youtube stream: White Zombie

 Als Bela Lugosi seine erste grosse Rolle in Hollywood als Vampir übernahm, konnte er kaum Englisch sprechen. Eigentlich sollte ein anderer Schauspieler den "Dracula" verkörpern, doch der starb. So kam man auf den damals 49jährigen mysteriösen Ungarn mit dem stechenden Blick. Gerade einmal zehn Jahre hatte er in Hollywood gelebt und gearbeitet und immer noch mochte man meinen, dass Lugosi gerade erst anfing, Englisch zu sprechen. Man stelle sich den einsamen "Dracula" in seinem transylvanischen Schloss vor! Jahrhunderte hätte er Zeit gehabt zu lernen, doch vermutlich nur wenige Möglichkeiten, um auch zu praktizieren. In jeder Hinsicht war "Dracula" einer der erfolgreichsten und vor allem einflussreichsten Filme in der Geschichte Hollywoods. Es folgte die grosse Zeit der Monster Klassiker und White Zombie (1932) darf als allererster Zombiefilm der Geschichte gelten!(...)

youtube stream: Celeste And Jesse Forever

Das hier ist eine liebenswerte romantische Komödie über ein liebenswertes Paar: Celeste und Jesse. So liebenswert, dass sie natürlich gegen den Strom schwimmen! Beide sind seit langem verheiratet (seit sechs Jahren, demnach folgt nun das "verflixte siebte Jahr") und dadurch eines dieser Pärchen geworden, das von Freunden als EINS wahrgenommen wird. Dann aber entscheiden sie, dass Celeste im gemeinsamen Haus wohnen bleibt, während Jesse in sein Studio zieht. Beste Freunde wollen sie dennoch bleiben, so erzählen sie es jedem. Für mich sind das die traurigsten Sätze jeder Romanze! Deshalb fühlen sich auch die Freunde angegriffen von Celestes und Jesses Entscheidung. Ist doch normal: Die Beiden wurden erst in den Himmel gehoben, nun ist die Enttäuschung umso grösser! Nachdem die Heirat nicht funktionierte - was wird nun aus ihrem Leben? Bleiben sie zusammen, um ein Exempel zu statuieren? Celeste und Jesse werden von Rashida Jones und Andy Samberg verkörpert, die ein reizendes Paar abgeben (wer hätte das nach Sambergs Saturday Night Live Auftritten für möglich gehalten?). Beide wirken ganz und gar nicht wie hohlköpfige Püppchen einer typischen RomCom, sondern wie Menschen, deren Gefühle wir respektieren! Klar, Celeste und Jesse sind gegensätzliche Charaktere - doch Gegensätzliches zieht sich an! Schliesslich ists Celeste, die um die Scheidung bittet (Jesse würden wir einen solchen Schritt auch nicht zutrauen!). Sie ist der Typ WOW!, er Sssssss(...)

youtube stream: Once

Bei uns in der Videothek arbeitet ein Kollege aus Dublin, David, der könnte sofort in den Film Once einziehen und mitspielen! Nicht nur deshalb gehört Once zu meinen Lieblingen! Once ist eine dieser Produktionen, die ohne Geld, einfach mal eben so, abgedreht wurden. In nur sechzehn Tagen! Ein magisches Werk von Anfang bis Ende! Ein Film, bei dem man hofft, dass den Machern hoffentlich bewusst ist, was sie da Grossartiges schaffen! Hoffen, dass sie es bis zum Ende durchhalten! Once bleibt bis zum Finale phantastisch! Auch das Ende gefällt mir immer besser, je länger ich darüber nachdenke! Once spielt in Dublin, wo wir einem Strassenmusiker begegnen, der für Geld spielt (Glen Hansard). Gerade hat er die Aufmerksamkeit eines Mädchens (Marketa Irglova) auf sich gezogen. Sie liebt Musik und spielt selbst Klavier. Er würde sie gerne einmal spielen hören, doch sie besitzt kein eigenes Piano, weshalb sie einfach das aus einem Musikgeschäft benutzt. Während sie Mendelssohn spielt, haben wir uns in den Film verliebt und der Strassenmusiker sich in das Mädchen. Er sitzt einfach da und hört zu, während sie sich auch in ihn verliebt. Ich könnte den ganzen Film lang einfach nur weiter zuhören! Man spürt, was die Beiden für sensible und gute Charaktere sind und deshalb funktioniert Once. Die Beiden haben sich gefunden und irgendwie flirten sie auch - wobei ich das eher als Seelenverwandtschaft bezeichnen würde. Beide lieben Musik. Sie tun es wirklich und spielen sich das nicht nur vor, um interessanter zu wirken. Zwei Menschen, ganz wahrhaftig und unverstellt!(...)

youtube stream: Costa Cavras - Z

Es wäre viel einfacher für alle Beteiligten, wenn gewissen Dinge nicht noch einmal aufgearbeitet würden. Wenn alles so bliebe, wie angenommen. Dummerweise aber treten immer mehr Fakten ans Tageslicht und auf einmal wird aus einem "Unfall" ein Verbrechen... Z ist ein solcher Fall. Er behandelt das Attentat an einem griechischen Oppositionsführer während der 60er Jahre. Jede Nation durchlitt ein solches Trauma - erinnern wir uns an den Tod einer Journalistin in Malta vor wenigen Tagen. Z handelt deshalb auch nicht von Griechenland, sondern von unserer heutigen Zeit. Im Allgemeinen. Z handelt von der Korruption der politischen Klasse. Ein Werk, was dich aufrütteln wird und mit rasender Wut erfüllen! Für mich ist Z der beste Polit-Thriller aller Zeiten und mit Sicherheit auch der wichtigste! Die Geschichte klingt ganz simpel und basiert auf Fakten. 1963 starb Gregorios Lambrakis in einem Verkehrsunfall. Lambrakis war damals der griechische Oppositionsführer. Dann begann die Theorie des Unfalls zu wanken und man sah sich gezwungen, Nachforschungen anzustellen. Das Ergebnis: Lambrakis wurde von einer rechtsradikalen Organisation getötet. Involviert waren hohe Funktionäre der Armee und die Polizei. Vor Gericht verurteilt wurden die kleinen Handlanger, die den Mord ausführten im Auftrag ihrer Hintermänner als auch die Drahtzieher. Ein Happy Ending? Mitnichten, denn die Geschichte von Z endet an dieser Stelle keineswegs. 1967 erlebt Griechenland einen Militärputsch und in Folge dessen, rehabilitierte man die Mörder. Diejenigen, die den Mord zuvor aufgeklärt hatten dagegen, wurden zu "Verbrechern". Ein klassischer Polit-Thriller? Nein! Der junge Costa-Gavras verband in Z einen politischen Aufschrei mit einem brillanten Suspense-Thriller. Seine Charaktere verändern sich während des Films, sind nicht mehr Täter, sondern VERTRETER eines Systems(...)

