youtube: Eureka (engl. subt.)

 youtube: Eureka (engl. subt.). Shinji Aoyama, einer der japanischen Regisseure, die sich an den Klassikern orientieren, hat nun einen Horrorfilm inszeniert: True Horror Story. Gespannt? Deshalb gibts heute Erureka. - Die Farben von Eureka wirken so, als hätte man sie aus einem alten Buch gerissen. Ein Junge und ein Mädchen, Geschwister, steigen in einen Reisebus, irgendwo im japanischen Hinterland. Die Weite der Landschaft, das Geräusch der Motoren - doch plötzlich, aus dem Nichts eskaliert Gewalt! Ein Wahnsinniger, bewaffnet, nimmt den Busfahrer als Geisel. Er wird bis zum letzten Atemzug kämpfen und fast auch die Kinder erschiessen. Am Ende zählt man sechs Tote. Der Schrecken dauert nicht lang; das Trauma aber wirkt über die gesamte (Über-)länge von Eureka nach. Zwei Jahre später. Die Geschwister sind verwaist. Wir wissen nicht, weshalb und Eureka kommentiert das nicht. Der Vater starb wohl bei einem Unfall, die Mutter verschwand. Es sind surreale, schaurige Szenen. Die Kinder bleiben zurück in einem Geisterhaus - und sie selbst sind die Gespenster. Sprachlos, verstört. Wir sehen sie, wie sie vier Gräber errichten für die Toten des Busunglücks. Dann Kozue, das Mädchen, wie sie mit geschlossenen Augen auf einem Bahngleis verharrt. Der Tod wäre ihr ein willkommenes Geschenk. Dann kehrt der Busfahrer im Geisterhaus ein. Seine Familie versteht ihn nicht mehr, wohl aber die sprachlosen Geschwister. Währenddessen sucht eine Mordserie die Umgebung heim und man verdächtigt ihn, den traumatisierten Busfahrer. Doch schliesslich ergreift er die Initiative, kauft einen Bus, nimmt die Geschwister mit auf eine spirituelle Reise. Nun wird Eureka zum Road Movie. Es ist eine symbiotische Beziehung, welche die Sprachlosen eingehen. Sie scheint nicht von dieser Welt. Eureka beweist, dass Filme keiner Worte bedarf. Eureka ist still, wirkt über die Komposition der Bilder, das Unerklärliche und eine rumorende Tonspur. Fast wie ein Musikstück, über Emotionen, nicht den Verstand. Die Schönheit der Bilder, sie wirkt dem Schmerz entgegen. Am Ende steht die Erlösung. Man mag das mögen oder nicht, aber die Protagonisten werden zu Heiligen stilisiert. Am Ozean angekommen, entschwindet die Kamera gen Himmel...

youtube: Un Homme Qui Dort (engl. subt.)

youtube: Un Homme Qui Dort (engl. subt.) Ein schöner Job, Videothekar in der Filmkunstbar Fitzcarraldo! Ein Kunde fragte mich nach Un Homme Qui Dort. Einen Film, den wir noch nicht haben. Schliesslich fand ich ihn auf youtube in guter Qualität. - Existentielle Depression, Entfremdung, Nihilismus. Ein junger Student aus Paris, isoliert, vereinsamt. Das ist das Thema von Bernard Queysannes Drama aus dem Jahr 1974, das er nach dem Roman von Georges Perec filmte. Es wirkt so, als ob hier ein Tagebuch auf die Leinwand übertragen wurde. So schleppend und verlangsamt, wie wohl auch die Gedanken dieses Studenten sein mögen. Kalt und distanziert das Werk, gleich der Welt des Protagonisten, zwingt uns Queysanne dessen Perspektive auf. Jacques Spiesser heisst er. Ein schöner, unaiuffälliger Mann. Wir begleiten ihn, wie er ziellos durch die Strassen von Paris schlendert. Paris in erlesenen Schwarzweiss Bildern - die Schönheit des Films entspricht der des Protagonisten. Langsam entgleitet Spiesser sein "normales" Leben und er entfremdet sich von der Welt, fällt in ein Loch tiefer Isolation. Prätentiös? Aber nein, es ist der radikale Versuch, die Ästhetik des Films anzugleichen an sein Sujet. Eine deprimierende Herausforderung und filmische Entdeckungsreise! Man hat Un Homme Qui dort zu den besten Filmen aller Zeiten gezählt. Ich würde ihn als vergessenes Meisterwerk bezeichnen! (Leider ist die DVD derzeit vergriffen. Es existiert eine schöne Veröffentlichung, die auch mit deutschem und englischen Ton läuft. Wird sofort angeschafft, wenn wieder lieferbar! Du findest den Film auch auf youtube mit englischen Untertiteln.)

FILM LIST: Loneliness

Loneliness

"Are you talkin' to me? Well, I'm the only one here." - Travis Bickle steht vor dem Spiegel. Ein verzweifelter Charakter, unfähig, mit anderen Menschen in Kontakt zu treten. Überall um ihn herum gelingt den Menschen genau das. Travis aber ist anders. (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 27.2.17)

youtube: John Landis - Into The Night

 youtube: John Landis - Into The Night. Was macht John Landis? Wie kein zweiter Regisseur gehört er mit seinem Anarcho Humor in die 80er. Nun produzierte er ein Remake seines American Werewolf in London. Regie: Sohn Max Landis. Wir zeigen deshalb John Landis auf der Höhe seiner Kunst mit Into The Night. - Die Geschichte von John Landis Into The Night mag ziellos sein, der ganze Film recht wirr. Into The Night hat kein Zentrum, Jeff Goldblum jedenfalls wirkt so weggetreten wie es seine Rolle verlangt und Michelle Pfeiifer ist eine unsympathische Zicke. John Landis Krimi-Komödie hat dafür ganz andere Vorzüge: Stilsicherheit, Atmosphäre, einen B. B. King Soundtrack und folgende Regisseure, die sich die Ehre geben: David Cronenberg, Don Siegel, Jim Henson, Amy Heckerling, Lawrence Kasdan, Paul Mazursky, Roger Vadim (...) Ferner treten auf Irene Papas, David Bowie, Dan Aykroyd, Vera Miles (...) Into the Night, ein Privatfilm und ich denke, alle Beteiligten hatten Spass! Goldblum spielt Ed Okin, einen Ingenieur, der unglücklich verheiratet ist, unglücklich mit seiner Arbeit, ausserdem ruhelos und depressiv. Er kann nachts nicht schlafen. Seinem Kollegen erzählt er, seine Frau hätte ihm "einen schönen Tag" gewünscht. So wie man das beim Bäcker hört. Ed erwischt seine Frau, die eine Affäre hat und beschliesst, zum Flughafen herauszufahren. Was für wundervolle Dinge könnten nun geschehen? Aber: Diana (Michelle Pfeiffer) landet auf der Motorhaube seines Wagens. Sie wird von arabischen Gangstern gejagt, die wohl hinter Juwelen her sind. Die Araber jagen das Paar, vier Idioten, die eine gewaltige Unruhe in Landis Film bringen. Der Plot interessiert ab diesem Moment nicht mehr. Landis ergibt sich ganz seinem Ideenreichtum, filmt ohne Disziplin sein eigens geschaffenes Chaos. Er selbst spielt einen der Araber und das erklärt alles. Zum Glück aber erlöst er uns immer wieder von seinen Verfolgungsjagden und stellt die Liebesgeschichte zwischen Diana und Ed in den Vordergrund. Überraschenderweise funktioniert die: Das Mädchen, das nichts besitzt, ausser das, was man ihr schenkt und der unglückliche Ingenieur. Diana zerstört Eds Leben, sie schenkt ihm aber auch ein Neues. Immer wieder gibts genialische Momente, etwas wenn David Bowie als Gentleman Gangster Ed sanft bedroht. Wer einen Film sehen möchte, dem herkömmliches Inszenieren ganz egal ist und der stattdessen eine Privatpartiy mit lauter Nicht-Schauspielern schmeisst, darf sich eingeladen fühlen. Natürlich ists wie immer am besten, die Original DVD bei uns zu leihen, denn dort gibts als Bonus ein tolles Interview: John Landis, der Zapller, interviewt B. B. King, der offensichtlich sein grosses Idol ist. Mehr noch: B. B. King spielt gemeinsam mit Eddie Murphy, Steve Martin, Dan Aykroyd und anderen Landis Weggenossen eine Nummer. Bestimmt hatte Gastgeber Landis noch viel mehr zu bieten als das, was wir im fertigen Film sehen!

FILM LIST: Independent Movies 80s

Independent Movies - 80s

Der Boom des Indie Kinos, begann in den 90ern. Das Fundament aber wurde in den 80ern gelegt mit der Gründung des Sundance Filmfestivals und auch durch den Niedergang der New Hollywood Ära. Die 80s, das war die wunderbare Zeit der Blockbuster, aber eben auch solcher Perlen wie Stranger Than Paradise, Mala Noche und She's Gotta Have It. Eine Reise zurück. (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 24.2.17)

