auf der Ralley zu singen (doch ihr Mann hat etwas gegen Politik). Eine ganze Reihe von "Drifters" ist unterwegs. Einer von ihnen heisst Tom Frank (Keith Carradine). Er macht die von Tomlin verkörperte Hausfrau an, ruft sie abends zu Hause an. Es schmerzt uns, da wir wissen, wie übel ihre Ehe läuft. Ihr Mann macht nicht einmal den Versuch, die tauben Söhne zu verstehen. Teilnahmslos lässt er seine Frau übersetzen, obowohl ihm der eigene Sohn mit leuchtenden Augen von seinen ersten Erfolgen beim Schwimmen berichten will. Am Ende treffen alle aufeinander im Country Club und diese typische Altman Atmosphäre entsteht: Irgendwie wirkt Nashville so wie eine Party! 25 Sprechrollen bietet er uns an und alle bekommen ihre Szenen voller Tiefe und Anteilnahme. So viele Hauptrollen Altman vorführt, so viele Themen gibts! Subtil, welche Bedeutung die Country Musik für die Einzelnen hat. Im DVD Kommentar erfährt man, dass die meisten Songs tatsächlich von denen komponiert wurden, die sie vortragen. Die Songs bilden aber nur die Oberfläche. Darunter verbergergen sich Politik und Romantik. Alle Charaktere sind miteinander verbunden, oft durch unerwartete Wendungen. Die einzelnen Geschichten aber folgen keinem konventionellen Plot. Aber verläuft das Leben wirklich linear? Oder doch genauso chaotisch wie in einem Robert Altman Film?

youtube link: Nick Cave - 20,000 Days From Earth

youtube lin: Nick Cave - 20,000 Days From Home. In der Annahme, eine konventionelle Doku über den wohl beliebtesten lebenden Popmusiker der Welt, Nick Cave, wäre unbefriedigend, brachten die Macher von 20,000 Days on Earth ihre Hauptperson dazu, ihn einen fiktionalen Tag seines Lebens lang zu begleiten. Da die Co-Regisseure Iain Forsyth und Jane Pollard bereits Musikvideos für Cave & The Bad Seeds produziert hatten, wussten sie, dass man den Künstler nicht unterschätzen darf. In seiner Musik feiert und dekonstruiert er mit Freude seine öffentliche Person: Als Brutalo, als Feigling, als Agnostiker und sogar als Möchtegern-Gott. 20,000 Days on Earth ist keine Biographie, dafür Work-In-Progress. Forsyth und Pollard hatten genug Aufgaben bereit für Cave und schlau bringen sie ihn dazu, zu schauspielern. In der besten Szene des Films nimmt Nick Cave den Gesang für seinen Higgs-Boson Blues auf (den für mich aufregendsten Song von Push the Sky Away, dem letzten Album der Bad Seeds). In Echtzeit sehen wir Cave schmachten in extremer Grossaufnahme. Und er spielt diesen Song nur für Forsyth und Pollard, noch bevor ihn ein Publikum zu hören bekommt! Ist das nicht eindrucksvoll? Noch wichtiger: Er spielt ohne seine Bad Seeds. Cave ist kein junger Mann mehr. Er wird wissen, dass er nicht ewig die Kontrolle über seine Arbeit behalten wird und wie man sie wahrnimmt. Wie wir ihn hier agieren sehen, das ist wirklich inspirierend!

youtube link: Mike Nichols - The Graduate

youtube link: Mike Nichols - The Graduate. The Graduate bleibt eine der witzigsten Komödien überhaupt. Gar nicht wegen bestimmter Dialoge oder Situationen. Mike Nichols Film nimmt eine bestimmte Sicht ein. Er ist gegen etwas! Ich denke, 1967 konnte er die Vorbilder für diese Art von Komik nur in England finden, auf keinen Fall in Hollywood. The Graduate, wie alle grossen Komödien, ist subversiv! Wer sich mal andere Filme der Zeit ansieht, der merkt, dass viele der Hollywood Produktionen im Grunde nicht filmisch wirken. Sie könnten genauso gut aus dem Theater stammen. Hier aber sind wir - die Zuschauer - das Ziel der Komik. Sie findet nicht nur im Film statt. Es ist der Film selbst! Etwas Lustiges geschieht, aber die Darsteller reagieren nicht. Stattdessen tuts der ganze Film. Mike Nichols hat das begriffen und deshalb eine DER Initialzündungen eines neuen amerikanischen Kinos geliefert. Im Grunde wirkt The Graduate sogar nach bis in die Indie Produktionen von heute. Dustin Hofmann spielt den College Abgänger Benjamin, der zurückkehrt in eine grausame Vorstadtgegend (auch das eines der zentralen Indie Motive!). Am liebsten würde er nichts tun, ein paar Monate am Pool hängen und nachdenken. Nachdenken über die Zukunft! Seine Eltern und deren Freunde aber drängen ihn hinein in die Rolle des erfolgreichen Absolventen. Sein Vater kleidet ihn sogar dementsprechend ein und so fühlt er sich - allein gelassen. Dann lernt er die Frau eines Geschäftsfreundes seines Vaters kennen. Mrs. Robinson (Anne Bancroft) und später ihre Tochter (Katharine Ross). Wir kennen die Geschichte. Benjamin schläft mit Mrs. Robinson, verliebt sich in die Tochter, die er schliesslich vom Traualtar entführt. Eine unerhörte Geschichte? Insbesondere für die 60er! Nichols aber hat die Gabe, dass alles ganz unkompliziert vorzuführen. Hofmann wiederum spielt seinen Benjamin so ungeschickt, so plump, dass wir uns sehr wohl vorstellen können, in seiner Situation genauso zu handeln. Anne Bancrofts Rolle ist schwierig: Sexy, zänkisch, von sich selbst besessen. Wer weiss, womöglich ist ihre Position als Mutter gar nicht so abwegig? Doch sie machts uns leicht, gegen sie zu sein. Die Tragik ihrer Figur, sie ist mir erst nach dem Abspann wirklich aufgegangen. Katherine Ross ist hübsch und spielt sehr natürlich. Komisch, dass man sie nach den 60ern gar nicht mehr sah! Mike Nichols hat seine Komödie jederzeit im Griff. Er gönnt uns keine Pause. Alles bleibt unserem eigenen Urteil überlassen. Niemals entschuldigt er sich; macht keinerlei Abstriche. Simon & Garfunkel spielen ihr The Sound Of Silence und im Finale eine grossartige Version von Mrs. Robinson (während Hofmann im Alpha Romeo dem Happy Ending entgegenjagt). Am Ende lachen wir nicht nur ziemlich laut, sondern dürfen genauso in uns selbst hinein horchen.