Unser täglicher YouTube stream: Guy Maddin . My Winnipeg

Gesetzt den Fall, du liebst Filme! Also du liebst Filme aus tiefster Seele und von ganzem Herzen! - Dann ist der Kanadier Guy Maddin was für dich. Falls du noch nie von ihm gehört hast, wundert es mich nicht. Mein Partner Skulli brachte mich damals auf den Geschmack, als er aufbrach, die Rechte für Maddins "Saddest Music In The World" zu kaufen. Von Maddin selbst, begossen mit ein paar Litern Rotwein! Fortan boten wir eine ganze Wand "Saddest Music" DVDs an und zum ersten Mal durfte sich der Kanadier so fühlen, als wäre er "Michael Bay". Aber er ist es nicht! Von Maddin haben nur diejenigen gehört, die nach Obskuritäten suchen. Es ist so, als wären wir angeschlossen in Guy Maddins Welt. In der Welt eines Geeks, der in den Bildern der Stummfilmzeit denkt. Frei von der Direktheit banaler Filme! Er filmt Geschichte nach und falls die ihm nicht passt, erfindet er sie eben neu. Fakt ist: Maddin filmt so wie in vergangenen Zeiten. Seine Schauspieler agieren melodramatisch, in Posen wie auf der Bühne. Die Schnitte setzt er hektisch. Die Geschichten, die er erzählt, beginnen vollkommen unglaubwürdig und enden im Bereich grösster anzunehmender Unwahrscheinlichkeit. Kurz: Maddin ist so wie kein zweiter Filmemacher! Nehmen wir mal My Winnipeg, eine "Dokumentation" über den "Mad poet of Manitoba", wie ein kanadisches Magazin ihn kürt. Maddin hat seine Heimatstadt nie verlassen - obschon, Winnipeg verliess ihn... Das, was sie einst ausmachte, die alten Sehenswürdigkeiten, die gibt's nicht mehr! Und wo sind die alten Sport Traditionen? Oder die tägliche lokale Soap "Ledge Man", die schon Maddins Mutter ansah? Jede Episode begann damit, dass ein Mann bereit war, zu springen und das Publikum - etwa Maddins Mutter - es ihm austreiben musste. Und das soll wahr sein? Nun, so wahr wie alles andere auch in My Winnipeg. Wer wollte schon die Fakten überprüfen und einem solch wundervollen Film misstrauen? Ich will glauben, dass es diese Typen gibt, die in gefrorene Flüsse springen und dort zu überwintern! Ich glaube daran, dass es Taxifahrer gibt, die Strassen anfahren, die wir auf keiner Karte finden werden! Und natürlich wurde Maddin selbst in der Winnipeg Arena geboren! Maddin wuchs auf in dieser Stadt, in welcher die Rate an Schlafwandlern zehn Mal höher ist als irgendwo sonst auf der Welt...

youtube stream: Doberman

Nach wie vor verleihen wir in unserer Videothek nur eine französische Kopie von Doberman. Das kommt daher, weil der Film fast ein Jahrzehnt lang von Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Medien (= Zensur) unter Verschluss gehalten wurde. Irgendwann wurde Doberman freigelassen und endlich dürfen wir Monica Bellucci und Vincent Cassel wieder geniessen, wie sie sich durch Paris schiessen. Die Handlung: Ein Verbrecherpaar vs. ein durchgeknallter Polizist. Gut und Böse gibts nicht. Nur verrückt und noch wahnsinniger(...)

youtube stream: Roger Corman - The Trip

 Möchtest du gerne eine Bar eröffnen? Geht ganz leicht. Klicke einfach auf den link unten, baue alles nach, was du in Roger Cormans The Trip siehst und kaufe dann noch etwas Alkohol. Fertig. Der Film selbst geht so: Junge schluckt Pillen und trifft den Tod. Der Junge, das ist ein TV Regisseur (Peter Fonda), der sich gerade in Trennung von einer heissen Biene (im Versuch eines 60er Slangs), ganz in Pink (Susan Strasberg) befindet. Dann tritt auf, der "Guide" (Bruce Dern). Los gehts, auf zur Hippie Bude vom Dealer (Dennis Hopper)(...)

youtube stream: Class Of 1984

 Filme wieder dieser erwischen dich und du liebst sie! Oder sie lassen dich einfach kalt. Ich hatte Class Of 1984 zunächst als VHS angeschafft für unsere Videothek. Natürlich auf deutsch. Angesichts des Covers erwartete ich nichts mehr als einen echten Dödelfilm. Zwei Stunden später war ich dann aber richtig benommen und überwältigt! Wahrscheinlich ist Class Of 1984 kein wirklich grosser Film, doch er funktioniert ganz leise und effizient. Er ist gewalttätig, witzig, manchmal ein bisschen furchteinflössend und bietet präzise beobachtete Charaktere an. Nicht zuletzt bietet uns Class Of 1984 auch sehr viel STYLE! Ist das nicht mehr, als wir von einem solchen Titel erwarten dürfen? Von wegen ausrangierte Videothekenware! Ich denke, hier waren Filmemacher am Werk, die genau wussten, was sie da taten. Wer sich erinnert,; als der Film 1982 erschien, hatte sich das Teenager-Genre längst totgelaufen. Slasher Filme mit Teenies oder Teenie-Komödien - wir hatten alles schon gesehen und waren gelangweilt. Mark L. Lester kümmert sich aber keineswegs um diese Flut an Teenie-Filmen aus Hollywood und bietet uns eine kanadische Alternative an. Perry King verkörpert den Musiklehrer an einer Art Rütli-Schule. Als er sein Klassenzimmer am ersten Tag betritt, steht ihm sein Gegner schon gegenüber: Stegman (Timothy Van Patten). Eine Art Mischung aus Punk-Rocker und Hell's Angel. Mit seiner Gang terrorisisert er die eine Hälfte der Schüler. Die andere Hälfte reagiert wie hypnotisiert auf sein Charisma(...)

youtube stream: Robert Bresson - Mouchette

Robert Bresson stand ganz allein - nicht nur im französischen Kino. Ein Gigant, den man verehrte und doch kaum imitierte. Nur eine Handvoll Filmemacher gibt es, deren Werke man anhand einzelner Bilder sofort erkennt: In jedem Fall gehört Bresson dazu! Er filmte wie kein Anderer. Am deutlichsten wird das, wenn du seine Schauspielerführung beobachtest. Wie zurückhaltend seine Schauspieler agieren! Fast so wie Models. Das Geschehen dreht sich stets darum, was die Protagonisten SAHEN, nicht um das, was sie TUN. Nicht das, was sie zeigen, sondern das, was sie verstecken, zählt. Was steckt da noch alles in einem Menschen, was wir nie vermutet hätten? Das zu vermitteln, stellte für Bressons Darsteller üpberhaupt kein Problem dar, weil er seine Figuren nie erklärte. Genauso wenig werden seine Plots oder die Motivation seiner Figuren verdeutlicht. Stattdessen führt Bresson vor, wie sie laufen oder sprechen. Dafür nimmt er sich Zeit. Minutenlang, was im Kino eine Ewigkeit ist. Emotionen werden in Bressons Kino vermieden. Scheinbar agieren seine Figuren, ohne dabei nachzudenken. Es scheint merkwürdig, doch genau durch diese Technik, wirken Bressons Werke mit so grosser Intensität, ja Leidenschaft! Das, was seine Charaktere NICHT zeigen, das verinnerlichen wir - das Publikum - umso mehr! Besonders schmerzhaft ist diese Erfahrung in Mouchette. Mouchette (Nadine Nortier), ein junges Mädchen, deren Mutter totkrank ist und der Vater säuft. Die Schule stellt auch keinen schützenden Raum dar für Mouchette. Dann wird sie Zeugin, wie der Förster einen Wilderer stellt. Im Rausch tötet der Wilderer den Förster und vergewaltigt das Mädchen... Ein zutiefst pessimistischer Film, in dem Bresson uns die Details von Moucettes Leidensweg nie erklärt. Wir spüren aber, wir sehr er mitleidet! Bresson glaubt nicht an eine theoretische Idee von "Gnade" oder "Gott" und selbst die Symbolik seiner Bilder ist nicht eindeutig(...)