youtube: Martin Scorsese - Taxi Driver

youtube: Martin Scorsese - Taxi Driver. Womöglich ist Scorseses neuester Streich sein sperrigstes Werk (Silence jetzt im Kino!)? Wir erinnern uns an Taxi Driver, der ja auch einige Rätsel aufgab. - "Are you talking to me? Well, I'm the only one here." Der wahrhaftigste Satz in Martin Scorseses Taxi Driver! Travis Bickle (Robert De Niro) hat diese furchtbare Angewohnheit, Kontakt zu anderen Menschen herstellen zu wollen. Überall um ihn herum gelingt das den verschiedendsten Menschen - nur er bleibt ausgeschlossen. Taxi Driver wirkt auf mich wie eine Reihe fehlgeschlagener Versuche, der Kontaktaufnahme. Jeder einzelne Versuch geht schief. Einmal bittet Travis ein Mädchen um eine Verabredung und geht mit ihr in einen Porno. Dann versucht er sich im Small Talk, aber mit einem Agenten des Secret Service. Schliesslich versucht er sich, mit einer minderjährigen Prostituierten anzufreunden (sie aber hat Angst vor Travis). Er ist so vollkommen allein, dass die Frage - mit wem er denn da spricht - an sich selbst gerichtet ist: Tavis fragt sich selbst vor dem Spiegel. Diese Einsamkeit ist das Herz von Taxi Driver und das macht ihn zu einem der kraftvollsten Filme überhaupt. Womöglich liegts auch an seiner Einsamkeit, dass wir Travis als Filmcharakter, der wie von einem anderen Stern kommt, wahrnehmen. Hat sich nicht jeder von uns schon einmal genauso einsam gefühlt? Jedoch konnten wir besser damit umgehen. Scorses Film wurde 1976 im Kino aufgeführt und doch ist er mir nie so recht vertraut geworden. Jedes Mal, wenn ich ihn sah, riss es mich fort in Travis Welt der Einsamkeit und Wut. Es ist eine Unterwelt. Eine verkehrte Welt. Man kann nachlesen, dass der Drehbuch-Autor Paul Schrader von John_Fords The_Searchers inspiriert worden war. Es stimmt. In beiden Filmen verliert sich ein Mann bei seiner Odyssee, einer Frau zu helfen. Doch in beiden Filmen wollen die Frauen diese Hilfe gar nicht! Wie auch im Vorbild spielt Robert De Niro einen Kriegs-Veteranen. Travis wurde während des Vietnam Krieges traumatisiert. Sein Versuch, der zwölfjährigen Nutte Iris (Jodie Foster) zu helfen, die von ihrem Zuhälter Sport (Harvey Keitel) "gehalten" wird, endet in einem Blutbad, wie es selbst in Scorseses Werk einmalig ist. Iris will sehr wohl mit Sport verbunden sein! Ein vereinsamter Mann, ein Suchender, macht sich auf, einer Frau zu helfen, obwohl sie ihn nicht darum bittet. Diese zentrale Handlung von Taxi Drover wird in sämtlichen Parallel-Handlungen des Films gespiegelt. Travis Gefühle Schwarzen gegenüber, seine merkwürdige Sexualität (ersetzen wir den Begriff der Liebe einfach durch Pornographie), sein Hass auf die Grossstadt... Scrosese und Schrader formen einen Charakter voller Wut und Hass. Einen ängstlichen Menschen. Durch die Windschutzscheibe seines Taxis sieht er die Nutten und Zuhälter auf den Strassen Manhattans. Wie in Zeitlupe. Scorsese schafft es, das Innenleben von Travis ohne Dialoge darzustellen. Er verfolgt den Zweck, uns Travis Perspektive aufzudrücken. Wir werden zu Travis - und doch fühlen wir uns recht verloren in Taxi Driver. Viel wurde diskutiert, so die End-Szene. Ist sie real oder Imagination? Überlebt Travis den Schusswechsel? Oder nehmen wir die letzten Gedanken eines Sterbenden wahr? Es ist schwer zu sagen und im Finale wirkt Taxi Driver mehr wie eine Oper und weniger wie ein Drama. Alles wird über Emotionen ausgedrückt. Taxi Driver ist ein Film über Erlösung, nicht über Verdammnis. Travis existiert nicht mehr in der Realität, sondern in seiner Gedankenwelt. Letztendlich hat ihm das seinen ganz eigenen Frieden verschafft.

youtube: Pieces Of April

youtube: Pieces Of April. Hier kommt ein Thanksgiving Film! Es geht darum, wie man sich in der Familie liebt und wieder zusammenfindet. Trotz allem. Pieces Of April war das Vorbild für eine ganze Indie-Richtung, in der es um disfunktionale Familien geht. Man streitet sich, versöhnt sich aber letztlich doch - irgendwie. Am Ende gehts gut aus für alle. Nur nicht für den Truthahn. - Erzählt werden zweieinhalb parallel verlaufende Geschichten. Die erste handelt davon, wie die Burns-Familie aus der Vorstadt nach New York fährt. Am Thanksgiving wollen sie ihre Tochter April besuchen. Die lebt als Punk in N.Y. Geschichte zwei handelt davon wie April, die noch nie in ihrem Leben etwas gekocht hat, genau das versucht. Geschichte drei schickt ihren Freund auf eine fast aussichtslose Mission. Katie Holms spielt die tätowierte April, die Schande ihrer Familie. Derek Luke gibt ihren Freund - einen von der Sorte, mit dem nie etwas funktioniert. Die Eltern sind Jim Burns (Oliver Platt) und Joy (Patricia Clarkson), der Film aber konzentriert sich ganz auf die Mutter und Tochter Beziehung. Joy leidet an Brustkrebs und aller Voraussicht nach wird das ihr letztes Thanksgiving sein. Die eigene Sterblichkeit aber ist für Joy eine schöne Gelegenheit, ihren ganz eigenen Humor zu verteilen. Aprils Wohnung sieht nach bestandener Punkrock-Rebellion aus wie eine Müllkippe, doch ihr Freund überzeugt sie, dass es doch zum Thanksgiving Dinner reicht. Dumm nur, dass Aprils Ofen kaputt ist, was zu einer Mission durch die kaputte Nachbarschaft führt. Wessen Ofen funktioniert noch? Eine schöne und witzige Odyssee, die ganz nebenbei daran erinnert, dass in Amerika doch jeder Immigrant ist (ob Chinese oder "Amerikaner"). Dann aber endet der Film abrupt, ganz so, als wär das Geld ausgegangen. Vielleicht war das auch so? auf wikipedia ist nachzulesen, dass Pieces Of April nur 300.000 Dollars kostete und Holmes auf ihre Gage verzichtete. Auch die Bilder wirken so, als hätte der Kameramann keine Zeit gehabt. Abgesehen davon aber ists eine quirlige und sympathische Komödie geworden, die sogar menschliche Einsichten vermittelt! Ich denke, Pieces Of April war eine Herzensangelegenheit des Regisseurs Peter Hedges. Bestimmt hat er sich (der auch das Drehbuch verfasste) da was von der Leber geschrieben. Schön!

FILM LIST: Science Fiction 00s-10s

Science Fiction

00s-10s

So alt wie das Kino ist auch Science Fiction. Seit den frühen Zeiten des Kinos gibts auch den Versuch, die Welt von morgen im Film zu gestalten. Fritz Lang (Metropolis) hat das genauso versucht wie Stanley Kubrick (2001) und Adrei Tarkovsky (Solaris). Als ich Dennis Villeneuves Arrival sah, wurde mir wieder bewusst, was ich viel zu oft im Science Fiction Film vermisse: Ein Werk, das auf einer Idee beruht. Solche Science Fiction Film aus dem 21. Jahrhundert werden hier gesucht! (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 22.2.17)

youtube: Amsterdamned (engl. subt.)

 youtube: Amsterdamned (engl. subt.). "Taking Trash Seriously"! Gesucht werden billige Exploitation Produktionen aus aller Welt! Amsterdamned von Dick Maas darf in jedem Fall zu diesem erlesenen Club gehören. Eine Stilübung und gleichermassen ein sehr atmosphärischer Horror-Thriller aus den Niederlanden, reisserisch und hochgradig unterhaltsam! Ein wahnsinniger Killer in einer Taucherausrüstung versetzt Amsterdam in Angst und Schrecken. Aus der Tiefe der Grachten greift er seine weiblichen Opfer an und ermordet sie auf ekelhafte Weise. Huub Stapel spielt den Einzelgänger-Cop, der den Killer verfolgt - im Wettrennen gegen die Zeit, da diese Mordserie droht, Einfluss auf die Tourismus-Unternehmen Amsterdams zu nehmen. Wunderbar hässliche Tötungs-Szenen, wilde Verfolgungsjagden und tolle Schauplätze wie das Rijks-Museum werden mit einer liberalen politischen Botschaft unterfüttert (hier unterscheidet sich die niederländische Variante von amerikanischen Vorbildern der 80er). Nicht zuletzt: Amsterdamned funktioniert auch noch als kniffliger Krimi!

Free Stream Arte: B-Movie - Lust & Sound in West Berlin

Free Stream Arte: B-Movie - Lust & Sound in West Berlin - Ein warmherziges Versprechen aus der Vergangenheit! Ein Film, der Zusammenhalt schmiedet, unter denen, die es erlebt haben, der aber auch diejenigen eint, die es gern erlebt hätten! Mark Reeder kommt 1979 aus Manchester nach West-Berlin auf einer Route, die nicht einfach erscheint: Durch die deutsche demokratische Republik. In der Insel-Stadt findet der Militär-Fetischist und Label-Chef Anschluss an die New Wave/Punk-Szene. Er begegnet Nick Cave, Blixa Bargeld oder Gudrun Gut und spielt in einem Jörg Buttgereit Film mit. Reeder öffnet sein Video Archiv und wir erleben nie gesehenes Material: Nena als Strassensängerin oder Nick Cave, der uns seine deutsche Gothic Sammlung sowie seinen Colt zeigt. Die Tödliche Doris spielt auf dem Potsdamer Platz (der damals noch die Potsdamer Wiese war), Der Wahre Heino wird vom "echten" verklagt, Ideal sammeln Geld für Hausbesetzer und Blixa Bargeld erklärt, weshalb er nie in Ost-Berlin war. Nicht alles Material ist neu, aber dank der charmanten Art, wie Reeder uns in West-Berlin einführt, fühlen wir uns auf einmal ganz wie zu Hause! Die Doku wird zum Biopic! Als Reeder nach West-Berlin zog auf den Spuren des deutschen Krautrocks, war ich sechs Jahre alt. Dennoch strahlen Namen wie Gudrun Gut auch noch in den 90ern, so dass mir vieles trotzdem vertraut vorkommt. Diejenigen, die die 90er nicht miterleben konnten, werden mit B-Movie auch bestens bedient, denn die Doku lässt den Mythos einer Insel der reinen Avantgarde hochleben! Mark Reeder fungiert aber nicht als Angeber, der die Vergangenheit verklärt, sondern als Insider von aussen, der eher wie ein staunendes Kind wirkt. Trotz des Untertitels Lust & Sound in West-Berlin 1979-89 endet B-Movie auch nicht pessimistisch, sondern mit dem Ausblick auf das Techno verliebte Gross-Berlin. Mark Reeder aber muss zurück nach Manchester mit einem Berlin Kollaps...

youtube: Ace Ventura

 youtube: Ace Ventura. Überraschend tauchte Jim Carrey zuletzt neben Charlotte Gainsbourg in True Crimes auf! Wer aber erinnert sich an den frühen Grimassen-Carrey? - Es mag Leute geben - und meistens handelt sich dabei um Franzosen - die in Jerry_Lewis einen grossen Komiker sehen. Andere haben nie über ihn lachen können. Manche können sich den frühen Steve_Martin bedingungslos ansehen. Andere ertragen nur den späten Martin. Gehörst du zu den Anderen, dann bist du der falsche Proband für Jim Carreys Ace Ventura! - Carrey spielt einen Detektiv aus Miami, der sich auf Haustiere spezialisiert hat. Wenn dein Hund entführt wurde oder zu Beginn des Films das Maskottchen der Miami Dolphins, dann beginnt Venturas Einsatz. Im übigen wohnt er in einem Haus, das bis unters Dach randvoll mit Tieren ist. Falls man von einem Plot sprechen mag, ist es noch wichtig, dass auch Dan Marino von den Dolphins verschwindet... Carrey verkörpert also den hyperaktiven Volltrottel, der seinen Mund ganz merkwürdig lang ziehen kann und scheinbar unbegrenzte Kontrolle über jeden Muskel seines Körpers besitzt. Gleichzeitig ist er ein verblüffend genialer als auch abgrundtief dämlicher Detektiv. In Nebenrollen dürfen wir Sean Young und Udo Kier geniessen, die hier schamlos verheizt werden. Die ganze Zeit meint man, sie gehörten gar nicht in Ace Ventura, sondern einen ganz anderen Film. Young darf Dialoge aufsagen wie "Listen, pet dick". Im Grunde besteht Ace Ventura aus einem einzigen Witz: Der bizarren Beklopptheit Carreys. Wenn du darüber hemmungslos abgackern kannst, gehörst du nicht zu den Anderen. Ein bisschen beneide ich dich dafür, obgleich ichs auch nicht verstehe. Bestimmt bin ich zu alt für Ace Ventura und wars auch schon in den 90ern. Deshalb kommt mir Ace Ventura nicht in die Videothek. Ein youtube Stream, der aussieht wie TV aus den 90ern, muss reichen.