FILM LIST: Singer/Songwriter Movies

Singer/Songwriter Movies

Die Charaktere in Robert Altmans Spätwestern McCabe & Mrs. Miller, sie müssen nicht eingeführt werden. Sie sind bereits da. Die Dialoge, das wird uns schnell bewusst - allerhöchstens nebensächlich. Es ist Leonard Cohens Musik, welche die Atmosphäre prägt. McCabe & Mrs. Miller, eine Elegie für die Toten. Nachdem ich McCabe & Mrs. Miller wiedersah, überlegte ich, welche Filme noch so stark von Songs geprägt werden. Wohlbemerkt: Wir haben es hier mit einer ganz neuen Entwicklung zu tun! Zumindest während den 60ern, denn nie zuvor hörte man fortlaufend Songs statt eines Scores in Filmen. (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 16.11.16)

youtube link: Songs From The Life Of Leonard Cohen

Leonard Cohen, geboren 1934 in Quebec, begann als Dichter und hatte bereits Karriere gemacht. 1956 erschien sein Gedichtband Let Us Compare Mythologies, in den 60ern sein wundervolles Beautiful Losers. Erst als er Ü-30 war, legte er 1967 seine erste Platte Songs Of Leonard Cohen vor. Und das in den 60ern! Ein radikale persönliches Album und die Single Suzanne war eines von Cohens Gedichten, dass er nun mit Musik unterlegte. Wer liebt nicht Bird On A Wire vom 69er Songs From A Room? Oder Everybody Knows vom 88er I'm Your Man? Und natürlich Halleluja! Überraschenderweise prägte Cohen filmisch vor allem einen Western! Robert Altmans Kapitalismus Parabel "McCabe & Mrs. Miller", der durchgängig mit Cohens Songs unterlegt ist. Eine Elegie über die Toten und für mich der traurigste Film überhaupt! Nicht die Dialoge bleiben in Erinnerung, sondern Cohens Musik. Altman baute die Songs von Songs Of Leonard Cohen ein, insbesondere Sisters Of Mercy - und bescherte dem Barden zum ersten Mal ein grosses Publikum. Wer jetzt nochmal die Cohen Alben durchhört, dem wirds so ergehen wie mir: Du fängst an - unmöglich zu stoppen! Du hörst die Songs, immer und immer wieder. Das ist, was bleibt. (Wir stellen nicht den Film, nur den link zur Verfügung) (Bild: http://cohencentric.com/wp-content/uploads/2014/03/songsfromlife.jpg)

youtube link: Roger Vadim - Barbarella

youtube link: Roger Vadim - Barbarella. "Oh! It’s … it’s sort of nice, isn’t it?"; jauchzt Barbarella als sie in der ruchlosen Maschine des teuflischen Erfinders Durand-Durand (Milo O’Shea) steckt. Ihre Kleider werden ausgespuckt und Barbarella beginnt zu stöhnen und seufzen. Die Szene fasst den ganzen Film zusammen. Hier gehts um Sex, Plüsch und blaue Hasen ... und einen Strip in der Schwerelosigkeit! Was aber macht Barberella so besonders? Sex? Doch den gibts überall im Weltall. Es ist vielmehr die Tatsache, dass Barbarella einfach sehr, sehr nett ist! Sie kommt aus der freundlichen Zukunft, die nun bedroht wird. Es muss etwas getan werden! Jane Fonda als Weltraum-Agentin, die mit einem schwerelosen Strip als Star eingeführt wird. Sanft zieht sie die Handschuhe von den Fingern, während sie durch ihr flauschiges Raumschiff gleitet. Da klingelt das Telefon und es meldet sich der Präsident der Erde mit einer Mission für Barbarella. Am anderen Ende des Universums hat der despotische Durand Durand eine Massenvernichtungs-Waffe entwickelt. Ein weiter Weg dorthin voller Gefahren wie einer lesbischen Tyrannin, blinden Engeln und einer Exzess-Maschine. Barbarellas Raumschiff, das fliegende Bordell, mag zwar billig hergestellt sein, aber dafür mit grenzenloser Phantasie! Die Dialoge scheinen einfach aus Jean-Claude Forests Comic-Vorlage abgepaust. Wie kein zweiter Film aber überzieht Barbarella alle Phänomene seiner Zeit! Regie geführt hat Roger Vadim, den man zehn Jahre zuvor als Nouvelle Vague Hoffnung sah, der sich aber doch nur für Erotik interessierte und deshalb die Fraktion der Filmkritik nur enttäuschen konnte! Um die Weltraum Sex Odyssee Barbarellas umzusetzen, dafür war Vadim der Richtige! In der Hauptrolle sehen wir die damalige Ehefrau des Regisseurs (der bevorzugt mit Gattinnen arbeitete): Jane Fonda. Fonda alias Barbarella kennt Orgasmen zunächst nur dank der "Verzückungsübertragungspille" und lernt körperlichen Sex erst im Verlauf der Handlung kennen. Ein behaarter Jäger rettet Barbarella vor gefrässigen Puppen und weiht sie anschliessend in die Praktiken der Liebe ein. Um Sex dreht sich letztlich alles: In der Stadt Sogo (wohl als Anspielung auf Sodom und Gomorrha) rauchen Mädchen in Lack und Leder Wasserpfeiffe mit der Geschmacksrichtung "The Essence Of Man" und es ist der Revoluzzer Dildano, der Barbarella schliesslich ein wichtiges Password verrät. Roger Vadim stattet diese Episoden aus wie einen psychodelischen Trip und entspricht damit den grellen Comics. Barbarella floppte, ihr Space-Look aber beeinflusste die Modewelt unmittelbar. Paco Rabanne, verantwortlich für Catsuits und Korsagen aus Fell, machte anschliessend Karriere, während Barbarella zu einer Ikone aufstieg. Und Jane Fonda? Während der 60er versuchte sie vergeblich, aus dem Schatten ihres Vaters zu treten, heiratete schliesslich Vadim und produzierte mit ihm Barbarella. Der Film machte sie berühmt, aber nicht stolz, die Scheidung folgte. Es folgte ihre Zeit der Identitäts-Suche, die bis in die 80er andauern sollte. Bis heute aber begleitet sie ihre Rolle als Barbarella, eine Jugendsünde und doch die Jane Fonda, die wir am liebsten haben! Barbarella, das ist nicht Peace & Love, sondern Sex & Lust! Und Ecstasy.