youtube stream: Werner Herzog - Cobra Verde

Cobra Verde erzählt das Märchen vom Schnee. Zwei Männer blicken zum Mond und der verkrüppelte Euclides erklärt dem Banditen Cobra Verde, dass der Mond so weiss sei, wegen der Kälte dort oben. Cobra Verde fragt, ob es so etwas auch hier auf der Erde gebe. Euclides weist ihm den Weg nach Westen. Zehn Jahre zu Fuss, in die Berge, die bis in die Wolken reichen... So wird Cobra Verde ein echter Werner Herzog Charakter. Ein Mann, der einem unmöglichen Traum nachhängt. Kein Opernhaus in Manaus und kein Gegenreich im Dschungel, sondern, den Wunsch, Schnee zu finden. Für seinen Traum braucht er Macht. Deshalb fährt Cobra Verde von Brasilien nach Afrika, um Sklaven zu verkaufen. Für Geld wird er einen König stürzen, um schliesslich der einzige Weisse unter Schwarzen zu sein. Cobra Verde, der Schneemensch. Allein in der schwarzen Hölle. "Der Schnee, der Schnee..."; wird er immer wieder direkt in die Kamera raunen. Cobra Verde sollte ein Denkmal werden, dass Werner Herzog SEINEM Klaus Kinski errichtet. Seinem? Es wirkt, als hätte Herzog den Egomanen nicht mehr im Griff. Kinski gibt sich die Ehre, auch ein bisschen den Cobra Verde zu verkörpern. Unter anderem. Deshalb darf Cobra Verde als Werner Herzogs schlechtester Film gelten(...)

youtube stream: Margarethe von Trotta - Die bleierne Zeit

 Margarethe von Trotta hat das immer wieder verneint und doch nenne ich sie eine feministische Filmemacherin. Sie ist eine der grossen feministischen Autorenfilmerinnen des Kinos schlechthin! Ihre Werke erinnern uns unmittelbar (und sehr eindringlich) an die glorreiche Zeit der zweiten Welle des Feminismus. Am liebsten nähert sich von Trotta ihren Figuren und deren Zweifeln auf humanistische Weise an; sprich: Es ist der menschliche Fall, der sie fasziniert. Im Herzen des Films, die beiden Schwestern Juliane (Jutta Lampe) und Marianne (Barbara Sukowa) alias Christiane und Gudrun Ensslin. Vorneweg: Weder Stammeim, noch die RAF interessiert von Trottas Film dabei sonderlich. Die Angeklagten sind tot, die Anklagen bereits im Archiv. Das hier ist das Portrait zweier Schwestern. Juliane kann sich nicht damit abfinden, dass die Schwester Selbstmord verübt haben soll. Verzweifelt forscht sie nach der Wahrheit - als Konsequenz aus einer unzerstörbaren Schwestern-Beziehung. Juliane kann und will den Tod von Marianne nicht hinnehmen! Es ist eine genauso tiefe wie unmögliche Schwestern-Beziehung(...)

youtube stream: Federico Fellini - La Dolce Vita

 Wie das so ist mit den berühmtesten Filmen aller Zeiten: So viele Interpretationen ranken sich um die Klassiker! Wer kennt die von den sieben Todsünden, den sieben Hügeln Roms und den sieben Nächten in La Dolce Vita? Oder würdigt das Fellinis Film herab zu einem Kreuzworträtsel? La Dolce Vita ist eine Parabel. Eine Parabel über einen Mann ohne Eigenschaften. Einen Mann, der seine Mitte nie gefunden hat. Gedreht hat Fellini La Dolce Vita in der berühmten Via Veneto - der Strasse der Nachtclubs und Strassencafes. Die Strasse des vergänglichen Ruhms und der aufstrebenden Stars aus der zweiten Reihe. Der Held, Marcello, ist ein Klatschreporter. Er chronologisiert das süsse Leben. Gespielt wird Marcello von Marcello Mastroianni. Beide Marcellos verschmelzen zu einem schönen, erschöpften und verzweifelten Mann, der davon träumt, eines Tages auch einmal etwas Gutes zu bewirken. Leider aber ist er in seinem Leben gefangen. Im Leben der langen Nächte und einsamen Träume. Der Film folgt Marcello und bietet ganz nebenbei eine Extravaganz nach der anderen. Was für Bilder! Marcello wiederum folgt den Frauen und einer STORY. Sicher, zu Hause wartet die suizidale Verlobte (Magali Noel) - doch im Nachtclub trifft er eine wunderschöne Dame der Gesellschaft (Anouk Aimee), mit der er ein Bordell besichtigt. Wieder dämmert es. Der Dämmerung folgt die Nacht und wieder und wieder. Eine Reihe von Abstiegen und Aufstiegen. Hinunter in den Nachtclub, zu den Huren. Dann wieder hinauf in den St. Peters Dom oder die Wohnung des Intellektuellen: Steiner (Alain Cuny), dem Held des Films. Wie wundervoll ist die Eröffnungs-Szene, in der eine Christus Statue mit einem Hubschrauber nach Rom gebracht wird? Währenddessen finden die Fischer an der Küste ein Monster, einen riesigen Fisch. Die Statue ist schön, aber unecht. Der Fisch ist hässlich und echt. Dann taucht Marcello aus, der versucht, die Telefonnummer einer der badenden Bikini Schönheiten zu ergattern. Ganz am Ende trifft Marcello das schüchterne Mädchen, das er mal während eines Landausflugs kennengelernt hatte, sich aber nicht mehr erinnert. Verfehlte Kommunikation zu Beginn und im Finale. Eröffnung und Ende sind symmetrisch. Überhaupt ist vieles in La Dolce Vita symmetrisch aufgebaut. Zu Beginn trifft Marcello auf einen grossen Filmstar (Anita Ekberg), der sein Verlangen weckt. Er folgt ihr auf den St. Peters Dom und wieder hinab in einen Nachtclub. Man hört die wilden Strassenköter heulen und sie heult zurück. Dann wartet sie in die berühmte Trevi Fontäne und er folgt ihr in den Brunnen. Marcello idealisiert sie - SIE, die Frau aller Frauen. Natürlich bleibt sie für Marcello unerreichbar. Im Zentrum von La Dolce Vita aber steht Steiner, der all das verkörpert, was Marcello gern wäre. Steiner lebt in einer Wohnung, die angefüllt ist mit Kunstgegenständen. Er steht einem Salon voller Poeten, Intellektuellen und Künstlern vor. Seine Frau ist wunderschön, seine Kinder perfekt. In einer Kirche spielt Steiner Bach, drängt Marcello, endlich mehr Vertrauen in sich selbst zu haben und seinen Roman zu beenden! Doch auch Steiners Heiterkeit soll als Lüge enttarnt werden... Wie in kaum einem anderen Werk, folgt eine berühmte Szene auf die nächste. Wer erinnert sich an die Echo Kammer oder die berührende Sequenz mit Marcellos Vater Annibale Ninchi)? Fellini hat La Dolce Vita mit zügelloser Energie inszeniert! Er steht am Scheideweg seiner frühen neorealistischen Filme und seiner späteren verrückten Werke. Der Soundtrack von Nino Rota passt perfekt zum Lebensrhythmus des Films, ist mal vom Jazz beeinflusst, dann wieder wirkt er wie eine Liturgie. Alles ist ständig in Bewegung und das unterstreicht die Musik. Während sich La Dolce Vita nie verändert hat, sehe ich selbst den Film heute ganz anders. Als Teenager träumte ich vom süssen Leben. Sünden! Glamour! Eine beschwerliche Romanze! Heute erlebe ich Marcello als Opfer auf der Suche nach dem Glück, das sich nie erfüllen wird. Ich fühle Mitleid und Liebe für seine Figur! La Dolce Vita wirkt wie die Momentaufnahme einer Suche, die Fellini unvergänglich machte. Das süsse Leben - es gibt es nicht. Genau das muss aber jeder für sich selbst herausfinden.