youtube: Magic Hunter

youtube: Ildiko Enyedi - Magic Hunter. Nach ihrem Berlinale Sieg wollen wir natürlich ältere Filme der Ungarin sehen! - Magic Hunter, der zweite Film der Berlinale Gewinnerin Ildikó Enyedi, hatte keinen leichten Stand. Nach ihrem gefeierten Debüt, reagierten viele enttäuscht - obwohl kein Geringerer als David_Bowie sich für Magic Hunter stark machte! Neben der ungarischen Fassung existiert eine englische, damit das Werk auch auf amerikanischen Filmfestivals gezeigt werden konnte. Unnötig, zu bemerken, dass diese Fassung nicht erste Wahl sein sollte. Wir befinden uns mitten im zweiten Weltkrieg. Eine Mutter erzählt ihrer Tochter die Geschichte vom Teufel. Wer ihm seine Seele verkauft, erhält als Gegenleistung sieben Kugeln. Jede trifft ihr Ziel unter Garantie. So erleben wir einen Polizisten im modernen Budapest, wie er eine Frau erschiesst. Zeitsprung ins Mittelalter. Der Teufel tritt auf und beherrscht eine Brücke. Jeder, der passiert, gerät in seinen Bann. Zeitsprung. In Budapest versucht der Polizist, sich selbst zu erschiessen - verfehlt unglaublicherweise aber sein Ziel. Auch im hier und Heute taucht plötzlich der Teufel auf und handelt mit Kugeln. Zurück im Mittelalter wiederum wird ein Hase von Hunden verfolgt und kann sich in einem Gemälde der heiligen Jungfrau Maria retten. Alles klar? Nun, die Regie wirkt wie die einer Anfängerin. Originelle und brillante Momente wechseln sich ab mit der ungeschickten Inszenierung einer Amateurin. Ildikó Enyedi beweist, dass sie ein Gefühl hat, wann und wie sie Filmmusik zum Einsatz bringt. Pech allerdings, dass Gary Kemp (von Spandau Ballett) die Hauptrolle wie ein Schlafwandler übernimmt. Genauso wirkt der Charakter, den Sadie Frost spielt, leer und - ja - hohl. Nur die Mittelalter-Szenen versprühen Energie und genau die fehlt dem Film ansonsten.

In Cinema: Danny Boyle - T2 Trainspotting 2

 In Cinema: Danny Boyle - T2 Trainspotting! - Gibt es ein cooleres Bild im Kino als Ewan McGregor, wie er zum Beat von Lust For Life durch Edinburgh rennt, ein T-Shirt mit der Aufschrift "Choose Life" tragend? T2 nimmt sich nun Irvine Welshs Antihelden zwei Dekaden später an: In den vergangenen zwanzig Jahren wars weniger Heroin als das Leben, das ihre Gesichter verwüstete. Nicht mehr die ekligste Toilette Schottlands, die uns verstört, sondern mittelalte Männer im Angesicht des Todes. McGregors Renton ist kein Wilder mehr, kein zorniger junger Mann. Renton leidet unter der Tretmühle des Lebens, befindet sich mitten in einer Midlife Crisis. Da trifft er Spud (Ewen Bremner) mit seinem Kopf in einer Plastiktüte, um seinem elenden Leben ein Ende zu setzen. Jonny Lee Millers Sick Boy dagegen denkt selbst nach zwanzig Jahren noch voller Bitterkeit an seinen besten Freund, der ihn damals betrog. Begbie (Robert Carlyle) währenddessen lebt als vereinsamter Vater mit der Seele eines Soziopathen vor sich hin. Wer erinnert sich noch, wie sehr uns der Anblick verwahrloster Heroin Apartments mit so schrecklichen Überraschungen wie einem toten Baby erschreckte? Diese mittelalten Männer aber verstören uns genauso! Irvine Welshs Trainspotting Prequel "Porno" (2002) ist so etwas wie eine Reise in die eigene Jugend. Hier dreht sich alles um alte Freundschaften und Erinnerungen. Genau wie im ersten Teil verleiht Regisseur Danny Boyle diesem Geschehen aber etwas Unerwartetes: Energie! Dazu tragen seine Bilder bei, die einer guten und langen rebellischen Tradition des britischen Kinos folgen. Und wie mag die Fortsetzung auf solche Kinogänger wirken, die den ersten Teil nie sahen und von ihm geprägt wurden? Ich denke, Boyles T2 wendet sich schlicht und ergreifend nur an diejenigen, die etwa im selben Alter wie seine Protagonisten sind. Immerhin kein "Hipster" Betrug! (Moviemento 18.00, 20.30, 23.00; Babylon Kreuzberg 19.30, 22.15 (OmU)

FILM LIST: Finnish Movies

 Fest stehen sie mit ihren Füssen auf dem Boden. Es gibt kaum Dialoge, aber das, was gesagt wird, klingt wie eine universal gültige Wahrheit. Die Kamera weiss das in kunstvollen Bildern zu unterstreichen, ohne aber auf unnötige Schwenks zu setzen. Die Figuren lachen selten, dafür nicken sie oft traurig. Sie rauchen und grübeln. Immer erwarten sie das Schlimmste. So funktioniert das Kino in Finnland. (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE FILME SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 18.2.17)

youtube: Leni Riefenstahl - Triumph Of The Will (engl. subt.)

youtube: Leni Riefenstahl - Triumph Of The Will (engl. subt.) Eine bürgerliche Sichtweise ist die, dass Triumph Des Willens von Leni Riefenstahl ein grosser, wohl aber schlimmer Film ist. Grosse Kunst in den Diensten des Bösen. Triumph Des Willens darf man als eine der bedeutendsten Dokus bezeichnen, aber auch eine der Besten? Der Film ist fürchterlich! Einfältig, dümmlich und viel zu lang. Nicht einmal manipulativ ist Triumph Des Willens, dafür ist das Werk viel zu ungeschickt gemacht! Allerhöchstens ein Hitler Gläubiger kann durch Riefenstahls "Meisterwerk" bekehrt werden, aber ich wundere mich, wie dumm die Deutschen waren! September 1934 in Nürnberg: Parteifunktionäre der NSDAP, Soldaten, Unterstützer der Nazis marschieren auf. Selbst ganz normale Arbeiter ziehen vorbei und halten ihre Schaufeln hoch als obs Gewehre wären. Alle marschieren an Hitler vorbei und reissen ihren rechten Arm hoch. Aufgelöst wird das durch eine Rede des sogenannten "Führers". Man stelle sich mal einen anderen Film vor, in dem einfach nur Menschenmassen vorbeilaufen! Einen Film mit nur einer Hauptfigur auf einer etwas entfernten Bühne! Riefenstahls Doku mangelts an jeglicher Dramaturgie. Sie könnte zeigen, wie dieses Massen-Event vorbereitet wurde und Einzelne beobachten. All das vergisst sie. In mathematischer Genauigkeit sehen wir die Anordnng der Zelte und wie die Nazis marschieren. Wohin? Was denken sie? Was fühlen sie? Was machen sie hinterher? All das interessiert Riefenstahl nicht. Sie folgt ausschliesslich dem im Grunde uninteressantesten Teil. Für einen Moment mag das reizvoll sein. Die Deutschen, die wie betäubte Zombies in eine Richtung laufen. Riefenstahl verweigert alles, was an ihnen menschlich sein könnte. Was bietet Triumph Des Willens darüber hinaus? Wenige Nahaufnahmen, zwei Hitler Reden (die überraschend kurz und wenig elegant ausfallen). Es gibt keine Individuen, nur die uniformierte Masse. Kaum, dass einer mit dem Anderen spricht. Man kann generell keine individuellen Laute zu hören, ausser ein paar "Sieg Heil". Nazi zu sein bedeutet in Triumph Des Willens schlicht, dämlich zu sein. Das muss die einzige Schlussfolgerung sein angesichts der offenen Frage, wen Triumph Des Willens nun überzeugt haben soll, Hitler Anhänger zu werden? Am Ende singen alle das Horst Wessel Lied. Beobachtet mal Hitler, mit seinem befriedigten Gesichtsausdruck angesichts der vielen vielen rechten Arme. Was für ein schrecklicher Typ! Unglaublich, dass all diese Deutschen ihm folgten! Einzig die Tatsache, dass die meisten "Protagonisten", die hier aufmarschieren, bereits in wenigen Jahren tot sein sollten, gefällt mir an Triumph Des Willens. Und die bürgerliche Perspektive, das sei ein grosser Film? Die ist auch dumm.