youtube link: Robert Altman - McCabe & Mrs. Miller (Songs Leonard Cohen)

 youtube link: Robert Altman - McCabe & Mrs. Miller (Songs Leonard Cohen). Zum Tod von Leonard Cohen fiel mir Robert Altmans Meisterwerk wieder ein mit den Songs des von Leonard Cohen. Nicht viele Regisseure dürfen von sich behaupten, den perfekten Film gemacht zu haben. Es ist ein grosses Thema unter den Nerds in der Filmkunstbar Fitzcarraldo, wer ÜBERHAUPT einen solchen in seiner Filmografie hält. Altman hat mehrere, viele grossartige Filme gemacht und einen perfekten: McCabe & Mrs. Miller aus dem Jahr 1971. Es ist der traurigste Film, den ich je sah! Ein langer klagender Schrei nach Liebe und einem Zuhause - doch nichts davon ist erreichbar für McCabe oder Mrs. Miller. Nicht hier, in der Kleinstadt Presbyterian Church, über der immer ein grauer Himmel hängt, wo es stets regnet oder schneit. Dieser Film ist ein Gedicht! Eine Elegie für die Toten. Wie nur wenige Filme beweist McCabe & Mrs. Miller einen ausgeprägten Sinn für den Ort, an dem er spielt. Hier sind die Tage kurz und der Regen funkelt im Schein einer Gaslampe. Keiner der Charaktere muss eingeführt werden. Alle sind längst schon dort - vermutlich seit jeher - in Presbyterian Church. Sie alle kennen sich schon ewig. Ein Mann naht im Regen, reitet zum Saloon, sucht die Hintertür, bevor er sich niederlässt. Es ist der Spieler McCabe (Warren Beatty). Einige vermuten, er hätte bereits einen Mann erschossen. Wir sind mittendrin im klassischen Altman Stil. Alle Figuren kennen sich und die Kamera wird keine Zeit verlieren, von einem zum nächsten zu gleiten. Die Figuren sprechen kaum miteinander, anders als in einem Theaterstück. McCabe And Mrs. Miller ist ganz Kino! Im Grunde ists auch nicht wichtig, was geredet wird. Die Protagonisten sprechen wann und was sie wollen und schnell wird uns klar: Das hier ist kein Film der grossen Worte. Immer wieder werden Songs von Leonard Cohen eingestreut. Vermutlich sagen die uns mehr als alle Dialoge. Presbyterian Church ist voller Männer. Ein Hort der Männer. Die Stadt befindet sich im Aufbau, gleicht einer Baustelle. Die Männer zocken, saufen und kaufen Frauen. Sie bezahlen für ihr Vergnügen. McCabe hat Geld und kauft gleich drei Frauen. Weniger aber zum Vergnügen, viel mehr als Investition. Schön sind sie nicht, die eine fett, die andere zahnlos. Er plant, ein Bordell aufzubauen. Mrs. Miller (Julie Christie) kommt in die Stadt. Ursprünglich stammt sie aus London. Mrs. Miller hat keinerlei Illusionen, nicht einmal ihre eigene Schönheit interessiert sie noch. Sie erklärt McCabe, er wüsste nichts über Frauen, ihre Ängste oder Probleme. Er könnte nicht für sie sorgen. Mrs. Miller verspricht, ein paar hochwertige Frauen aus San Francisco zu holen und bietet sich als Partnerin an. McCabe muss einwilligen. Die Szenen, in denen sie sich annähern, sehen und hören wir nur halb. Sie schlafen miteinander. Nicht einmal die Sex-Szene wird eingeführt. Wie jeden anderen auch, kassiert sie ihn ab. McCabe verbringt ziemlich viel Zeit mit Selbstgesprächen und sich selbst gesteht er dass ein, was für Mrs. Miller bestimmt ist: "If just one time you could be sweet without money to it." Ist McCabe ein poetischer Charakter? Um Geld gehts immer. Einmal stirbt ein Mann und bereits in der folgenden Nacht wird seine Witwe (Shelley Duvall) als Nutte gehandelt. Das, was sie zuvor mit ihrem Mann tat, könnte sie nun zu Geld machen, erklärt Mrs. Miller die Situation. Schliesslich schickt eine Company Abgesandte zu McCabe, seinen Besitz zu kaufen. Er nennt einen zu hohen Preis. Mrs. Miller versucht zu verhandeln, doch zu spät. Man wird McCabe töten lassen... Das meiste geschieht in Innenräumen im trüben Licht der Gaslampen. Dazu vernehmen wir Leonard Cohens klagende Stimme. Immer ist es dunkel, feucht, kalt. Szenen wie die, da ein Pärchen tanzt im Wohnzimmer des Bordells, prägen die Atmosphäre. Am traurigsten der Tod eines verrückten Kids (Keith Carradine): Der Junge trifft auf einen Revolverhelden, mitten auf einer Brücke. Er weiss, dass er erschossen werden wird, versucht zu beschwichtigen, ja zu argmunentieren. Umsonst. Im Grunde fasst diese Szene den gesamten Film zusammen. Das Leben ist billig und die meisten schlicht unfähig, nicht getötet zu werden. Unaufhörlich der Schnee. Ausser der Cohen Songs hören wir keinen Score. Die Umweltgeräusche, der Schnee, ersetzen den Soundtrack. Wir wissen, dass auch McCabe und Mrs. Miller ihrem Schicksal erlegen sein werden. Überhaupt; man beachte den Titel: McCabe & Mrs. Miller. Das verheisst keinerlei persönliche Beziehung, klingt wie ein Firmenname. Ein geschäftliches Arrangement. Alles, was Mrs. Miller tut, ist geschäftlich. Was mag sie hinter sich haben? Sicher nur; sie liess alles zurück. Der arme McCabe. Er mag ein Poet sein, doch das ist einerlei in Presbyterian Church. Mrs. Miller wird wohl die Einzige in der Stadt sein, die überhaupt weiss, was Poesie bedeutet. Doch sie liess auch das zurück; bestimmt vor langer Zeit schon.