youtube stream: Michelangelo Antonioni - L'Eclisse

 Berühmt wurde Michelangelo Antonioni mit einem kurzen Dialog über die Liebe. Sag mir, "Ich liebe dich". - Ich liebe dich. - Sag mir, "Ich liebe dich nicht". - Ich liebe dich nicht. So, als werfe man eine Münze. Mit Liebe hat diese Diskussion natürlich nichts zu tun. Es war die Kritikerin Pauline Kael, die Antonioni entdeckte. Sie schrieb, dass seine Charaktere einfach zu flach sind, um es ertragen, wirklich allein zu sein. Lieben können sie auch nicht. Es besteht nicht einmal die Möglichkeit, sich zu lieben. In Antonionis Welt versucht jeder, seiner Langeweile zu entkommen. Man nähert sich einander an, stösst sich wieder ab. Und von vorn. Antonionis Charaktere sind auf der wenig ertragreichen Suche nach Vergnügen - aber sie finden Leere und Krankheit. Die Krankheit der Seele. Es sind faule, dekadente, reiche Menschen. Nur das Vergnügen lenkt sie ab von der Leere ihrer eigenen Existenz. Sex hält sie alle beisammen. Antonioni revolutionierte das Kino mit einer einfachen Tatsache: In seinen Werken passierte gar nichts. Wir erleben eine Suche, aber ohne Auflösung. "Antonioniennui", so diese Mode der 60er. Antonionis Existenzen im Schwebezustand schienen während der frühen 60er bestens zu den Beatniks und Disharmonien des modernen Jazz zu passen. Und mal ehrlich, gibt es einen Filmemacher, der "hipster" ist als Antonioni? Aber warum berühren uns eigentlich diese gelangweilten Menschen mit ihrem Lebensstil, jenseits unserer Vorstellungskraft (zumindest in der Nachbarschaft unserer Videothek, hier in der Reichenberger Strasse)? Antonioni hat abendfüllende Ideen fabriziert, keinen fertigen Filme, so ein Vorurteil. Doch wer würde bestreiten, wie viel Leidenschaft und Klarheit in diesen stummen Hilferufen liegt? Und was ist L'Eclisse anderes? Antonionis Charaktere sind Parasiten. Dank ihres Geldes sind sie nicht abhängig von Arbeit oder Lebenserhalt. Sie tragen keine Verantwortung, verfolgen keine Ziele und keinen Zweck. Stattdessen ist es ihnen ein Bedürfnis, die eigene innere Leere zur Schau zu stellen. Sicher, man kann auch reich und glücklich sein - dafür brauchts allerdings eine Seele und Interessen. Antonionis Charaktere aber existieren in einer moralischen Wüste. Wer weiss, vielleicht sieht Rom in L'Eclisse auch deshalb so aus wie nach dem atomaren Erstschlag? Abends als auch tagsüber menschenleer. Mittendrin Monica Vittis Victoria, die eine Affäre mit Piero (Alain Delon), diesem nervösen Börsenmakler, eingeht, der wiederum das Geld für Victorias Mutter (Lilla Brignone) verdient. Eine hektische kleine "Liebes"geschichte, die an sich nicht der Rede wert ist. Warum gibt es eigentlich keine solchen Filme mehr wie L'Eclisse? Ich denke, da wir heute andere Fragen stellen. Niemand fragt mehr nach dem Sinn des Lebens, stattdessen nach einem bestimmten "Lifestyle".

Blade Runner 2049 + The Most Stylish Science Fiction Movies

Am Videotresen der Filmkunstbar Fitzcarraldo streiten die ersten Pioniere, die bereits Villeneuves Blade Runner 2049 im Kino angesehen haben: Ist das Remake zu langsam? Zu nebulös? In einem Punkt aber herrscht Einstimmigkeit: Blade Runner 2049 sieht umwerfend aus! Was sind eigentlich die zehn prächtigsten Science Fiction Filme aller Zeiten - frage ich mich daher?(...)

youtube stream: Rainer Werner Fassbinder - World On A Wire

Es war das Jahr 1982 als Rainer Werner Fassbinder von München nach Paris telefonierte. Er erzählte einem Freund, dass er all seine Drogen im Clo heruntergespült hatte. Alles bis auf eine Prise Kokain. Es sollte seine Letzte sein. Fassbinder starb mit nur 36 Jahren - doch WAS für ein Werk hinterliess er! Was für ein Niveau hielt er! Mit 22 Jahren drehte Fassbinder sein Debüt und mit 36 Jahren seinen letzten Film. Dazwischen liegen 40 Filme! Es hätten gut und gern weitere 60 sein können ohne diese letzte Prise... Hätte er sein Niveau aufrecht erhalten können im Alter? Wir können es nicht wissen. Doch wir dürfen seine stilistische Vision geniessen, die er mit so geringen Budgets erschaffen hatte. Dadurch, dass Fassbinder einen derartigen Schatz hinterliess, ists kein Wunder, dass Welt Am Draht fast darin unterging. Lange kannte man seine TV Mini Serie gar nicht. Als wir die Filmkunstbar Fitzcarraldo gründeten, da gabs immer noch Rechts-Streitigkeiten um Fassbinders Werk und mögliche DVD Veröffentlichungen. Am liebsten kaufte ich Fassbinder DVDs in England - wegen der englischen Untertitel und weil es viele VÖs gar nicht gab in Deutschland. Als Import bekamen wir auch World On A Wire - den so viele Gäste angefragt hatten! Das Thema mutet heute vertraut an, damals aber nicht: Die Vorstellung, dass die Welt, wie wir sie kennen, in einer ganz anderen Welt existiert. Womöglich sogar als Computer Simulation? Im Mittelpunkt steht Stiller (Klaus Löwitsch), ein Ingenieur, der für Simulacron arbeitet. Das ist ein Programm, welches Identitäten erschafft für Charaktere, die überhaupt nicht ahnen, dass sie nicht real sind. Simulacron verspricht, die Technologie der Zukunft zu sein, doch dahinter verbirgt sich eine böse Absicht: Die totale Kontrolle. Vielleicht werden sogar die Programmierer von Simulacron selbst manipuliert von einer noch höheren Instanz? Ich hatte allerdings - als ich mir Welt Am Draht wieder anschaute - gar nicht den Eindruck, dass Fassbinder sich so sehr für seine Geschichte interessiert. Wie in so vielen späten Werken des Neuen Deutschen Films geht es ganz um die Bilder, die Stilübung an sich(...)