youtube: Yorgos Lanthimos - Dogtooth (germ. dubbed)

 youtube: Yorgos Lanthimos - Dogtooth (germ. dubbed). Zwei neue Projekte von Lanthimos! The Killing Of A Sacred Deer mit Nicole Kidman und Colin Farrell sowie The Favorite mit Emma Stone und Rachel Weisz. Deshalb zeigen wir seinen Oscar Anwärter Dogtooth. - Alle Geschlechtsteile des menschlichen Weibchens heissen fortan Tastatur und Lampen sind Muschis. Wenn sich eine Hauskatze nähert, bedeutet das für uns tödliche Gefahr. Volljährig sind wir erst, wenn uns ein Eckzahn ausfällt, ein "Dogtooth". Sexuelle Handlungen bekommen wir stets im Tausch (gegen billigen Plunder) und Frauen entscheiden einfach selbst, wann sie schwanger werden (darüber hinaus ob es nun Junge, Mädchen oder Hund wird). Die Welt von Giorgos Lanthimos′ Dogtooth ist in sich geschlossen und absurd. Ernsthaft gefährdet werken kann sie nur durch Filmklassiker wie Jaws (deshalb wird die Tochter auch für das Ansehen des Filmklassikers verprügelt). Diese Welt liegt irgendwo in einem luxuriösen Anwesen. Die Eltern haben einen Bretterzaun darum gezogen, um jeden schädlichen Einfluss auf ihre Kinder abzuwehren. Gezielt werden falsche Informationen über die Realität gestreut und ein verändertes Vokabular eingeführt. Nur der Sohn hat gewisse Vorteile, er darf den Bretterzaun überwinden, nach draussen dringen und bekommt sogar eine Sexual-Partnerin. Die Töchter aber werden streng geschützt. Ziel: Die Kinder für immer ans Elternhaus zu binden. Dass dieser geschlossene Raum aber nicht das Paradies sein kann, beweist schon die Kameraführung von Thimios Bakatakis, die bis auf wenige Ausnahmen statisch verhart, so wie das Leben im Anwesen. Manchmal sind die Köpfe der Figuren abgeschnitten, so dass wir den Eindruck bekommen, der ganze Film wurde mit Überwachungs-Kameras (natürlich der Eltern) gedreht. Lanthimos blendet jeden Zusammenhang aus. Wir brauchen aber auch keine zusätzlichen Inforamtionen, wo sich das Geschehen abspielt oder warum. Die Gesellschaftskritik aus dem Nichts, verstärkt durch einen grimmigen Humor wirkt wie ein biologisches Experiment. Es ist deshalb auch ganz unnötig, mehr über die Charaktere zu erfahren, denn Dogtooth lässt keinen Zweifel offen, dass wir uns in der Hölle befinden. Der Film vertraut allein auf die Kraft seiner Bilder - ganz anders als die Eltern, die genauso dieser Macht misstrauen so wie jeder andere Dikatator auch.

youtube: Secretary

 youtube: Secretary. Maggie Gyllenhaal, eine Indie Ikone! Zuletzt bewunderten wir sie in der wahnwitzigen Komödie Frank. Ihr schönster Auftritt aber war in Secretary, der in Sundance mit dem Spezialpreis der Jury ausgezeichnet wurde. - Secretary spielt mit dem Thema des Sadomasochismus. Keine leichte Übung für eine Komödie! Wie schafft mans, dass wir uns nicht zu sehr als Voyeur fühlen - und doch besteht ja genau darin der Humor? Maggie Gyllenhaal und James Spader sind jedenfalls genau die richtige Besetzung für diese Fingerübung. Spader hat sowieso etwas Schmieriges und Gyllenhaal etwas Pathetisches: Ihre Figuren scheinen sich selbst in den absurdesten Situationen noch äusserst ernst zu nehmen. Spater spielt Mr. Grey einen Anwalt, der immer Pech hat mit seinen Sekretärinnen. Gyllenhaal spielt Lee Holloway, die noch nie in ihrem Leben arbeiten musste, aus einer neurotischen Familie stammt und gerade aus der Klinik entlassen wurde. Man glaubt, sie habe sich umbringen wollen. Ein Missverständnis, denn Lee wollte sich doch nur verletzen! Schliesslich macht sie einen Kurs als Sekretärin und bewirbt sich bei Mr. Grey. Lee ist unterwürfig, Mr. Grey dominant und obsessiv. Er verlangt absolute Perfektion und demütigt sie. Langsam entsteht so eine Arbeitsbeziehung. Immer, wenn er sie nicht mehr korrigiert und sich nicht ausschliesslich für sie interessiert, fühlt Lee sich niedergeschlagen. Bittet er sie zurück ins Büro, blüht sie auf. Secretary argumentiert nicht einfach, dass S/M hilfreich sei, sondern eröffnet uns eine viel komplexere Situation. Lee, die an geringer Selbstachtung leidet, fühlt sich zum ersten Mal beachtet. Mr. Grey denkt an sie. Dann beginnt er, ihr kleine Spiele, Rituale zu eröffnen. Was bedeutet S/M für ihn und was für sie? Mr. Grey empfindet es als Zeitvertreib. Eine Spielerei, die man aber nicht 24 Stunden am Tag machen kann. Lee versteht gar, warum das nicht gehen sollte? Schliesslich gibts noch Peter (Jeremy Davies), mit dem sich Lee manchmal verabredet - und Mr. Grey scheint eifersüchtig zu sein! Sicher, er befindet sich in einem viel schlimmeren Zustand als Lee, denn seine Onsessionen treiben ihn an den Rand des Wahnsinns. Mit Lee aber fand er eine Partnerin. Ihrer beider Beziehung funktioniert - zumindest für die Beiden. Der Humor von Secretary resultiert aus der Beobachtung dieser Beziehung. Lee und Mr. Grey werden regelrecht in ihrem Verhalten observiert. Beide kennen ihre Rollen, doch wächst dahinter etwas Tieferes? Entstehen echte Bedürfnisse? Wahre Abhängigkeit? Ich denke, es ist nicht leicht, die Beiden zu verstehen. Secretary jedenfalls gibt das nicht vor.

Der letzte Mohikaner

Schade! Jetzt musste sogar die Video World Kette schliessen. Der Vorgang war ähnlich wie bei anderen "Mega Stores". Nach dem Umzug in den kleinen Schlecker Laden am Kottbusser Damm nun das Aus. Ähnlich ergings der Friedrichshainer Filmkunst, die keine DVDs mehr verleiht, dafür aber noch im gemütlichen Mini-Kino professionelle Videoabende veranstaltet. Wie ein Räuber zog ich gestern rüber in die Video World, um ein paar DVDs für unseren Verleih abzustauben (die deutsche Fassung von "In Ihren Augen" hatten wir noch gar nicht!) und da überkams mich: Nostalgie. Als Schüler fuhr ich ständig in die Vito, eine Fabriketage nahe der Seestrasse voll mit VHS Tapes. Ich mochte auch die Video Collection und natürlich die Video World. Freunde von mir arbeiteten dort, dann liefen die lustigen Hardcore Filme zu Body Count. Im Grunde basieren doch die 90er "Indie" Filme auf solchen Erfahrungen des gemeinsamen Rumhängens in einer Videothek. Wo sonst werden Dialoge wie in Clerks geführt? Wer gerne die Zeit totschlägt und buchstäblich nichts tut, hats jetzt schwerer. Allein daheim beim Endlosen Streamen? Das ist doch kein Ersatz! Wer diskutiert denn jetzt mit mir, dass Miami Vice von Michael Mann ein grosser Film ist!?! Mit unserer Filmkunstbar Fitzcarraldo komme ich mir vor wie der letzte Mohikaner. Graf v. Haufen hält durch mit unserem Vorbild, dem Videodrom, die Filmgalerie in Mitte gibts auch noch. Ganz ohne Alkohol und Barbetrieb! Clerks und Nichtstuer; es ist wichtig, diese Läden aufzusuchen! Warum kann Dario Argento keine guten Filme mehr drehen? Was geschah mit John Carpenter in den 90ern? Wichtige Fragen, die keiner allein beantworten kann. Schon gar nicht mit der Netflix Auswahl, denn da gibts nichts.

youtube: Nicolas Roeg - Don't Look Now

youtube: Nicolas Roeg - Don't Look Now. Donald Sutherland, das Pokerface der New Hollywood Bewegung; heute ein geschmeidiger Bösewicht. Seine nächsten Projekte heissen Measure Of A Man und Basmati Blues. Wir zeigen Nicoals Roegs Klassiker! - Der Held aus Don't Look Now ist ein rationaler Mann, der weder an das Übersinnliche oder ein Leben nach dem Tod glaubt. Im Verlauf des Films werden seinen Überzeugungen in sich zusammen brechen. Der Mann wird zerstört werden. Don't Look Now führt ausserdem zwei Frauen ein, die eine Verbindung zum Übersinnlichen herstellen können. Dagegen stehen die analytischen Männer, gefangen in ihrer Verweigerungshaltung: Der Polizist, der Bischof und der Architekt. Die Frauen versuchen sie zu warnen, doch - umsonst. Nicolas Roegs Horror Klassiker wirkt nicht einfach durch Angst und Schrecken. Das wäre viel zu leicht! Roeg lässt uns eindringen in die Seele eines Mannes, der sich nicht mehr zu wehren weiss gegen eine Furcht die wächst und wächst... Roeg und sein Editor Graeme Clifford werfen uns dafür von einem beunruhigenden Bild in das nächste. Fast wirkt der ganze Film dadurch wie ein Fragment. Der Himmel ist regnerisch und grau; John und Laura Baxter (Donald Sutherland und Julie Christie) befinden sich in ihrem Landhaus. Während sie drinnen vor dem Kamin sitzen, spielen draussen die Kinder. Keinen einzigen Moment lang, fühlt man sich behaglich, keines der Bilder suggeriert Sicherheit! Der Vater studiert venezianische Kirchen. Die Tochter Christine, die einen leuchtend roten Regenmantel trägt, spielt in der Nähe eines Teichs. Christines Ball fällt in den Tümpel und im gleichen Moment verschüttet der Vater sein Glas und ein blutroter Fleck breitet sich langsam über dem gesamten Bild aus... Schnitt. Ein roter Regenmantel in einer venezianischen Kirche huscht vorbei. Schnitt. Draussen Christines roter Mantel im Teich. Irgendetwas bringt John dazu, aufzublicken, dann rennt er wie ein Wahnsinniger aus dem Haus. Er findet den toten Körper seiner Tochter, bricht zusammen, stösst einen animalischen Laut tiefster Klage aus. In dieser Szene wird nicht nur der Verlust der Baxters spürbar, hier wird der gesamte visuelle Stil des Films zusammen gefasst. Einige Einstellungen werden folgen, die wie aus der Zeit gerissen wirken, andere werden Zukünftiges vorwegnehmen. Christines Tod verfolgt das Ehepaar bis nach Venedig, dort wo John eine Kirche restauriert, wo ein Killer in Serie mordet, eine Leiche im Kanal geborgen wird und die Puppe eines Kindes am Ufer liegt. Der rote Regenmantel verbindet das schreckliche Ereignis am Teich mit dem Geschehen in Venedig: Eine kleine Figur im Regenmantel der Tochter versteckt sich vor John und flüchtet. Ist es der Geist Christines? Wir werden diese kleine Figur noch öfter sehen und ihr roter Mantel ist das Markanteste vom ganzen Film. Während Roeg alle bilder in dunklen Tönen gehalten hat, wirkt das Rot wie ein Farbspritzer. Die Farbe Rot verbindet den Tod der Vergangenheit mit der Zukunft. Die Baxters haben aus Liebe geheiratet. Der Tod der Tochter aber verwüstet diese Ehe und zwischen beiden breitet sich stille Trauer aus. In der Toilette eines Restaurants trifft Laura auf zwei englische Schwestern, Heather (Hilary Mason) und Wendy (Clelia Matania). Die blinde Heather erzählt Laura, sie hätte Christine beim Frühstück mit ihren Eltern gesehen: “She’s happy now!”. Laura zweifelt zunächst, beginnt dann aber mit voller Freude an diese Vision zu glauben. In der folgenden Nacht lieben sich die Baxters zum ersten Mal seit Christines Tod wieder. Die Sex-Szene zelebriert die ganze Leidenschaft und Wahrhaftigkeit der Ehe, wobei der Schnitt sie zwischendurch bereits beim Ankleiden einblendet. Gerade lieben sie sich noch, doch bald werden sie getrennt sein. Eben waren sie noch voller Passion, im nächsten Moment erleben wir sie wieder in Gedanken verloren. Es ist schmerzhaft, wie der Film mit den Ebenen der Zeit umgeht und darauf beharrt, dass unsere Zukunft bereits in der Gegenwart begriffen ist. Alles wird vorübergehen, selbst diese leidenschaftliche Liebe. Venedig wirkt wie eine verdammte Stadt. Die Kanäle sind voller Ratten und es gibt kaum eine Szene, in welcher die Strassen belebt sind. Alles wirkt vereinsamt und verloren. Anthony B. Richmond filmt einen Gang durch die Stadt im Winter so, als wandele man im Traum. Während Laura den beiden Schwestern glaubt, ihre Tochter sende ihnen Botschaften, ist John nur von einem überzeugt: “Our daughter is dead. Dead, dead, dead, dead, dead.” Obwohl er selbst nicht daran glaubt, wissen aber die Schwestern: John hat die Gabe, er hat das zweite Gesicht. Würde man den Plot von Don't Look Now zusammenfassen, müsste man ihn als klassischen Horror bezeichnen. Der visuelle Stil, das Schauspiel, die Stimmung aber verleihen Don't Look Now seine unheimliche Kraft! Ständig befürchten wir, etwas Schreckliches würde geschehen... Das ist es und nicht die Action, was Don't Look Now ausmacht! Die Erklärung all dessen? Oberflächlich. Die Furcht stets greifbar. Der Film basiert auf einem Roman von Daphne Du Maurier, seine Tiefe aber bekommt er durch den Schnitt: Die "revolutionären" russischen Filme der 20er versuchten durch ihre Montage, einzelne Szenen miteinander zu verknüpfen. Nicolas Roeg aber verknüpft Szenen, die nur scheinbar zusammen gehören. Genau wie John Baxter können wir uns nie sicher sein, was wir sehen: Existiert es? Existiert es nicht? Diese Freiheit nehmen sich die ersten fünf Nicolas Roeg Filme - seine Meisterwerke: Die Fotografie beschwört bestimmte Stimmungen, der Schnitt verstärkt sie sogar noch! Ganz gleich, was die rote Figur in Don't Look Now ist oder zu sein scheint - es mutet ganz willkürlich an! Das ist ein Film, der sich jeder Rationalität entzieht!