FILM LIST: Leonard Cohen (incl. youtube links)

Leonard Cohen

1934-2016

Natürlich liebe ich David Bowie und Prince - obschon, beide wirkten ihr Leben lang entrückt. Stars, die ausserhalb unserer Sphäre existieren. Wenn ich abends in der Filmkunstbar Fitzcarraldo nun Leonard Cohen laufen lassen, stelle ich mir immer vor, wie er da an der Bar sitzen könnte. Vorstellbar wärs! Ich würde ihm einen Drink ausgeben und ihm sagen, wie viel mir "Suzanne" oder "Halleluja" bedeuten. Er würde bestimmt einen Whiskey verlangen und vielleicht sogar ein kurzes Gespräch mit mir führen. Das Gefühl hat er uns immer vermittelt. Seine Musik hat unser Leben doch viel angenehmer gemacht! Was ist schon ein erfülltes Leben? Die Bücher, die wir ein Leben lang gekauft haben. Unsere Musik. Für mich vor allem: Filme! Leonard Cohen war kein Sänger, der auch noch eine Schauspiel-Karriere anstrebte. Er trat in einer Miami Vice Folge im Jahr '86 auf. Aber sonst? Manche Filme leben doch von seiner Musik. Robert Altmans McCabe And Mrs. Miller oder Fassbinders Warnung vor einer heiligen Nutte. Und Fassbinders Faustrecht der Freiheit! Fassbinder liebte vor allem Suzanne, den man in beiden Filmen hört. Oder Robert Altmans A Wedding mit Cohens Bird On A Wire! Cohens Songs tauchen aber auch in Filmen auf, da man ihn nicht vermutet. So wie in Dominik Grafs Actionfilm Die Katze (1988) mit dem tollen First We Take Manhattan... than we take Berlin. Kennt ihr noch die Version von Jennifer Warnes? Am meisten verbinde ich mit Cohens Musik aber die Filme von Fasbinder. In Angst vor der Angst hören wir Lover Lover Lover und in Wie ein Vogel auf dem Draht wiederum Bird On A Wire. Wie kein Zweiter blieb er dem Zeitalter der Hippies verbunden! Und stellen wir uns das nicht alle als die schönste Zeit vor? Leonard Cohen war ein Poet für alle. In seinen Songs kämpfte er für die Liebe und den Frieden. So oft öffnete er sein Herz mit diesen Songs! Natürlich verlor er in seinem Ringen immer wieder. Doch selbst in seinen dunkelsten Momenten, konnten wir einfach nicht glauben, dass Cohen diesen Kampf verloren geben würde. Dafür war seine Musik auch viel zu schön! (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDE: 14.11.16)

youtube link: Lars And The Real Girl

 youtube link: Lars And The Real Girl. Wie würde ich einen Film drehen über die Liebesgeschichte eines jungen Mannes und einer lebensgrossen Sex-Puppe, die er im Internet bestellt hat? Lars and the real Girl macht sich nie lustig über den Charakter, den Ryan Gosling spielt. Alle Figuren um ihn herum begegnen ihm menschlich und respektvoll. Das macht diese Komödie so schön! Lars Lindstrom (Ryan Gosling) kann die Berührung durch andere Menschen nicht aushalten. Ansonsten funktioniert er im Leben und hat einen Job. Nach dem Tod beider Eltern lebt nun sein Bruder Gus mit seiner schwangeren Frau Karin im Haus, während Lars im Schuppen dahinter wohnt. Einladungen zum Abendessen beider schlägt er mit immer neuen Ideen aus. Eines Tages erfährt Lars im Büro, dass man im Internet lebensgrosse Sexpuppen kaufen kann. Kurz darauf wird genauso eine Puppe bei ihm geliefert und er stellt sie dem Bruder Gus als neue Freundin vor. Wir erfahren von Lars, dass Bianca (so der Name der Puppe) halb Brasilianerin ist. Genauso begründet Lars, weshalb Bianca nicht spricht oder isst. Wohlbemerkt, Lars benutzt Bianca nicht, um Sex zu haben. Sie ist die ideale Gefährtin für ihn, weil sie ihn nicht berührt. Bianca ist für Lars der Schlüssel zum öffentlichen Leben, was so weit geht, dass er sie mit zur Kirche nimmt. Guy ist skeptisch, ob der neuen "Begleitung" seines Bruders, Karin akzeptiert Bianca, weil sie den Fortschritt sieht, den Lars mit der Puppe durchlebt. Das Geheimnis von Craig Gillespies Komödie ist die Tatsache, dass das gesamte Umfeld von Lars, Bianca eben als Lars Freundin annimmt. Zumindest Lars gegenüber, den sie mit demselben Respekt begegnen. Lars wurde lang genug als bedauernswerter Fall hingenommen, dadurch bemüht man sich nun, seinen Durchbruch zu unterstützen. Der Film wirkt nie höhnisch oder gar schmutzig. Einzig Gus verhält sich manchmal so, wie es eben auch geschehen könnte in der echten Welt. Er ist der einzige, der sich darum sorgt, was die Anderen wohl denken könnten. Alle anderen Figuren agieren taktvoll und diskret. Jeder behandelt Bianca so gut wie Lars es tut. So wie das sein sollte.