youtube stream: Lost Cause

Hier kommt eine kanadische Off Beat Komödie, die mühelos Slapstick, vulgäre Anflüge von Humor und komplett eigenständige Einlagen vermischt! Im Mittelpunkt steht Paul (Steeve Leonard), ein Ü-30 Slacker, der sich Zeit seines Lebens damit beschäftigte, so wenig wie möglich zu machen. Er lebt in genau einer solchen Wohnung, wie wir uns das vorstellen. Sein Zimmer ähnelt meiner Studentenbude. Alles unfertig. Geld verdient Paul als Hausmeister - natürlich. Dann bekommt er Besuch von einem Geist, der Pauls eigene Zukunft verkörpert. Er konfrontiert Paul mit verwirrenden Gegenständen wie einem Mob oder einer alten Socke. Mit Sicherheit symbolisch überhöhte Objekte! Der Geist orakelt; falls Paul nichts in seinem Leben ändern sollte, wird er ganz allein in seinem Badezimmer verrecken. Im echten Leben gibt's auch prompt Entscheidungen: Paul muss sich zwischen zwei Frauen entscheiden. Die Eine ist sein High School Schwarm (Julie Tetreault) und sie scheint von seinen vermeintlich vorhandenen telekinetischen Kräften besessen. Die Andere ist einfach seine schrullige Nachbarin (Caroline Labreche). Ist das nun eine leichte Komödie? Mitnichten(...)

youtube stream: Yasujiro Ozu - Early Summer

Von allen Regisseuren ist mir Ozu am liebsten! Im Grunde war er nicht nur bis zu seinem Tod, sondern bis heute kaum exportierfähig in den Westen. Ist Ozu zu japanisch für unsere Augen? Quatsch! Die Ironie des Schicksals will es so, dass ausgerechnet sein Universum aus Eltern und Kindern der Mittelschicht, seine Themen der Heirat und des Familienlebens eines der universalsten ist! Mach mal den Test: Sieh dir einen Hollywood Klassiker aus derselben Zeit an und danach einen Ozu Film. Welcher steht uns näher? Bis zu seinem Tod, 1963, hatte Ozu 54 Filme fertiggestellt. In unserer Ozu Reihe im DVD Archiv der Filmkunstbar Fitzcarraldo findest du nicht nur sein berühmtes Spätwerk, sondern auch echte Schätze. Vorkriegs Ozu! DVDs, die ich tatsächlich mal während eines Urlaubs in Beijing kaufte. Es handelt sich dabei um gute DVD Fassungen vom chinesischen Label Boying mit englischen Untertiteln. Ozu gereichte es scheinbar zum Vergnügen, seinen Filmen ganz ähnliche Titel zu verpassen. "Early Summer" - es besteht Verwechslungsgefahr! Die Titel beziehen sich jeweils auf die Jahreszeit im Leben der Charaktere - und die Charaktere haben stets ähnliche Züge und werden von denselben Schauspielern verkörpert. Wohl bemerkt: Sie sind ähnlich, aber nicht gleich! Ich finde, dass Ozus berühmter Stil seine Werke sogar noch zugänglicher macht - nicht weniger, wie man erwarten sollte. Ozu erzählt seine Geschichten mit transparenter Aufrichtigkeit. In Early Summer - wie in anderen Ozu Filmen auch - steht das Thema Heirat im Vordergrund. Heirat wird von einigen Figuren gewünscht, von anderen aber nicht. Es ist Noriko (Setsuko Hara), die mit 28 Jahren noch unverheiratet ist und auch keinen Ehemann wünscht. Sämtliche Figuren im Film insistieren, Noriko aber verteidigt sich souverän und selbstbewusst. Dann - wiederum ganz selbstbestimmt - entscheidet sie doch zu heiraten. Noriko kennt ihren Mann im Grunde nicht und liebt ihn auch nicht. Weiss Noriko überhaupt, was Liebe bedeutet? Die romantische Liebe kennt sie nicht und trotzdem trifft sie ihre Entscheidung aus Liebe. Noriko opfert sich auf für die unglückliche Mutter ihres zukünftigen Mannes. Ein Motiv, dass sich durch alle Ozu Filme zieht: Eltern opfern sich für ihre Kinder auf und Kinder für ihre Eltern. Nichts ist daran esoterisch! Erinnere dich mal, wann du zum letzten Mal im Kino geweint hast? Wahrscheinlich ist es lange her, oder? Early Summer ist einer dieser Filme, die dich zum Weinen bringen werden. Ein Film, der sich von seinen (filmischen) Wurzeln befreit und direkt in dein Herz vordringt. Wenn Noriko sich entscheidet, das Haus ihrer Familie, ja Tokyo zu verlassen, sollten Taschentücher bereit liegen... Vergleicht man die frühen Ozu Filme mit den späten, fällt auf, dass Ozu im Frühwerk viel öfter die Kamera bewegt, schneidet oder auch mal über die Schultern seiner Figuren filmt. Im Spätwerk bleibt die Kamera statisch. Er filmt aus einer niedrigen Perspektive heraus, auf Augenhöhe seiner Protagonisten. Ich denke, Ozu benutzt eine Konstruktion, die es ihm erlaubt, seine Kamera auf dieser Höhe zu positionieren: Der Höhe einer Figur, die auf einer Tatami Matte kniet. Jede Szene stellt einen Cut dar. Ozu eliminiert alles, was stört: Kamerafahrten und Schwenks. Die Schnitte setzt er nach der Szene und leitet dann zu folgenden über. Eine Szene endet dann, wenn die Hauptfigur das Bild verlässt. Manchmal verweilt Ozu anschliessend noch im Raum. Gerne benutzt Ozu sogenannte "Pillow Shots"; führt Landschaften, architektonische Details oder einzelne Gegenstände vor. Am liebsten seine Teekanne. Oder Züge. Ozu muss Züge geliebt haben! Ozu folgt stets der Regel, dass die Kamera hinter einer imaginären Linie bleibt. Bewegt sie sich, bedarf es einer Erklärung. Die Charaktere treten links auf und gehen rechts ab. Oder andersherum. Es ist interessant, wie viele Kinoregeln Ozu mit diesem Verfahren ignoriert! Oder die Fokussierung auf seiner Teekanne! Sie taucht in einer Ecke des Raumes auf, im nächsten Moment steht sie in einer anderen Ecke. Ozu verweigert die Regeln der Kontinuität. Die Kanne hat sich einfach selbständig bewegt. In "normalen" Filmen gilt, dass die Charaktere einander ansehen, während sie sich unterhalten. Nicht so bei Ozu. Bei ihm geht das so: Während zwei Figuren miteinander sprechen, schauen beide geradewegs in die Kamera. Was erreicht er damit? Er holt uns, die Zuschauer, mitten ins Geschehen hinein! Ozu interessiert sich überhaupt nicht für Unterscheidung zwischen Close-Up, Medium Shot oder Master Shot. Er interessiert sich einzig für die Bildkomposition an sich. Alles muss perfekt sein! Jedes Bild könnte man rahmen! Bei Ozu wird der Bilderrahmen einfach ersetzt durch eine Wand oder einen Vorhang oder ein Banner. Er liebt es, Bilder im Hintergrund zu zeigen und viele von ihnen hat er selbst gemalt. Wer zum ersten Mal einen Ozu Film sieht, kann unmöglich den ganzen Reichtum seiner Kunst auf Anhieb entdecken. Als wir während eines Videoabends Early Summer ansahen, glaubte ein Mädchen, Ozu Filme seien symbolisch, etwa wie das Kabuki Theater (was im Film ja vorkommt). Falls Early Summer aber nicht symbolisch ist - wäre der Film nicht schlicht zu simpel als das er einer Diskussion bedürfte? Doch dann, nach einer Weile waren wir überwältigt davon, wie viel es zu entdecken gibt! Warum ist es ein so angenehmes Gefühl, Early Summer zu sehen? Nun, wenn die Protagonisten essen, dann geniessen sie. Sie spazieren am Meer entlang, sitzen in der Sonne. Und sie geniessen es. Der teure Kuchen - wie gut muss der schmecken! Oder der Tee aus der schönen Kanne! Oft fällt der Satz, wie schnell die Zeit verinnt. Es ist die Grossmutter, die betont, wie glücklich sie immer waren, doch sollte man nie zuviel vom Leben erwarten! Ozu Filme handeln von der Zeit an sich. Early Summer mag vertraut wirken und doch ist er einzigartig! Jeder der Charaktere wird genaustens beobachtet! Ach, ich könnte ewig weiterschreiben - denn ist es nicht so, dass jede ernsthafte Entedeckungsreise in die Welt des Films irgendwann bei Ozu ankommen muss?