youtube: Baltasar Kormakur - 101 Reykjavik (multi subt.)

 youtube: Baltasar Kormakur - 101 Reykjavik (multi subt.) Eidurinn heisst der neue Krimi des Isländers Baltasar Kormakur, der so mühelos zwischen Hollywood und seiner nordischen Insel wechselt. Wer erinnert sich noch an 101 Reykjavik? - Hlynur ist 28 Jahre alt und wohnt bei seiner Mutter. Er plant, nach seiner Arbeitslosenversicherung gleich in Rente zu gehen. Die Grenzen von Reykjavik hat er noch nie verlassen und auch sonst interessiert ihn nicht viel. Er schläft bis mittags, schaut sich Fitness-Videos als Pornos an und manchmal trifft er sich mit seiner Freundin. Zum Schlafen aber, fährt er allein nach Hause. Teilnahmslos nimmt er auch die Ankündigung der Mutter entgegen, dass ihre Freundin Lola (Victoria Abril) über Weihnachten zu Besuch kommt. Wider erwarten erregt ihn der Anblick der schönen Spanierin, die ihn zuschauen lässt, während sie duscht. Die Mutter aber eröffnet Hlynur, dass sie herausgefunden habe, lesbisch zu sein und fortan mit Lola zusammen leben wird... Das Debüt des Isländers Baltasar Kormákur bezeichnet im Titel die Postleitzahl von Reykjavik. Der Film ist eine zynische Komödie, deren Kern tragisch ist, was aber kaum auffällt aufgrund der vielen skurrilen Einfälle. Einer der Running Gags ist Hlynurs Nachbar, der ihn permanent mit dem Fernglas beobachtet. Leidenschaft weit unter Null Grad - manchmal fühlt man sich wie in einer spanischen Komödie der 80er, nur ist das Tempo bedächtiger. In Kormákurs Sex-Farce ist der Mensch jedenfalls auch jeder Zeit zu einem Coming Out bereit - letztlich aber verfällt der Held aber wieder in seinen Winterschlaf buchstäblich unter einer Schneedecke.

FILM LIST: Islandic Movies

Islandic Movies

Noi Albinoi handelt nicht davon, dass Noi ein Albino ist. Noi ist anders als die Anderen. Vor allem aber deshalb, weil er nur einen Gedanken kennt: Er will - er muss weg aus Island. Ist das ein Grundgedanke im isländischen Kino? Zumindest hats eine grosse Vorliebe für Aussenseiter und meistens wohnen sie noch bei ihren Eltern. So wie Noi. Nois Artgenossen, das sind Fusi aus Karis Virgin Mountain und Hlynur aus Baltsasar Kormakurs 101 Reykjavik. Willkommen also in einer ziemlich skurrilen und reichlich kalten Welt! (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 13.2.17)

youtube: Aki Kaurismäki - Leningrad Cowboys Go America

youtube: Aki Kaurismäki - Leningrad Cowboys Go America. Der neue Kaurismäki Film läuft auf der Berlinale. Ein Favorit? In jedem Fall waren die Leningrad Cowboys das! - Die Leningrad Cowboys sind eine sibirische Polka Band. Sie tragen schwarze Sonnenbrillen, lange spitze Winklepicker Schuhe und irrsinnige Tollen. Sie sprechen gebrochen englisch und sind musikalisch talentfrei. Der einzige Grund, weshalb sie nach Amerika gehen, ist der, dass ihr Manager ihnen dazu rät. Aki Kaurismäki schafft mit dieser 89er Kult-Komödie beides: Seine Leningrad Cowboys ausdrucklos ins Weite blicken zu lassen, während ihnen jeder Slapstick widerfährt. Nach einer ihrer schlimmen Plattenproduktionen gibt man ihnn den Rat, dass man mit solchem Mist nur in Amerika Geld verdienen könnte: "They swallow any kind of crap." Deshalb landen sie in New York. Man bucht sie dort für eine Hochzeit in Mexiko und erklärt ihnen den amerikanischen Rock'n Roll. Sofort kauft sich die Band ein paar gebrauchte Platten und beginnt, zu studieren. Von keinem Geringeren als Jim Jarmusch (als Gebrauchtwagenhändler) kaufen sie einen Cadillac, um damit nach Mexiko zu fahren. Auf ihrem Weg durch die Südstaaten spielen sie bizarre Gigs in genauso bizarren Bars. That's Allright Mama mit furchtbarem Leningrad Cowboys Gesang! Am schönsten die Figur ihres Managers Vladimir, der den Leningrad Cowoys ein Mittagessen aus Zwiebeln rationiert, sich selbst aber Biervorräte anlegt. Leningrad Cowboys Go America ist nicht die Art von Komödie, bei der man laut losprustet. Es ist eine Komödie zum Schmunzeln. Ein Film, genauso einzigartig wie die Band!

youtube: Volker Schlöndorff - Young Törless

youtube: Volker Schlöndorff - Young Törless. Altmeister und Ex-Babelsberg Chef Volker Schlöndorff tritt mit einem neuen Film auf der Berlinale an. Wenn das nichts ist? wir zeigen sein tolles Debüt - die Geburt des Neuen Deutschen Films! - Der junge Törless spielt zu Beginn des 20. Jahrhunderts in einem Jungen-Internat. Ein sehr strenger, durchkomponierter und auf verstörende Weise schöner Film über die Grausamkeit des Menschen. Würde tatsächlich jemand aufbegehren im Angesicht des Bösen? Volker Schlöndorff nahm sich dem Roman von Robert Musil an mit grossem Verständnis für die Zeit und das Leben im Internat. Törless (Matthieu Carriere), ein sensibler Schüler, beobachtet seine Kameraden Beineberg und Reiting, wie sie einen vierten Mitschüler, Basini, quälen, ja foltern. Basini taugt nicht viel, ein Angeber und Lügner - vor allem auch ein Masochist. Jedenfalls erwischten sie ihn dabei, wie er Geld klaut. Grund genug, ihn zu foltern? Ganz langsam wird Törless Teil dessen, indem er zusieht. Er versucht, dem dieb zu helfen, aber erfolglos. Schliesslich ist es Törless selbst, der das Internat entlassen muss. Schlöndorff hat seinen Film in einem dämmrigen Schwarzweiss gefilmt, selbst, wenn die Sonne scheint, wirft sie keinen Schatten. Irgendwie entspricht dieses Dämmerlicht dem jungen Törless, der sich selbst noch nicht kennt. Schlöndorffs Film ist sehr literarisch, kennt seine Zeit so gut, dass es wie eine Aussage über des Deutschen National-Charakters wirkt. Problematisch für mich: Carriere als Törless erscheint etwas farblos in seinem Spiel. Er wirkt etwas zu zurückhaltend, im Gegensatz zu seinen Freunden. Insgesamt ist Törless kein sensationsgieriger Film, obwohl er das Thema Gewalt behandelt. Eher ein "seriöses", ein gutes Werk!