youtube link: Fernando E. Solanas - El viaje

Martin ist 17 Jahre alt, einer dieser Teenager, der sich verloren fühlt. Eigentlich fehlt es ihm an nichts zu Hause - nur sein Vater, der fehlt ihm, seitdem er die Familie verliess. Martin macht sich auf, nimmt sein Fahrrad und fährt hinaus. Vom südlichsten Zipfel Argentiniens, dort, wo er wohnt, durchquert er den südamerikanischen Kontinent. Buenos Aires steht unter Wasser (wer erinnert sich noch an die katastrophale Flut?) - doch der Staatschef springt mediengerecht grinsend mit Schwimmflossen ins Wasser. Martin entdeckt die Mythen des Kontinents; die Geschichte der Azteken und der Indios, aber auch die schlimmen Zustände der Gegenwart. Auf der Suche nach dem Vater durchforstet er den Kontinent, trifft auf ein schönes Mädchen in rot am Strassenrand. Es ist einer dieser wahren Kinomomente als Martin sie hinten drauf nimmt... Fernando E. Solanas, der Altmeister des argentinischen Kinos, hat einen Film gemacht, der auch von einem 25jährigen stammen könnte. Er versteht Martin, in seiner Enge, mit seinen Sehnsüchten! El Viaje verbindet surrealistische Sequenzen mit politischen. Manchmal fühlt man sich wie in einem Traum, dann wird man mit den ökologischen und sozialen Problemen der Gegenwart konfrontiert. Ein poetisches Werk und bestimmt der umfassendste Film zum südamerikanischen Kontinent überhaupt! Solanas findet, es gibt kein schöneres und rebellischeres Alter als das mit siebzehn. Wir glauben ihm!

youtube link: Kenji Mizoguchi - Ugetsu

Kenji Mizoguchi - Ugetsu. Zwei Brüder, der eine gierig, der andere von Neid zerfressen. Während einer Zeit, da das Land von vagabundierenden Soldaten verwüstet wurde, riskieren sie das Wohl ihrer Familien, riskieren ihr Leben, indem sie ihre Interessen verfolgen. Kenji Mizoguchi erzählt ihre Geschichte in diesem grossen Film - der zu den besten aller Zeiten zählt! Obwohl seine Helden roh und ungehobelt sind, ist Ugetsu doch ein Werk voller Eleganz und Mysterien. Noch bevor es deutlich wird, spüren wir: Ugetsu ist auch eine Geistergeschichte. Ugetsu eröffnet, indem die Landschaft an uns vorüber zieht, ja aufgerollt wird - wie eine japanische Zeichnung oder eine Schriftrolle. Wir sehen ein Dorf. Auf den Dächern der Häuser liegen schwere Äste, damit der Wind die Dächer nicht hinfortträgt. Wir lernen Genjuro (Masayuki Mori), einen Töpfer und Tobei (Eitaro Ozawa), einen Bauern, kennen. Schüsse von fern, die Armee naht. Genjuros Frau bettelt, er möge nicht in die Stadt reiten. Nicht in diesen Zeiten! Sie bittet ihn, sie und den Sohn zu beschützen. Doch mit der Erregung eines Dummkopfs besteht Genjuro auf die Fahrt. Tobei, genauso verrückt, beharrt darauf, ihn zu begleiten. Genjuro kehrt mit Goldmünzen zurück. Er hat eine Fabrik in der Stadt erbeutet. Seine Frau wiederum, versucht ihm deutlich zu machen, dass neue Kleider niemals ihre Liebe für ihn aufwiegen könnten. Genjuro aber hat nur eines im Sinn: Geld, Geld und noch mehr Geld. Fast rasend macht er sich zurück an die Arbeit. Tobei trifft auf einen grossen Samurai. Er würde gern mitreiten, wird aber als dummer Bauer ohne Rüstung hinfortgejagt. Bald schon beschliessen die beiden Männer, erneut in die Stadt zu fahren - aus Angst um ihren Besitz. Diesmal wollen sie den See in einem Boot überqueren, da ihnen das sicherer erscheint. Die Szene am See, es ist die wundervollste im ganzen Film! Vor uns eine Welt voller Dunst und Nebel. Der einsame Bootsmann spricht eine Warnung vor Piraten aus. Genjuro lässt Frau und Kind an der Küste zurück, Tobei begleitet ihn. In der Stadt zahlt sich Genjuros Arbeit schnell aus und so wird er eingeladen auf das Schloss der schönen Lady Wakasa. Sie wird verkörpert von Machiko Kyo, einem der grössten japanischen Stars überhaupt! Währenddessen lässt auch Tobei seine Familie allein. Dumm und ungeschickt wie er ist, tötet er einen Samurai und klaut einen Schädel. Dank dieser Trophäe wird er vom obersten Samurai mit einer Gefolgschaft geehrt. Der Weg der Truppe führt ins Haus der Geishas, wo Tobei feststellt, dass seine Frau von Soldaten vergewaltigt und verschleppt wurde. Sie arbeitet nun als Geisha. Genjuro währenddessen ist gebannt von Lady Wakasas Erscheinung. Ihrer Schönheit, die, wie er meint, ihresgleichen auf der Welt sucht! Lady Wakasa preist den Simpel und womöglich hätte er sich gewarnt fühlen müssen, da er die Stimme ihres toten Vaters hört. Man flüstert ihm ein, sein Dorf zu verlassen und die Schöne zu heiraten... Mizoguchi vertrat die Theorie, dass eine Szene in einem Shot gefilmt werden sollte. Wir kennen diese Ansicht aus grossen japanischen Filmen der Zeit mit dem Unterschied, dass Mizoguchis Kamera niemals verharrt. Sie scheint zu schweben, bewegt sich durch den Raum, was genauso betörend wie poetisch wirkt. Morbide die Szenen in Lady Wakasas Schloss, da ein Priester Genjuros Gesicht erblickt. Erschrocken stammelt er, man würde den Tod darin sehen! Etwas ist da auf seiner Haut! Es sind Symbole eines Exorzismus! Natürlich ist Lady Wakasa ein Geist, was wir zu keinem Zeitpunkt bezweifelten. Endlich erkennen wir auch, dass ihr Schloss in Wahrheit eine Ruine ist. In Ugetsu gibt es aber noch einen zweiten Geist, der ganz unverhofft erscheint. Gerade in dem Moment, da beide Männer in ihr Dorf zurückkehren und von ihren Frauen Vergebung erhoffen für ihre männliche Blindheit... Die Charaktere in Ugetsu sind bodenständig. Tobei würde ich als Comic Charakter begreifen. Die Geschichte an sich aber wirkt wie aus alten Zeiten des japanischen Geister Theaters übernommen. Anders als westliche Horror Filme versucht Mizoguchi allerdings nie, uns zu erschrecken. Es ist etwas anderes, das ihn antreibt. Etwas ausgesprochen Liebenswürdiges! Am Ende haben wir eine Fabel gesehen, wurden aber genauso Zeuge des ganz gewöhnlichen Lebens.