youtube stream: Wim Wenders - Der amerikanische Freund

Es hat schon etwas von einem perversen Vergnügen, einen Thriller zu konzipieren, um dann aber alle Einzelteile einfach wegzuwerfen. Wim Wenders zerlegt seinen Krimi. Trotzdem hat er damit Erfolg, denn er weiss, dass wir Thriller vor allem wegen der Atmosphäre mögen und der Plot gar nicht so wichtig ist. Hier spendiert er uns so viel Atmosphäre, dass wir uns darin baden möchten! Damals, 1979, war Der Amerikanische Freund die teuerste Produktion des Neuen Deutschen Films und das sieht man auch! Erinnern wir uns an diese Bewegung, die in den späten 60ern begann und mit der ewigen Regierungszeit Kohls endete. Die späten Werke des Neuen Deutschen Films schliesslich sahen schon etwas manieriert aus. Style Over Substance? Man benutzte extremes Licht, wählte knallige Farben, ganz in der Tradition des expressionistischen Stummfilms, der doch auch so viel Wert auf die Stilübung an sich legte. Man folgte den Figuren bis an die Grenzen dessen, was wir noch als menschliches Verhalten bezeichnen würden. Sehr selbstbewusst setzten die Künstler ihre Kamera ein, ganz so, als würde man den Charakteren eine zusätzliche gekünstelte Dimension verpassen wollen. Wen interessierte da noch langweiliger Realismus? Vielleicht war genau das der Grund, weshalb der Neue Deutsche Film zur interessantesten Bewegung seit der "Nouvelle Vague" wurde? Neuer Deutscher Film, das waren Werke, die eine Entscheidung von UNS verlangten - Filme, die sich nicht damit begnügten, das wir uns bequem zurücklehnten, um mit einer eindeutigen "Botschaft" belohnt zu werden. Wim Wenders war mit Sicherheit der zugänglichste Regisseur dieser Generation. Von den deutschen Autorenfilmern war er auch der "amerikanischste". Der Amerikanische Freund wurde immerhin über weite Strecken in englischer Sprache inszeniert, bietet aufreizende Hollywood Farben und einen Hollywood-Star: Dennis Hopper. Dummerweise gehört Der Amerikanische Freund trotzdem nicht zu Wenders besten Filmen. Ihm fehlt die schonungslose Klarheit, die andere Wenders Filme der 70er auszeichnet! Im Mittelpunkt, der "Amerikaner" (Hopper), der als Mittelsmann zwischen einem französischen Gangster und einem deutschen Künstler wird. Der Franzose will einen Auftragskiller anheuern, der Deutsche entscheidet sich, den Job zu machen, da er bald sterben wird... Die Handlung wird zunehmend undeutlicher, was aber - wie beschrieben - gar nicht wichtig ist. Wenders spart einfach wichtige Schritte im Plot aus, um sich stattdessen ganz dem Zusammenspiel der Charakteren und ihrer Städte zu widmen(...)

youtube stream: Better Off Dead

Ich krieg nie genug von 80er Teenager Komödien! Ich hab mir die Besten längst alle angesehen und die mittelmässigen auch schon. Jetzt gehe ich die schlechten durch. Wozu aber gehört Better Off Dead mit John Cusack (der ja unser aller Liebling ist!)? Cusack spielt den Schüler Lane Meyer (John Cusack), der von seiner Freundin verlassen wird. Sie, Beth (Jennifer Wyss), nimmt lieber den Captain des Ski-Teams, Roy Stalin (Aaron Dozier) - und Lane beschliesst, sich umzubringen. Da wir uns aber in einer Komödie befinden, misslingt ihm das. Immer erwischt er den falschen Moment, sich zu töten! Unglücklicherweise muss sich Lane auch noch schlimme Ratschläge von seinem Drogen-besessenen Freund Charles de Mar (Curtis Armstrong) erteilen lassen. Da es mit dem Selbstmord nicht klappt, beschliesst Lane, Beth zurückzugewinnen. Er muss nur ein Ski-Rennen gegen Roy gewinnen! Während sich Lane auf das Rennen vorbereitet, zieht neben ihm eine französische Austausch-Schülerin namens Monique (Diane Franklin) ein. Sie muss sich von Lanes dickem Nachbarn begrabschen lassen und dient wohl als Futter für seine Entjungferung. Jedenfalls begleitet Monique Lane während seines Trainingsprogramms und verpasst ihm darüber hinaus noch eine Portion Selbstbewusstsein. Ach ja, sein Herz gewinnt sie auf diesem Wege auch noch... Klingt das alles nach einer typischen Teenie Komödie der 80er? Aber Better Off Dead ist alles andere als typisch!(...)

Unsere Top 10 in der Filmkunstbar Fitzcarraldo

 Cinegeek.de ist die Seite unserer Videothek Filmkunstbar Fitzcarraldo. Sie bildet nicht nur unseren DVD Gesamtkatalog ab unter "Featured Movies", sondern auch unsere Empfehlungen. Jeden Tag wird bei uns am Tresen über Filme gequatscht und ich teilweise nach erstaunlichen Dingen gefragt. Zum Beispiel erkundigte sich eine Studentin nach bulgarischen Filmen der 50er. Nun hab ichs mir zum Sport gemacht, die Tresengespräche als Film Lists auf Cinegeek.de zusammenzufassen. Dabei entsteht genau das, was wir während der letzten dreizehn Jahre in der Filmkunstbar Fitzcarraldo erlebt haben: Dadurch, dass tausende von Geeks ähem Filmexperten ihr Wissen und das, was sie lieben, zusammen werfen, könnt ihr euch unzählige Empfehlungen daraus ziehen! Normalerweise nehme ich mir für eine Film List gleich ein ganzes Gebiet vor. Etwa den Film Noir der 80er. Diesmal habe ich einfach nur in unserer Software nachgeschaut, welche zehn Filme ihr bei uns am meisten geliehen habt. Das hier ist das Ergebnis! Das sind eure Top 10!(...)