FILM LIST: Japanese Movies 80s

apanese Movies

80s

Die Grossen der 50er (Kurosawa) arbeiten noch genauso wie die Wilden der 60er (Oshima). Prägend für die 80er aber sind die Comic Charaktere von "Beat" Takeshi Kitano oder dem Surrealisten Tsukamoto! (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 11.2.17)

youtube: Josef Hader - Der Knochenmann

youtube: Der Knochenmann (germ. only). Wird Josef Hader die diesjährige Berlinale gewinnen? Deshalb zeigen wir Haders Knochenmann! - Alles wäre nicht passiert, wenn es die Liebe nicht gäbe"; heisst es im Prolog vom dritten Brenner (Josef Hader) Film. Ein Liebesfilm? Eine surrealistische Krimi-Groteske? Ein Anti-Heimatfilm? Zum dritten Mal tritt Josef Hader als Simon Brenner auf. Früher war er Polizist, doch wegen der "negativen Energien", die der Job so mit sich bringt, ist er es heute nicht mehr. Stattdessen arbeitet er für einen Autohändler und nimmt allein erziehenden Müttern den Wagen weg, wenn sie mit den Raten in Verzug kommen. Für den Autohändler soll Brenner die Leasingraten eines Künstlers in der Steiermark eintreiben. Der letzte Auftrag, denn eigentlich will Brenner nicht mehr. Brenner findet das gesuchte Auto vor dem Wirtshaus Löschenköhl - nicht aber den Künstler Hovarth. Der Wirt Löschenköhl (Josef Bierbichler, der ja eigentlich einen falschen Dialekt spricht) aber erklärt Brenner den Unterschied zwischen einem Wirts- und einem Gasthaus: Der bezieht sich darauf, ob der Wirt oder der Gast König ist. Überhaupt hat Löschenköhl für alles Störende einen passenden Aufbewahrungsort: Den Kühlraum seiner Schlachterei. Brenner ist kein klassischer Detektiv. Er sucht nicht intensiv nach Hovarth, dem Künstler, sondern bleibt einfach hängen. Brenner ist vielmehr (Psycho-)analytiker als Ermittler. Trotzdem stösst er auf Ungereimtheiten und immer aber scheint es so, als würden sich seine "Fälle" sowieso von selbst aufklären. Löschenköhl ist der Patriarch. Um ihn herum; Kellnerinnen, Prostituierte, Zuhälter und ein Sohn, der ihn überwacht. Dann ist das noch die Frau des Sohnes (gespielt von Birgit Minichmayr), die täglich hunderte von Hähnchen zerlegt. Blass und ausgemergelt, eine Keller-Existenz, deren Schönheit nur einer wie Brenner zu erkennen vermag. Die Leichenhalle der Hähnchen spielt ein zentrales Element in Der Knochenmann, denn die Knochen der Tiere werden zu Mehl verarbeitet, um wieder verfüttert zu werden. Eines Kette Das Quietschen der Knochenmaschine wird in einigen Nächten noch lauter sein als gewöhnlich... Brenner, der Analytiker, bringt allen Details die gleiche (gering anmutende) Aufmerksamkeit entgegen und stösst so auf Dinge, die unser Bewusstsein und Unterbewusstsein beschäftigen. Der Knochenmann nimmt seine konventionelle Geschichte im Kern ernst, baut um den Krimi aber eben jene Details auf, die einen Brenner Fall ausmachen. Kann man nach so einem Film überhaupt noch ein Hähnchen im Restaurant essen?

youtube: Ingmar Bergman - The Virgin Spring (multi subt.)

 Man stelle sich vor, man müsste während der frühen 60er in Deutschland leben. Überall in Europa und sogar den USA tobt die Bergmania. Ingmar Bergman gewann drei Mal in Folge Cannes! Niemand bekam wohl mehr Preise auf A-Festivals verliehen! In Deutschland aber bleibt Bergman ein Fall für die "Kunstkinos". Dann kommt The Virgin Spring ins Kino. Wir sehen die Jungfrau, gewandet in Seide, wie sie durch den nordischen Wald reitet. Zwei abgerissene Gestalten packen sie, reissen sie zu Boden und vergewaltigen sie. Die Kamera hält drauf, minutenlang. Laut dringt das Keuchen aus den Lautsprechern. Das Publikum ist angewidert, fasziniert, nachdenklich. Bergman, der Dämon des Kinos, mit seiner hochgewachsenen, knöchernen Gestalt, seinem schmalen Schädel. Doch während einer Münchener Vorstellung dringen deutsche Beamte ins Kino ein und beschlagnahmen den Film. Sechzehn Meter werden herausgeschnitten, da dieses Werk unerträglich und "sexuell aneizend" sei. Die katholische Filmkommission, bis heute zuständig für das, was auf die Leinwand darf, findet Bergmans Werk "abstossend". Während The Virgin Spring in München zensiert wird, schnellen in anderen deutschen Städten die Zuschauerzahlen in die Höhe. Jetzt erst hatte Bergman auch in Deutschland ein grosses Publikum erreicht (der katholischen Filmkommission sei Dank!). Wochenlang lief er nun in den Premierenkinos von Berlin und Hamburg. Im Alleingang war Bergman für die Renaissance des schwedischen Films zuständig und wie nur wenige Autoren, stand er für originäres Kino. Alles machte er allein, Drehbuch, Regie, Schnitt, meistens mit denselben Schauspielern und lächerlich geringen Budgets. Bei ihm war das Leben im schwedischen Wohlfahrtsstaat pathologisch. Bergman, der Psychoanalytiker des Kinos. Übrigens: The Virgin Spring darf auch als erster "Rape & Revenge" Film in die Geschichte eingehen. Ein Schocker, der nichts von seinem Schrecken verloren hat!

youtube: Federico Fellini - 8 1/2 (engl. subt.)

youtube: Federico Fellini - 8 1/2 (engl. subt.). Sie dreht noch; Claudia Cardinale, Jahrgang 1938. Der Unterschied zu so vielen Busenstars der 50er: Sie trat in gleich mehreren der besten Filme aller Zeiten auf! So wie 8 1/2! - Viele sehen das in etwa so: Die Karriere von Fellini verlief ungünstig, denn stetig sinkend. Während jeder das Frühwerk liebt, wird spätestens seit den frühen 60ern gemeckert. Und 8 1/2? Man hat Fellini vorgeworfen, er würde seine Bilder über Ideen stellen. Wohlbemerkt: Mein Vater erzählte mir, man nahm das in den frühen 60ern so war. Doch was für eine absurde Kritik! Ist es nicht die Natur des Filmemachens, auf Bilder zu setzen (sonst könnte man ein Buch lesen!). Wer 8 1/2 zum ersten Mal sieht, wird sich anschliessend gar nicht so sicher sein, WAS er da gerade angeschaut hat. Doch bei welchem wirklich grossen Film ist das anders? Für mich jedenfalls, ists der beste Film, der je über das Filmemachen inszeniert wurde. Im Mittelpunkt steht der Regisseur Guido (Marcello Mastroianni), der wohl Fellini repräsentieren könnte. Tatsächlich? Wir lernen Guido kennen, wie er zu ersticken droht. In einem fabelhaften Bild entsteigt er dann gen Himmel. Wie ein Papier-Drachen an einer Schnur. Wie jeder andere Arbeitnehmer aber wird er zurückgezogen auf die Erde. Schliesslich muss Guido seinen nächsten Film fertigstellen! Eine Science Fiction Produktion, an der er jedes Interesse verloren hat. Immer wieder schwankt 8 1/2 zwischen Fantasie und Realismus. Unmöglich zu wissen, was wirklich ist und was nur in Guidos Kopf stattfindet! Oder gibt es etwa doch einen Punkt, an dem Guido sich gänzlich in die Welt der Fantasie verabschiedet? Szenen wie die, in der Guido den Vorsteher eines Harems darstellt mit allen Frauen, die in seinem Leben eine Rolle spielten, dürfen wir als Welt der Imagination annehmen. Andere erscheinen uns als Erinnerung, etwa, wenn wir Guido als kleinen Jungen erleben, der am Strand nach der Prostituierten Saraghina sucht. Oder wenn Guido von den Priestern der katholischen Schule gepeinigt wird. All diese Bilder verbindet Fellini zu einem Ganzen mit kunstvoller Struktur. Sicher, 8 1/2 handelt von einem Regisseur, der keinen Plan hat, wie er seinen Film vollenden soll. Das aber trifft auf Fellini überhaupt nicht zu! Das hier ist kein Film, dem die Ideen ausgehen! Im Gegenteil, es ist ein Werk, dass fast überbordet vor Inspiration! Guido selbst ist dadurch gezeichnet, wie er Problemen aus dem Weg geht, lügt und voller sexueller Gier ist. Seine Frau (Anouk Aimee) ist schön und intellektuell. Mit ihr aber kann er nicht kommunizieren. Stattdessen trifft er seine billige Geliebte (Sandra Milo), die immerhin seinen sexuellen Appetit lindert. Guido verbirgt seine Affäre nur äusserst ungeschickt. Während seiner Filmvorführung sind sogar beide Frauen im selben Raum - dazu noch die Schauspielerin Claudia (Claudia Cardinale), die hofft oder glaubt, in seinem Film aufzutreten. Es gibt keinen Frieden für Guido. Verzweifelt sucht er nach Rat, immer wieder taucht er ein in die Vergangenheit. Weiss die Kirche mehr? Oder der Kritiker, ein Marxist? Oder der Doktor, der ihm rät, Mineralwasser zu trinken. Guidos Produzent aber hält ihn an, endlich das enorm kostspielige Projekt zu vollenden. Immer wieder erscheint Guido seine ideale Frau, verkörpert von Claudia Cardinale: Schön, tröstend, kühl, gelassen, heiter. Diese Vision aber muss ihn enttäuschen, in dem Moment, da Cardinale schliesslich erscheint. Sie kennt alle Antworten und stellt keine Fragen? Im Gegenteil! Claudia spricht aus, wie es um Guido bestellt ist. Er, der nicht lieben kann. Immer wieder entzückt uns Fellinis Kamera! Seine Schauspieler, sie gehen nicht, sondern tänzeln! Am liebsten sind Fellini Paraden und sicher erinnert er sich dabei an seine Kindheitsliebe, den Zirkus. Alle Charaktere, Fellinis geliebten Exzentriker, treten gemeinsam auf, folgen der Musik. Was für ein Finale! Immer und immer wieder habe ich 8 1/2 gesehen, weil ich das Ende so sehr liebe! Fellini schafft das Unmögliche: Er ist ein Magier, der uns einfach seine Tricks verrät - doch sie funktionieren trotzdem!