youtube link: Harmony Corine - Spring Breakers

 youtube link: Harmony Corine - Spring Breakers. Werfen wir nach der Wahl einen Blick auf Trumps Amerika, um es zu verstehen! - Ein zuckerbunter Fiebertraum, so sieht der bis dahin ungewöhnlichste Film des Jahres aus! Jawohl, ich meine Spring Breakers, den Film, in dem vormalige Disney Stars bei jeder Gelegenheit ihre Bikinis aufreissen, saufen, sniffen und Zungenspielchen veranstalten! Eine Woche Ausnahmezustand, danach gehts zurück ins trostlose Leben nach Kentucky. Harmony Korine, der ewige Polarisierer, filmt das durch die benebelte Perspektive eines 21jährigen, der sich im April aufmacht nach Florida. Hier geht nun eine Woche lang alles: Sich öffentlich nackt zeigen, anonyme Schnell-Ficks und sexuelle Demütigung. Wie eine scharfe Waffe verweilt die Kamera auf den Körpern von Vanessa Hudgens, Selena Gomez, Ashley Benson und seiner Frau Rachel Korine. Vier lebenslange Freunde auf Tour! Spring Breakers ist so gemacht, dass du nur die ungläubige Reaktion "Was schaust DU denn da?" erwarten darfst, wenn dich jemand allein mit dem Film erwischt. Und überhaupt: Was machen diese Mädchen da eigentlich, während sie sich dem anonymen Spass hingeben? Schrauben sie die Frauenbewegung um 40 Jahre zurück? Sind sie sogar ganz moderne Frauen, die eben selbst wählen? Hat Harmony Korine jetzt James Franco als Gangster-Rapper, der mit fistelnder Stimme Britney Spears zelebriert und umgeben ist von vier halbnackten Nymphen, zur Avantgarde erhoben? Korines Humor ist boshaft, sein ganzer Film verdorben. Jede Szene ist inszeniert wie der Schuss aus einem Gewehr, manchmal meint man, alles wäre mit einem verwackelten iPhone aufgenommen. Am Ende erleben wir die Vier sogar vor Gericht im Bikini. Wie die Mädchen im normalen Leben so sind, erfahren wir am ehesten von Selena Gomez' Faith, die eine gläubige Christin ist. Vanessa Hudgens Figur macht die grösste Entwicklung durch, da sie auf dem Trip ihr Gewissen verliert. Spring Breakers lässt die hedonistische Hölle über uns hereinbrechen, ist witzig, düster und hochgradig provokativ!

youtube link: Satyajit Ray - Mahanagar (engl. subt.)

 youtube link: Satyajit Ray - Mahanagar (engl. subt.). Mahanagar darf als eines der grössten filmischen Experimente seiner Zeit wärmstens empfohlen werden! Geschuldet ist das dem erzählerischen Talent Satyarjit Rays und der Schönheit seiner Hauptdarstellerin Madhabi Mukherjee, die mit einer Tiefe spielt, dass es mir den Atem verschlägt! Sie verkörpert Arati, eine junge Hausfrau und Mutter. Das Gehalt ihres Mannes reicht nicht zum Leben und so muss sich Arati einen Job suchen. Ihre Eltern reagieren entsetzt; keine Frau sollte arbeiten! Jedoch: die Zeiten haben sich geändert. Zum ersten Mal kommt sie in Berührung mit anderen Menschen und sozialen Schichten. Schliesslich beginnt Arati, sich zu schminken. Voller Humor beschreibt nun Ray, wie der alte Vater seinem Schwiegersohn den "kalten Krieg" erklärt und auch der Ehemann den Respekt vor sich selbst angesichts der neuen Stellung seiner Frau wahren muss. Bemerkenswert, dass Ray sich wirklich sorgt um diese einfache Familie und ihre Probleme. Sicher, sein Film spielt in Indien, scheinbar weit weg von uns. doch ist das wirklich so? Existieren nicht dieselben Probleme hier? Rays Filme sind "ausländisch" und doch wieder nicht! Jeder Charakter könnte genauso gut bei uns um die Ecke leben. Womöglich sind uns dämliche deutsche Komödien mit albernen Starlets viel fremder als dieser Film aus dem Jahre 1963?