youtube stream: Andreas Dresen - Sommer vorm Balkon

Im Herzen geht's in Andreas Dresens Film um eine Frauen-Freundschaft auf dem Prüfstand: Wird sie dem Zustand, "Single" zu sein standhalten während dieses schwülen Sommers im Prenzlauer Berg? Übrigens könnte dieses Stück vom ganz alltäglichen Leben überall auf der Welt spielen, wo das Geld knapp ist und die Menschen in sanfter Not leben. Und doch hat Sommer vorm Balkon diesen bittersüssen Unterton romantischer Komödien! Nike (Nadja Uhl) lebt allein im Prenzlauer Berg (ich denke, es ist ein Eckhaus am Helmholtzplatz). Ihre Wohnung; ein Altbau im vierten Stock mit Balkon und wunderbarer Aussicht. Ihre Freundin heisst Katrin (Inka Friedrich) und kommt aus dem Westen, was sie dort, am Helmholtzplatz, damals zur Exotin machte. Wir müssen uns an Andreas Dresens Prenzlauer Berg erinnern, der nicht von schwäbischen Müttern sondern dem Ostberliner Kiezpublikum bevölkert war. Denen, die damals "Wir sind das Volk" skandierten und das System DDR beerdigten. Prenzlauer Berg, das war nichts anderes als das Kreuzberg des Ostens mit FDJ Jugendclubs, Queer Kneipen und einem "Wir sind Nachbarn" Lebensgefühl. Katrin jedenfalls, machte rüber, nachdem sie einen Ossi geheiratet hatte, der sie aber längst wegen einer Jüngerin verliess. Nun sitzen die beiden Freundinnen auf Nikes Balkon, trinken Rotwein und rufen den schüchternen Apotheker von gegenüber an(...)

youtube stream: Bent Hamer - Eggs

Vor nunmehr fast fünfzehn Jahren, als wir die Filmkunstbar Fitzcarraldo gründeten (damals unter dem schlichten Namen Filmkunst - erst später entdeckten wir den Grössenwahn eines Werner Herzogs für uns), schraubte ich einen Briefkasten an die Wand des Ladens. Die Gäste der Zukunft wurden aufgerufen, ihre Filmwünsche auf Zetteln dort hinein zu werfen. Einmal in der Woche beantwortete ich die Zettel dann mit "Geht" oder "leider unmöglich" und heftete sie an unser Schaufenster. Was damals sehr oft genannt wurde, war Bent Hamers Eggs! Und, ging der? Leider nicht. Gestern aber entdeckte ich endlich einen freien Stream auf YouTube mit englischen Untertiteln! Bent Hamer ist einer der sanften Surrealisten aus Norwegen. Einer, dessen Humor von der Ausdrucklosigkeit seiner Figuren lebt. Sie heissen Moe (Sverre Hansen) und Pa (Kjell Stormoen). Zwei Brüder, beide jenseits der 70er. Sie leben zusammen. Ihr Alltag wird von der täglichen Routine dominiert, die sich dann entwickelt, wenn das Leben seit Jahrzehnten gleich abläuft. Unschwer sich das vorzustellen im Hinterland von Norwegen, dort, wo das Essen geliefert wird und nur eine Putzkraft Gesellschaft bietet. Der Alltag wird strukturiert durch Kreuzworträtsel oder das Radio am Morgen. Eingeübte Rituale. Dann aber kommt der erwachsene Sohn von Pa, Konrad (Leif Andrée) zu Besuch. Mit ihm die Vergangenheit(...)

youtube stream: roy Anderson - Songs From The Second Floor

In einer verbitterten grauen Stadt, die von betrunkenen, grauen Angstellten bevölkert ist, geht alles schief. Man lacht über den Schmerz. Die Geschäfte DER Firma laufen schlecht. Schliesslich muss ein Mädchen wie ein Menschenopfer dargebracht werden, um die Firma zu retten. In Roy Andersons Songs From The Secod Floor kollidieren Farce und Tragödie. Die Apokalypse wird uns wie ein schlechter Scherz vorgespielt. Ich denke, keiner von uns hat jemals solch einen Film zuvor gesehen. Du wirst Songs From The Second Floor nicht geniessen können, wohl aber nie vergessen! Roy Anderson, das ist der schwedische Surrealist, der die grösste Meisterschaft in der Disziplin des ausdrucklosen Humors erlangt hat. Andersons ist derjenige, den "Bergman" einst lobte, die besten Werbespots der Welt zu inszenieren! Hier führt er uns in die Welt des modernen Kapitalismus. Als wir den Film vor mehr als zehn Jahren für unsere Videothek anschafften, war es fast unmöglich, eine DVD zu bekommen. Merkwürdig! Ein solches Meisterwerk ohne Vertrieb? Und dabei ist Songs From The Second Floor ein echter Publikumsliebling, wie wir während einer späteren Vorführung feststellten. Phasenweise gröhlten die Zuschauer regelrecht - und manchmal trauten sie ihren Augen auch nicht. Ich liebe Songs From The Second Floor, weil er gänzlich neu ist! Eine Komödie, die in einem Universum spielt, die nie ein anderer Film je zuvor betrat. Sofort verstehen wir die Logik der Verzweiflung hier in einer Welt ohne Hoffnung. Slapstick und Tragödie in der Tradition der grössten Komiker! Ironischweise eröffnet Songs From The Second Floor mit dem Bild eines Mannes in einer Solarium-Röhre. Ironisch deshalb, da sämtliche Charaktere im Film aussehen, als ob sie jahrelang ohne Sonne zugebracht hätten. Danach verweilt die Kamera in ein paar Einstellungen aus Verzweiflung und Absurdität. Diese Szenen werden nur lose miteinander verbunden, einzig ein Brandstifter taucht immer wieder auf. Roy Anderson will aber auch gar keine kontinuierliche Geschichte erzählen. Natürlich ist das kein konventioneller Film! Anderson hat seine Kamera in einer Stadt platziert, die schlicht aufgehört hat, zu arbeiten. Eine Stadt, die zusammengebrochen ist und sich nun selbst kannibalisiert. Obwohl wir das 20. Jahrhundert schreiben, sind die Einwohner zurückgefallen ins Stadium ängstlichen Aberglaubens, um sich selbst zu schützen. Die Geistlichen und die Geschäftsmänner wurden alle ihrer Büros beraubt. Nun stehen sie dumm da in der weiten Leere einer Landschaft, die sie fressen wird. Dann tritt das junge Mädchen auf. Sie wandelt auf einem schmalen Grad. Wird ihr Tot den Zorn der Götter besänftigen, die so ausser sich sind über das Versagen der Firma? Während wir diese Szene verfolgen, wissen wir, dass jede reale Kompanie zu einer solchen Reaktion fähig wäre. Gibt es denn gar keine Hoffnung in dieser Verwüstung? Haben wir es hier mit einem anti-christlichen Film zu tun? Aber das wäre zu simpel, denn Songs From The Second Floor ist gegen nichts. Er handelt vom Schwinden jeder Hoffnung. Vom Zusammenbruch des Systems "Hoffnung". Alle Charaktere sind miese Schweine und Ignoranten. Die moderne Geschäftswelt sieht genauso aus wie die Welt aus grauer Vorzeit, die von der Pest heimgesucht wurde. Natürlich ist Songs From The Second Floor auch überaus witzig inmitten dieser Trostlosigkeit! Immer wieder tritt die Kamera zurück und erlaubt uns, das Geschehen mit einigem Abstand zu betrachten. Ist es nicht so, dass Nahaufnahmen Identifikation stiften, während sogenannte "Long Shots" uns das Geschehen mit mehr Objektivität betrachten lassen? Wir beobachten also eine ganze Armee von Dummköpfen, die in den eigenen Untergang marschiert. Wir selbst aber bleiben immer noch Zuschauer! Wir folgen dieser Parade nicht. Deshalb lachen wir nicht nur, weil das, was wir sehen, so absurd erscheint. Wir lachen auch aus Erleichterung.