Berlinale 2017

Berlinale 2017

Der grösste Name der diesjährigen Berlinale: Paul Verhoeven, ewiger Provokateuer, Regisseur von Showgirls oder zuletzt Elle. Ein Genre Spezialist, in seiner frühen niederländischen Phase aber auch ein Liebhaber der offenen Form. Wer tritt an? Hong Sang-soo, Sally Potter, Josef Hader, Thomas Arslan oder Altmeister wie Aki Kaurismäki und sogar Volker Schlöndorff. In den letzten Jahre musste die Berlinale Kritik einstecken, zu sehr auf Bewährtes zu setzen. Das ist diesmal nicht anders, liest man das Programm. Auf gehts, Paul Verhoeven! Überrasche uns so wie mit jedem deiner Filme! Und wer gewinnt? Unser Tip: Josef Haders Komödie Wilde Maus solls sein!

youtube: Luchino Visconti - Il Gattopardo (engl. subt.)

youtube: Luchino Visconti - Ill Gattopardo (engl. subt.). Giuseppe Tomasi di Lampedusa, ein sizilianischer Aristokrat, schrieb sich die Geschichte eines alternden sizilianischen Adeligen (wohl nach dem Vorbild seines Grossvaters) vom Herzen. Nur einer kam später in Frage, dieses Epos zu verfilmen: Luchino Visconti, seines Zeichens sizilianischer Adeliger. Die Hauptbesetzung, die heute genauso alternativlos scheint, war 1963 allerdings ein Skandal: Warum durfte Hollywood Star Burt Lancaster Don Fabrizio, den Fürsten von Sizilien, spielen? Man raunte, ohne Lancaster wäre dieses Projekt nicht finanzierbar gewesen. Schliesslich erfolgte die Premiere von Il Gattopardo in einer um 40 Minuten gekürzten Fassung in Amerika - englisch synchronisiert! Welcher Teufel ritt Visconti da wohl? Als wir die Filmkunstbar Fitzcarraldo eröffneten, kam man an keine gepflegte DVD des Films heran. Seit der europäischen Premiere 1963 wurde das Werk eher stiefmütterlich behandelt. Ich zog während der 80er durch die West-Berliner Videotheken und suchte. Im Videodrom gabs schliesslich eine ordentliche Fassung. Dann die Sensation: Eine deutsche VÖ mit den geschnittenen 40 Minuten! Genau die könnt ihr heute bei uns für einen Euro leihen. Wer Il Gattopardo wiedersieht, bewundert vor allem Burt Lancaster. Ein Hollywood Star, der bereits "Indie" Filme machte, bevor es den Begriff überhaupt gab! Er spielt den Fürsten, der einen Lebensstil tief und innig liebt, der seinem Ende zugeht. Sein Don Fabrizio ist ein natürlicher Patriarch. Seine Autorität wurde ihm mit in die Wiege gelegt. Natürlich ist er sich seines Alters und auch gewisser amoralischer Tendenzen bewusst. Wir erleben ihn während eines philosophischen Gesprächs mit seinem Freund, dem Pater Pirrone. Fabrizio erklärt dem Kirchenmann, wie er in Zukunft Kompromisse eingehen muss, um das Wohl, den Stand seiner Sippe zu halten. Genau wie der Roman beginnt auch der Film während eines Familien-Gebets. Plötzlich findet man einen toten Soldaten draussen im Garten. Garribaldis Revolution hat vom italienischen Festland auf Sizilien übergegriffen. Die Tage der alten Ordnung, sie sind gezählt. Die Frau Don Fabrizios heisst Maria Stella und es ist offensichtlich, dass in ihrem Leben der eigene Status mehr zählt als ihre Person. Beide haben drei Töchter von mässiger Schönheit und einen nutzlosen Sohn. Don Fabrizios ganzer Stolz gilt deshalb seinem charmanten Neffen Tancredi (Alain Delon). Nur er wird die Sippe in eine verheissungsvolle Zukunft überführen. Tancredi ist ein Hitzkopf, der sich Garribaldi anschloss. Natürlich ist er kein Revolutionär, sondern Realist, der letzten Endes in der königlichen Armee Victor Emmanuels uniformiert sein wird. Don Fabrizio weiss genauso um die Zeitenwende, vor allem um die kommende Landreform. Er glaubt, dass es Zeit ist für seine Familie, eine vorteilhafte Heirat zu arrangieren. Während seiner sommerlichen Jagdpartien hört er von Don Calogero (Paolo Stoppa), der zu Reichtum durch kluge Investitionen kam. Er lädt Don Calogero zum Dinner ein, woraus Visconti eine scharf beobachtete Gesellschaftskomödie werden lässt. Der neureiche, plumpe und abgrundtief hässliche Geschäftsmann, der glaubt, Geld verliehe ihm Status, trifft auf den alten Adel. Visconti deutet vieles an, verliert sich jedoch nicht darin, zu sehr zuzuspitzen. Wir schmunzeln, wahren die Perspektive Don Fabrizios. Don Calogeros Frau erscheint nicht, da nicht repräsentativ, wohl aber seine wunderschöne Tochter Angela (Claudia Cardinale). Cardinale auf dem Gipfel ihrer Schönheit! Natürlich verstehen wir, weshalb Tancredi sich sofort verliebt. Don Fabrizio seinerseits ist bezaubert und so darf es zur arrangierten Ehe kommen zwischen Tancredi und Angela. Jeder andere Regisseur hätte daraus eine Seifenoper gemacht, nicht aber Visconti. Im Vordergrund steht die Sorge Fabrizios, in Zukunft ein weniger standesgemässes Leben führen zu können. Natürlich verstehen wir, dass der Adel die arbeitende Klasse ausbeutete (Visconti, ein Marxist, wusste das genauso!). Der Fürst aber ist ein so guter und stolzer Mann, der sich seiner Schwächen so deutlich bewusst ist und eine solche Liebe zum traditionellen Leben hegt - wie könnten wir ihn verurteilen? Die Sorgen, die seine Kompromisse bewegen, wir teilen sie! Da ist aber noch etwas anderes: Der Fürst ist ein Alpha-Tier, geboren, um zu führen. Weibliche Schönheit berührt ihn (obwohl er auch die Kritik der Kirche an seinem dekadentem Sein versucht, anzunehmen). Angelas Schönheit fasziniert ihn - genauso wie seinen Neffen Tancredi. Visconti kann ihm allerdings nicht erlauben, sein Entzücken in gesalbten Reden auszudrücken. Fabrizio drückt es einzig in Blicken und Gesten aus. Immerhin, der Fürst war bereits 45 Jahre alt - um 1860 zu alt, um seine Gefühle in Worte zu fassen. Il Gattopardo mündet in einer 40minütigen Ball-Szene. Ich denke, in der Geschichte des Kinos wurde die menschliche Sterblichkeit nie wieder so faszinierend gezeigt! Alles, was im Film vorkommt, wird in dieser Szene noch einmal verdichtet - und dafür sind keine Dialoge notwendig. Visconto kann darauf verzichten, irgendetwas zu verbalisieren - er lässt seine prachtvollen Bilder sprechen. Dieser Ball dokumentiert den Untergang des goldenen Zeitalters. Wir sehen es in den Gesichern der alten herrschenden Klasse Siziliens: Ihre Zeit ist gekommen. Sie sind nunmehr Geschichte. Während die Jungen unermüdlich tanzen, sehen die Alten zu, wie sich die Romanzen und Liaisons der Zukunft zusammen finden. Der Fürst schreitet wie ein Schatten durch die einzelnen Räume, isoliert vom bunten Treiben. Seine Gedanken, seine Leidenschaften, seine Trauer - wir sehen sie in Lancasters Gesicht. Bis zu der Szene, da wir unmittelbar teilhaben! Am Ende schenkt uns Visconti einer dieser Szenen, wegen der wir überhaupt ins Kino gehen! Wir haben den Fürsten, seine Persönlichkeit und Überzeugungen kennengelernt, und werden nun unverhofft in sein Gefühlsleben geworfen! Im besten Fall verleiht uns das Kino die Illusion, jemand anderen Lebens gelebt zu haben. Genau das geschieht am Ende von Il Gattopardo.

youtube: Woody Allen - Match Point

  youtube: Woody Allen - Match Point. Woody Allen dreht derzeit mit Kate Winslet. Doch wird sein Projekt die Klasse von Match Point erreichen? Den zeigen wir heute. - Einer der Gründe, weshalb Match Point von Woody allen so faszinierend ist, ist die Tatsache, dass jeder einzelne Charakter im Film verdorben ist. Das hier ist kein Thriller, in dem das Gute über das Böse siegt, sondern verschiedene Nuancen des Bösen auftreten. Sie alle befinden sich im Überlebenskampf, auf dass der Härteste gewinnt (oder wie uns Regisseur Allen nahebringen will; derjenige mit dem meisten Glück). "I'd rather be lucky than good"; sagt der ehrgeizige Tennislehrer Chris aus Irland. Genauso wie der Tennisball, der am Netz aufprallt und anschliessend nach rechts oder links springt. Willkommen in Allens Welt, denn in der gibt es nur Glück oder Pech. Match Point ist Allens bester Film seit "Crimes and Misdemeanors" (1989) und im Grunde fast ein Remake. Auf der einen Seite eine britische Upper Class Familie, auf der anderen zwei Aussenseiter, die den Aufstieg durch ihr Sex-Appeal versuchen. Ihr Pech, dass sie sich beide anziehender finden als die Zielpersonen aus der Familie. Jonathan Rhys-Meyers spielt Chris. Er gibt dem reichen Tom (Matthew Goode) Tennis-Stunden und wird wiederum von dessen Familie in die Oper eingeladen. Chloe (Emily Mortimer), Toms Schwester, fühlt sich angezogen von Chris. Der wiederum spürt ihr heisses Verlangen nach ihm - diese Dinge muss man Chris nicht erklären. Toms Freundin wiederum heisst Nola (Scarlett Johansson), eine amerikanische Schauspielerin. Sie hofft darauf, Schauspiel-Jobs zu bekommen und Toms Frau zu werden. Die Reihenfolge ist ganz egal. Chloe will Chris. Ihre Eltern unterstützen sie. Sie wollen das Beste für Chloe. Chloes Vater bietet Chris sogar einen Job in seiner Firma an. Ein Stoff wie wir ihn aus den englischen Klassikern der Literatur kennen: Ein Mann so wie Chris, der sich in eine Frau wie Nola verliebt, sich eine Heirat mit ihr aber nicht leisten kann. Chloe dagegen bedeutet eine Zukunft für Chris. Unter der Oberfläche lauern Gier und Selbstsucht. Allen stellt seine Charaktere vor die Wahl: Gier oder Lust? Es gibt aber noch ein weiteres Moment: Angst spielt eine genauso grosse Rolle... Wäre Match Point in einem moralischen Universum angesiedelt, müsste Schuld das wesentliche Kriterium sein. Hier aber gehts nur um die Angst, beides zu verlieren: Die Befriedigung der Gier als auch der Lust. In der besten Szene des Films erscheint Chris ein Geist. Anders als in den englischen Klassikern stellt der aber nicht die grossen Fragen des Lebens, sondern sucht einzig nach Löchern in Chris' perfekten Verbrechen. Oft hat mn gelesen, Match Point sei kein typischer Woody Allen Film. Vermutlich resultiert das daraus, dass keine typische Woody Allen Figur auftritt. Kein Alter Ego. Stattdessen werden wir mit einem hinterhältigem Plot konfrontiert und Charakteren, mit denen wir uns nicht identifizieren mögen. Allens Figuren sind spezialisiert aufs Verführen, Lügen, Täuschen und Schlimmeres. In einer frühen Szene liest Chris in Dostojewskis Schuld und Sühne. Im folgenden geraten wir immer tiefer in den Strudel der Gedanken, die Dostojewskis Roman aufwirft. Der Plot und die daraus resultierenden Verstrickungen aber sind Allen viel wichtiger als seine Figuren, die er eben auf Lug und Trug reduziert. Übrigens: Alle Charaktere, allen voran Scarlett Johannssons Nola, sind auf sich allein gestellt vollkommen hilflos. "Men think I may be something special"; erklärt Nola Chris. Da liegt sie ganz falsch.