FILM LIST: Andrzej Wajda

Andrzej Wajda

6.3.1926 - 9.10.2016

Wie so oft in der Filmkunstbar Fitzcarraldo. Das Werk eines Autoren steht mehr oder weniger unberührt da rum. Erst nach dem Tod des Künstlers wirds angefragt. Andrzej Wajda liess sich zu Lebzeiten wesentlich schlechter verleihen als heute. Sein Werk umfasst das Historisch-Philosophische, das Lyrische, das Dramatische. Sechs Filme, die zu echten Klassikern wurden: Asche und Diamant (1958), der vom polnischen Widerstand gegen Nazi Deutschland handelt. Kann man poetische Wahrheit darstellen? - so die Frage in Der Mann aus Marmor (1976). Und wie siehts aus mit politischer Wahrheit? So das Thema von Der Mann aus Eisen (1981). Berühmt sein Revolutions-Drama Danton (1983), in dem die Protagonisten wie echte Menschen reden und nicht als ob sie verfasste Reden abhielten. Korczak (1990) handelt von der unbedingten Solidarität zu Kindern - bis in den Tod. Schliesslich Das Massaker von Katyn (2007) mit seiner Klage der Ermordung von 20.000 polnischen Offizieren durch die sowjetische Armee. Jahrelange politische Propaganda, Wajda entblösst sie mit seinem Spätwerk. Wajda geht es - wieder und wieder - um historische Erfahrungen. Er überprüft Geschichte vor ihrer Gegenwart. Es sind FILMISCHE Perspektiven, die uns irritieren und neue Sichtweisen ermöglichen. Er begann in der sogenannten "Neuen Polnischen Schule", die beeinflusst war vom Neorealismus. Nicht um Helden ging es, sondern um die Jungs von nebenan. Für sie war der Kampf gegen die deutsche Besatzung einfach ganz normal! Nach seiner Kriegs-Trilogie (Eine Generation, Der Kanal, Asche und Diamant), versuchte er sich in den frühen 60ern an einem Portrait seiner Nachkriegs-Generation. Die unschuldigen Zauberer (1960) aber enttäuschte und Wajda besann sich wieder auf historische Stoffe (Samson (1961) oder Landschaft nach der Schlacht (1970). Toll auch seine Literaturverfilmungen, vor allem Legionäre (1965) und Das gelobte Land (1975). Wajda war ein Offiziers-Sohn und militärische Rituale prägten ihn offensichtlich. Trotzdem studierte er Film und debütierte 1954 mit Eine Generation. 37 Filme hat er gemacht. Was bleibt? Wenn Danton das nächste Opfer der Revolution prophezeit? Die jungen Krieger für Polens Freiheit in Asche und Diamant? Die Geschichte eines Mannes, der keine Gewissheiten kennt, nur Fragen. Immer trug Wajda seine dunkle Brille. Ist es wegen der unglücklichen Liebe zu seinem Land, wie er selbst einmal gesagt hat? (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 8.11.16)

FILM LIST: Philippe Garrel

Philippe Garrel

Nouvelle Vague Retro

Nur sein neuester Film L'ombre Des Femmes (Im Schatten der Frauen) kam bei uns ins Kino. Philippe Garrel ist nahezu unbekannt in Deutschland. In Frankreich dagegen zählt er zu den Grossen - obwohl er auch dort nur ausnahmsweise ein grosses Publikum erreicht. J'Etends La Guitare (1991) und Le Vent De La Nuit (199), beide mit Catherine Deneuve, spielten Geld ein. Beide hat Garrel in Farbe gedreht, normalerweise bevorzugt er Schwarzweiss. Wer die Retro im Arsenal sah, wird vermutlich überhaupt zum ersten Mal in den Genuss eines Garrel Films auf der grossen Leinwand gekommen sein. Alle anderen müssen zu uns kommen und zu Hause glotzen. Garrel hat immer gemischte Gefühle ausgelöst. Es gibt diejenigen, die seine Eigenheiten feiern. Die seinen radikal persönlichen Stil lieben, seine Vorliebe für Grossaufnahmen und einfache Filmformen. Dann gibt es diejenigen, die ihn unter Generalverdacht stellen, dass sich unter der betörenden Oberfläche gar nichts verbirgt. Nur Plattituden. Am liebsten genannt: Liberte La Nuit (1983) oder Une Ete Brulant (2011). Reiner Narzismus, immer wieder Motive der eigenen Biographie zu verbrezeln und sich selbst, erst den Vater Maurice, später den Sohn Louis Garrel dafür einzusetzen? Philippe wurde 1948 geboren als Sohn von Maurice Garrel. Wie Jean Eustache oder Jacques Doillon gehört er zu einer Generation, die ganz dicht auf die Nouvelle Vague folgte. Mit sechszehn drehte er seinen ersten Kurzfilm Les Enfants Desaccordes (1964). Bereits in Droit De Visite (1965) behandelte er unverkennbar sein eigenes Leben. Es geht um einen Landausflug mit seinem Vater Maurice, kurz nachdem der die Familie verliess. In allen seinen Filmen gehts um Trennung, Eifersucht und neue Perspektiven. Sehr eindringlich in L'Enfant Secret (1982) und La Jalousie (2013). Philippe Garrel ist ein Kind des Pariser Mai 1968. Er beteiligte sich und war anschliessend umso enttäuschter. Das Scheitern schlug sich in Le Revelauteur nieder, den er mit Bernadette Lafont inszenierte. Ohne Ton! 1969 lernte er Nico kennen und lebte zehn Jahre mit ihr. Beide nahmen Heroin und hatten kaum genug zum Überleben. Seitdem fungiert Nico als Untote in seinen Filmen. In J'Entends Plus La Guitare wird Nico von Johanna Steege vertreten. Der bekannteste gemeinsame Film mit Nico hiess La Cicatrice Interieure (1972). Nico und Garrel selbst bewegen sich durch halluzinatorische Wüstenlandschaften. Die Garrel Filme der frühen 70er sind psychodelische Trips mit grossen visionären Bildern, ohne Handlung. Les Hautes Solitudes (1974) mit Jean Seberg oder Le Berceau De Cristal mit Nico und Anita Pallenberg. L'Enfant Secret schliesslich markiert einen Einschnitt. Sicher, ein Underground Film, aber doch einer, der sich auch darin versucht, eine Geschichte zu erzählen. Bis heute ist Garrel von den besten Kameraleuten umgeben. Ob Raoul Cotard, William Lubschansky oder Caroline Champetier. In der Disziplin, fortlaufend zu erzählen, darf Les Amants Reguliers (2005) als sein ausgereiftester Film gelten. Und natürlich L'ombre Des Femmes. Garrel blickt zurück. In Les Amants Reguliers auf den Pariser Mai 1968 und auf die Nouvelle Vague allgemein. Da ist Garrels letzte Mission. Er inszeniert Nouvelle Vague Retro Werke. Filme im Geist der Vergangenheit, auch wenn sie immer noch so betörend modern und "underground" wirken! Einer der ganz Grossen. Seit Godard sein Interesse am Publikum verlor wohl auch der Letzte der Nouvelle Vague! (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 7.11.16)