youtube stream: Jacques Audiard - A Prophet

Das Zentrum von Un Prophete ist ein Mord - ein ungeschickter und unglaublich brutaler Mord. Wir erleben den Killer wie er zittert - ob aus Trauer, Erleichterung oder Wut wissen wir nicht. Genau das ist der Schlüssel zu Jacques Audiards grösstem Film: Wir sehen etwas und können es doch nicht verstehen. Vielleicht liegt das auch daran, dass wir Zeuge von extremer Gewalt werden, die uns fremd ist. Mörder wie der in Un Prophete leben in einer anderen Welt. Der Film funktioniert als Entwicklungsgeschichte von Malik (Tahar Rahim), einem jungen Franzosen mit arabischen Wurzeln. Er kommt ins Gefängnis als Kleinkrimineller und verlässt es als geprüfter Gangster. Geboren wurde er als schüchterner, passiver Verlierer; zunächst ist ihm das wahrhaft Böse noch fremd. Alles, was er wurde, er lernte es im Gefängnis. Ich kann mich kaum erinnern, in einem Gefängnisfilm einen solchen Charakter je erlebt zu haben! Wir wissen nicht, weshalb er eingeliefert wurde, wir sind nur Zeuge, wie er seine Unschuld verliert. Hinter Gittern schliesst er sich der korsischen Gang an, die alles kontrolliert. Angeführt wird sie von Cesar Luciani (Niels Arestrup), einem Paten mit kalten Augen. Im Gefängnis wird er von Bodyguards begleitet und hat seine Spione überall. Der Neue ist nützlich für ihn, da er Zutritt zur arabischen Gang hat. Einer von ihnen soll ermordet werden. Im Grunde ganz simpel: Cesar bringt Malik bei, wie man eine Rasierklinge im Mund versteckt. Mit der soll dem Opfer die Kehle durchgeschnitten werden. Weigert sich Malik, muss er sterben. Töte oder stirb. Malik hat noch nie getötet und verpfuscht den Job. Es gibt einen Kampf und alles ist mit Blut bedeckt. Cesar aber hilft, die Tat zu vertuschen. Malik ist kein "Mann", aber ein Überlebender, der das Nötige tut. Und er lernt schnell. Über die Jahre verändert er sich, ergreift die Chance im Knast, die ihm draussen in der Gesellschaft nie vergönnt war. Er lernt wie man überwacht, eine Strategie entwickelt und sogar wie man liest. Für die Korsen aber wird er immer der "dreckige" Araber bleiben. Vielleicht ist aber auch genau das der Grund, weshalb er zu Cesars Vertrauten wird. Mallik kann nicht mehr zurück zu den Arabern. Es gibt keinen Platz für ihn, ausser den an Cesars Seite. Diese Partnerschaft mit Cesar verbessert nicht zuletzt Maliks eigene Position im Knast. Fast möchte man diese Stellung als Ende einer Bildungsgeschichte begreifen(...)

Film List: Tom Lass - Blind & Hässlich + deutsche Liebesfilme

Wenn du Blind & Hässlich mochtest, dann gefallen dir auch... In Deutschland weden keine Western und keine Liebesfilme produziert. Wirklich? nun hat aber Tom Lass, seines Zeichens Filmemacher sogenannter Berliner Mumblecore Produktionen (No-Budget, improvisiert, direkter Ton = mumblen) ein ganz herzzereissendes Gegensatz-Paar erfunden. Sie, Jona (Naomi Achternbusch, die Tochter des grossen Anrcho Komödianten), gibt vor, blind zu sein. Er, Ferdi (Lass selbst) ist ein Streuner und offensichtlich hässlich. Eine provisorische Liebe, aufbauend auf einer Lüge. Blind & Hässlich, ein toller Liebesfilm und Grund genug, sich an andere Liebesfilme aus Deutschland zu erinnern. Denn natürlich gibt's sie!(...)

youtube stream: Richard Linklater - Before Sunrise

Es ist so niedlich, wie sich die Beiden im Zug treffen! Eine Seelenbekanntschaft - und immerhin ist die Seele unser erotischstes Organ! Sie trinken Kaffee und unterhalten sich. Er erzählt ihr, wie er seine tote Grossmutter im Schein des Rasensprengers sah. Er ist Amerikaner mit einem europäischen Inter Rail Ticket und muss am nächsten Morgen einen billigen Flug zurück aus Wien nehmen. Sie ist Französin und studiert an der Sorbonne: Jesse (Ethan Hawke) und Celine (Julie Delpy). Dann macht er ihr einen ziemlich verrückten Vorschlag: Warum steigt sie nicht einfach mit ihm aus, um eine Nacht durch Wien zu bummeln? Ich kann mir keinen charmanteren Weg vorstellen als Jesses, wenn er Celine das fragt. Ein echter Kinomoment! Wenn beide nun nachts durch Wien laufen und diese Gespräche führen, die ich Alltagsphilosophie nenne, sind wir schon mitten drin in einem der schönsten Richard Linklater Filme. Ein Pärchen der Generation X, das aber keinesfalls der langweiligen Attitude folgt, es sei interessant, gelangweilt zu wirken. Linklater braucht für diesen Spaziergang kein Melodram und keine Sex Szenen. Before Sunrise ist ein Film, in dem ausschliesslich geredet wird. Nicht, dass jemand Jesse und Celine dabei hetzen würde. Sie lassen sich treiben und die Kamera folgt ihrer Unterhaltung(...)

youtube stream: Darren Aronofsky - The Fountain

 Mal angenommen, The Fountain sei ambitionierter Unfug - dann würden in diesem Fall Form und sujet doch wunderbar zusammen passen, denn The Fountain handelt vom ewigen Leben. Darren Aronofsky hat sich dafür entschiedenen, seinen Film auf drei verschiedenen Erzählebenen zugleich anzulegen. Er wählt dafür drei ganz unterschiedliche Richtungen, die anders als vorige solcher Experimente nicht zwingend auf denselben Kern zurückzuführen sind. Man hat Aronofskys Werk dafür auf den Filmfestivals verlacht und als dümmlich bezeichnet. Das ist leicht, denn The Fountain hat eine ganz seltene Qualität: Es ist ein Werk von grösster Ernsthaftigkeit! Der Grund: The Fountain handelt mehr von der Möglichkeit, dem Tod zu entfliehen als vom ewigen Leben. Der Widerstreit eines Mannes (bzw. des Mannes an sich) mit dem Tod. Zu Beginn erleben wir Tomas (Hugh Jackman) zur Zeit der spanischen Eroberungsfeldzüge. Im Land der Maya suchen sie nach dem biblischen Baum des Lebens auf Geheiss der Königin Isabella (Rachel Weisz). Zeitsprung. im 21. Jahrhundert ist Tommy (Jackman) Chirurg, der einen Tumor im Gehirn seiner Frau Izzi (Weisz) behandelt. Sie schreibt gerade das Märchenbuch The Fountain, das wiederum Passagen aus dem 16. Jahrhundert enthält. Im 26. Jahrhundert ist Tom (Jackman) eine Art Astronaut, der nach den Prinzipien der Zen Philosophie handelt. Er bewegt sich im Weltall mit einem sterbenden Baum sowie dem Geist von Iz (Weisz). Vor ihnen liegt ein geheimnisvoller Nebel...