youtube: Klappe Cowboy

 youtube: Klappe Cowboy. Was macht Timo Jacobs so? Er verfeinert seine Figur "Cowboy" und dreht Filme! Hier sein erster. - Wann ist ein Film eigentlich "No-Budget" und wann "Low-Budget"? Ich schätze, Klappe Cowboy von Timo Jacobs fällt unter ersteres. Jacobs hat alles selbst gemacht. Regie, Hauptdarstellerei, Drehbuch, Produktion. Im Grunde ist er auch der Verleiher. Irgendwann fragte er mich im Mc Fit, ob ich eigentlich Ahnung hätte vom Verleihen? Natürlich nicht. Ich kann nur mehr Filme glotzen als andere. Letztlich fand er seinen DVD Distributor: Cultmovies. Cowboy ist auch Regisseur, so wie Jacobs. Anders als Cowboy glaubt, ist er allerdings kein Genius. Ziemlich schnell finden das auch seine Freunde heraus. Ich würde Cowboy als Verpeiler bezeichnen. Wir wissen, dass er seinen ersten Film nicht stemmen wird, dafür aber alles andere passieren kann. Jacobs kennt so gut wie jeden in seinem (filmischen) Umfeld und deshalb darf Klappe Cowboy auch als Persiflage auf die Berliner Filmszene gelten. Eine liebevolle, denn ich mochte seinen Alter Ego genauso wie die anderen Figuren. Übrigens: Jacobs zweiter Cowboy Film ist noch besser geworden als dieser erste! Wir erleben also jemanden, der sich entwickelt!

youtube: Tom Lass - Kaptn Oskar

Kaptn Oskar ist wild und spontan und auch ziemlich sexy! Coole Typen, die viel trinken und immer rauchen, plus schöne Frauen - das wirkt! Oskar hat eine Ex, die im Wahn seine Wohnung anzündete und ihm das pralle Leben bietet. Zuviel! Mit seiner Neuen will er deshalb nicht schlafen, denn das ruiniert die schöne Zweisamkeit. So weit, so gut, denn vor allem gehts hier um Atmsphäre, um Sehnsucht und Leidenschaft! All das bietet diese Mumblecore Produktion mit grösstenteils improvisierten Dialogen und garantiert keiner Drehgenehmigung. Es nouvelle vagued sehr im Berliner Off Kino! "LÄUFT BEI MIR SEIT TAGEN VOR VOLLEM HAUS IM KOPF"; schreibt K.Lemke.

FILM LIST: German Indie Movies

German Indie Movies

Ziemlich oft bekommen wir von der Filmkunstbar Fitzcarraldo Anfragen, ob man mal einen Film bei uns drehen könnte. Das hört sich einfach an, ists letztlich aber so gut wie nie. Gegenfrage: Was für einen Film? Ich mag keine Filmakademien und keine Filmförderung (bzw. die Vorbereitung darauf, staatliches Geld "künstlerisch" zu investieren = Studium). Unsere Videothek bleibt auch "ungefördert", seit wir die alte Oma im Büro der FFA fragten, ob auch Hardcore gefördert würde. Wir verdienen unser Geld lieber als Alkohol Dealer. Spass machts, wenn Klaus Lemke mit minimalen Stab was dreht. Nichts darf dann bewegt werden, jeder volle Ascher bleibt an seinem Platz. Ich mag die Cowboy Filme von Timo Jacobs (bestimmt der Einzige, der jeden im Umkreis von 5 Kilometern kennt). Philipp Eichholtz und die Mitstreiter des "German Mumblecore" genauso: Hier spürt man den Mut des Pioniers! Deutsche Genrefilme ohne Budget? Selbstgebaute Puppen, die 15 Jahre in Anspruch nehmen? Das ist das deutsche Kino, das mich interessiert! Was ist also deutsch und "indie"? In jedem Fall der Verzicht auf Fördergelder. Indie bedeutet "No Budget". Der Filmemacher muss alles können, vom Drehbuch bis zur Vermarktung. Ironie des Schicksals, dass in einem so reichen Land "Indie"-Regisseure ständig bettelarm sind. Am bekanntesten derzeit die Berliner Mumblecore Filmemacher: Für die Produktion von Luca tanzt leise versammelten sich zum Dreh in der Filmkunstbar Fitzcarraldo Regisseur Philipp Eichholtz, Axel Ranisch und Tom Lass für kurze Auftritte im Werk ihres Kumpels. Axel Ranisch brachte mit Dicke Mädchen da etwas ins Laufen, dass sogar bis zum Slamdance Filmfestival vordrang. Tom Lass (Kaptn Oskar) ist ein Meister der Selbstvermarktung. Einer, der sich am liebsten als Alkoholiker inszeniert und so etwas wie den Kreuzberger Jean-Luc Godard gibt (auch als Freund des Wolff Kinos in Neukölln dabei). Sein Bruder, Jakob Lass, hat Love Steaks gemacht - ein Mumblecore Höhepunkt! Toll ist die Geschichte vom Nachtmahr. Der Bildhauer AKIZ entwarf seine titelgebende Skulptur über 15 Jahre und liess sie dann eine Berliner Party Göre heimsuchen. AKIZ investierte alles in seinen Nachtmahr und lebte übergangsweise auch mal im Wohnwagen (schaut euch mal das Making Of an, Der Nachtmahr und wie er in die Welt kam). Kaum bemerkt sind deutsche Filme, die eben nicht irgendwo zwischen Drama und Komödie lavieren, sondern Genre sein wollen. Vorbilder: Die Splatterfilme eines Jörg Buttgereit in den 80ern. Letztens bekamen wir Geeks von Cinegeek eine email mit der Bitte, mal die alljährliche "Genrenale" im Babylon zu posten. Klar, dafür gibts noch eine extra Film List! Die Genrenale findet immer im Babylon statt, der Trailer zeigt einen Bären, dem mit einer Kettensäge der Kopf abgetrennt wird. Science Fiction, Thriller, Action, Fantasy, Horror! Das gibts praktisch nicht, sagen die Macher. Das wollen sie ändern. Till Kleinerts Der Samurai handelt von einem schwertmordenden Polizisten in Brandenburg und darf als einer der ersten Langfilme gelten. Tini Tüllmanns Freddy Eddy ist eine Dr. Jekyll & Mr. Hyde Adaption - finanziert aus eigener Tasche. Der Preis der Genrenale wird von keinem Geringeren als Dr. Uwe Boll überreicht! Ja, das Enfant Terrible der unsagbar schlechten Game Verfilmungen! Boll, der sich mittlerweile als Restaurant-Betreiber zur Ruhe gesetzt hat, erhielt auch schon mal die Goldene Himbeere für sein Gesamtwerk. Labels, wie damals die "Berliner Schule" sind immer von Vorteil, will man sich zusammentun. Die "Neue Deutsche Sinnlichkeit" ist so eins. Wer kennt Schau mich nicht so an von Uisenma Borchu? Immerhin "The Face Of The New German Cinema" (golden-globes.com). Wir erleben auch den Vormarsch der Hybride. Geschöpfe aus Dokumentarischem und Fiktivem wie Nicolas Steiners Above And Below oder Bastian Günthers California City. Ein guter Bereich auch die politischen Indie Filme, die sich am liebsten gegen das deutsche Filmsystem richten. In Andreas Arnstedts Satire Der Kuckuck und der Esel wird der Redakteur eines deutsches "öffentlich rechtlichen" Senders entführt. Eine einzige Abrechnung: Verfluchte Liebe deutscher Film, die Doku von Dominik Graf. Graf, das bekannteste gebrannte Kind des deutschen Genrefilms, zeigt auf amüsante Weise, was alles so schief lief in der Vergangenheit. Eine Sparte an sich füllt Klaus Lemke ganz allein aus. Er ist der Godfather des deutschen Indiefilms. Omnipräsent via sms (er schreibt in Sponti Sprache. Zum Beispiel: "Bombe! Klaus), stellt er seine neusten Werke selbst vor. Als ich letztes Mal nach München fuhr, empfahl er mir eine einheimische Bar, in der ich mit Abstand der Älteste war. Lemkes Debüt 48 Stunden bis Acapulco (dringender Aufruf: Wir brauchen davon eine Kopie für die Filmkunstbar Fitzcarraldo! Bitte einen DVd Rohling schicken!) liegt immerhin genau 50 Jahre zurück! 1967 gab es Lemke noch vor dem "Neuen Deutschen Film", den er nicht mochte, weil sich dort alles um Anträge für Staatskohle drehte. In diesen 50 Jahren seit Acapulco entdeckte er Iris Berben oder Cleo Kretschmer. Zuletzt Olivia Kundisch für Unterwäschelügen. Drei Filme nacheinander inszenierte er nun in Berlin, obwohl er die Stadt zuvor ablehnte. Aber sind wir nicht alle zu alt für den Kulturkampf Berlins gegen München? Lemke ist das Idol vieler Indie Filmer (immerhin zeigte er der Berlinale seinen nackten Arsch!). Wer weiss, womöglich spielt Lemke auch mal selbst die Hauptrolle in einem seiner Filme? Die Kölner Gruppe im Umfeld des Filmclubs 813 produziert Sachen wie Die Quereinsteigerinnen über die Entführung des Telekom Chefs - mit Lemke als Schauspieler! Oder Weisse Ritter, eine gelungene Kapitalismus Parabel. Eine andere Ikone ist Helge Schneider in der Symbiose von Dada und Freejazz. Sein letzter Film hiess 00 Schneider - Im Wendekreis der Eidechse. Ein Abgesang auf Spannung, denn Schneider bevorzugt "Ent-Spannung". Ähnlich wirken Timo Jacobs Cowboy Filme. Bei ihm habe ich immer ein schlechtes Gewissen, weil er mal in der Filmkunstbar Fitzcarraldo bei dem Versuch, einen Kampf zu schlichten, ins Krankenhaus musste. Letztlich darf das als Method Acting in umgekehrter Form gesehen werden: Jacobs entspricht tatsächlich seiner Cowboy Rolle, die er zuletzt in Mann im Spagat verfeinerte. Cowboy, eine Kunstfigur, die in Kreuzberg Freischwingerwasser verkaufen will. Ihm zur Seite stehen Jan Böhmermanns Olli Schulz (die wiederum ihre tolle Show der übelsten Filme in der Friedrichshainer Filmkunst von Skulli produzieren). Deutsches Independent Kino, das gibts fast ausschliesslich auf Filmfestivals. Im Kino gehen sie meist unter, auf Festivals erreichen sie uns. Deshalb folgt als nächste Film List ein Überblick über die Genrenale! Oder ihr schaut mal in unserem Keller der Filmkunstbar Fitzcarraldo vorbei. Dort gibts die Sektion Berliner Mumblecore genauso wie einen guten Schnitt aus dem Werk Klaus Lemkes. (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 5.2.17) (Bild: http://berliner-filmfestivals.de/wp-content/uploads/Luca_tanzt_leise_achtung_berlin.jpg)