youtube link: Historias Minimas

 youtube link: Historias Minimas. Eigentlich wollte er ja einen Werbefilm drehen und deshalb brach er auf in die Wüste Patagoniens. Aus diesem Vorhaben stammt das Debüt des argentinischen Regisseurs Carlos Sorin. Ein wahrhaft stilles Meisterwerk über die Suche nach dem Glück! Ein Film, der in unseren ersten Jahren der Filmkunstbar Fitzcarraldo (damals noch kurz Filmkunst) ständig verliehen war. Es sollte ein Werbesport für eine Telefongesellschaft werden. Ein abgelegenes Dorf wurde ans Netz angeschlossen. Da bemerkte Sorin, dass sich vor seinen Augen etwas abspielte: Die Menschen fieberten ihrem ersten Anruf entgegen, es wurde gegrillt und gefeiert. Sorin hatte das Glück gefunden! So kam er auf die Idee, zwölf Geschichten mit Laiendarstellern miteinander zu verbinden (um jede Künstlichkeit zu vermeiden). Das Skript passte er immer wieder den Eigenheiten seiner Darsteller an und so entstand der Film im Prozess. Es sind Geschichten von Träumen, gefilmt als Road Movie, wobei besonders die Details ihre Beachtung verdienen: Maria, die einen gewonnenen Multiprozessor gegen ein Schminkset tauscht oder Roberto, der seinem dicken Geschäftspartner Schlankmacher-Pflaster verkaufen will. Oder der 80jährige Antonio Benedictis, der mit den Ohren wackeln kann! Historias Minimas, so kams mir vor, wurde regelrecht als Medizin von den Gästen der Filmkunstbar Fitzcarraldo benutzt. Sollte in dieser regnerischen Jahreszeit wieder wirken!

youtube link: Satyajit Ray - Apur Sansar (engl. subt.)

youtube link: Satyajit Ray - Apur Sansar (engl. subt.). Ich habe die Apu Trilogie gesehen wie in einem Rausch. Es ist so, als ob vor meinen Augen eine ganz andere Welt entstünde. Ein Leben, das mir fremd ist. Während der 50er erschuf Satyajit Ray die drei Apu Filme, gewann alle grossen Festivals und erneuerte das indische Kino. Der indische Film, das war bis dahin Bollywood. Romantische Musicals. Ray war der Erste, der damit brach. Als Ray das Buch von Apu las, der in einem kleinen Dorf geboren wurde, in Kalkutta (damals noch Benares) ausgebildet wurde und auf die Wanderschaft ging, arbeitete er als relativ erfolgloser Künstler ohne nennenswerte Kontakte. In diesem dritten Teil ist Apu verheiratet. Er liebt seine junge Frau und ist glücklich. Doch seine Frau sowie Apus Mutter sterben plötzlich und es beginnt eine Zeit, in der er ziellos irrend trauert. Schliesslich aber nimmt Apu die Verantwortung für seinen Sohn an. Er wird Vater. Eine kurze Zusammenfassung, die kaum die Schönheit, das Geheimnisvolle dieser Filme widergeben kann. Apu folgt nicht den Konventionen des Genres "Biographie". Alle drei Schauspieler, die Apu während seiner Entwicklung darstellen, haben etwas Verträumtes. Er ist kein Zyniker, auch kein analytischer Denker. Apu ist ein naiver Idealist, der sich von vagen Gefühlen leiten lässt ohne einen festen Plan vom Leben. Apu steht für eine Gesellschaft, in der nicht das Ambitionierte, sondern das Philosophische im Vordergrund steht. Apu ist ganz Kind seines Vaters und während der vorangegangenen Episoden, steht der Vater für die Hoffnung, etwas möge geschehen. Etwas, das bedeutet in seinem Fall, eine neue Idee! Die Mutter dagegen sorgt sich um Geld und Nahrung für die Kinder. Einsamkeit und Trauer umgeben sie. Nachdem Vater und Sohn aufbrechen in die grosse Stadt, bleibt sie wartend zurück... Einsame Pfade durch den Wald, ein stiller Strom, die Wolken über dem Monsun. Die Apu Trilogie handelt von der Zeit an sich, von einer Kultur fern der unseren. Die Gefühle, die ausgedrückt werden, wirken exotisch und doch decken sie sich mit unseren eigenen. Hier können wir eine Verbindung zu Apu herstellen. Die Apu Trilogie, sie ist ein Gebet. Ein Geheiss, was Kino sein könnte! (Ihr findet Apur Sansa auf youtube)

youtube link: Jan Svankmajer - Alice

 youtube link: Jan Svankmajer - Alice. Jan Svankmajer, ein militanter Surrealist, so wie er sich selbst mal beschrieben hat. Mit seiner Alice In Wonderland Adaption hat er mehr als jede andere Verfilmung, den Geist von Lewis Carrolls Vorlage getroffen. Alice selbst führt uns ein und erklärt, dass wir nun einen Kinderfilm sehen werden. Wirklich? Allerdings sollen wir die Augen schliessen - ansonsten würden wir nichts sehen. Nach dem Vorspann spielt Alice mit Puppen, die aussehen wie sie selbst. Das weisse Kaninchen erscheint, es ist ein nervöses Kaninchen - und Alice folgt ihm ins Wunderland. In dieser Welt verbindet Svankmajer das Aussergewöhnliche mit dem Morbiden. Er kombiniert Stop-Motion mit echten Darstellern. Ein Puppenfilm? Im Grunde bewegt Svankmajer vor allem Objekte wie das ausgestopfte weisse Kaninchen. Wie im Roman werden leblose Objekte bewegt. Dialoge gibt es kaum. Manchmal hören wir Alices Gedanken. Svankmajers Film, das ist Surrealismus gepaart mit satirischen Seitenhieben. Carrols Roman zeigt das tägliche Leben in England während des 19. Jahrhunderts. Immer wieder surrealistisch gebrochen. Alles, was paradox und absurd erscheint, kann rückübersetzt werden. Ein essentiell britisches Buch. Svankmajers Film dagegen spielt zu keiner bestimmten Zeit und an keinem definierten Ort. Die arglose Alice durchstreift die Welt der Erwachsenen, die wir wiederum durch ihre Perspektive wahrnehmen. Ihr Wunderland ist aber keinesfalls eine obszön überhöhte Darstellung von England. Es ist eine verwahrloste und verdorbene Welt. (Ihr findet Svankmajers Alice auf youtube)