youtube link: Fatih Akin - Auf der anderen Seite (engl. subt.)

youtube link: Fatih Akin - Auf der anderen Seite (engl. subt.). Am besten beginne ich mit den Figuren, denn in diesem wundervoll melancholischen Film sind die einzelnen Charaktere wichtiger als die Handlung an sich. Aus folgendem Grund: Wir haben es mit mehreren, sich überlappenden Handlungssträngen zu tun. Die einzelnen Stränge berühren sich dabei nie, zumindest nicht für die einzelnen Charaktere. Für uns Zuschauer aber sehr wohl! Genau das mochte ich am meisten an Fatih Akins zweiten Film seiner Liebe, Tod und Teufel Trilogie! Zuerst begegnen wir dem alten Mann, Ali (Tuncel Kurtiz). Er kommt aus der Türkei und lebt in Bremen. Ali ist offensichtlich das, was die Deutschen herablassend "Gastarbeiter" getauft haben. Er besucht eine Prostituierte, Yeter (Nursel Kose). Es ist eine dieser Frauen, die in einem Schaufenster sitzen (in Bremen gibt es eine schmale Strasse, etwa der Hamburger Meile entsprechend. Yeter wird von zwei jungen Männern auf türkisch bedroht, sie würden sie töten, falls sie weiter diesen Beruf ausübt. Ali bietet ihr an, auf fester Bezahlungsbasis bei ihm einzuziehen und Yeter willigt ein. - Kurze Spoiler Warnung! - Das Kapitel wurde von Akin "Yeters Tod" genannt, weil Ali sie im Suff schlägt, so dass Yeter unglücklich fällt und stirbt. Ali landet daraufhin im Gefängnis. Das Ende eines traurigen Lebens, da Yeters Herz gebrochen war, weil sie es nicht mehr schaffte, Kontakt mit ihrer Tochter Ayten (Nurgul Yesilcay) aufzunehmen. Yeters Leichnam wird nach Istanbul überführt und dort lernen wir Alis Sohn Nejat (Baki Davrak) kennen. Er ist Professor an einer deutschen Universität, hat es sich aber zur Aufgabe gemacht, nach der Tat seines Vaters Yeters Tochter zu finden. Nun sucht er sie in Istanbul, wo er sich niederlässt mit einem Buchgeschäft. Ayten selbst ist eine Untergrundkämpferin im Konflikt mit den Behörden. Sie flieht nach Deutschland und lernt in Bremen, am Campus der Universität, Lotte (Patrycia Ziolkowska) kennen. Beide verlieben sich ineinander. Eine grosse passionierte Liebe! Ohne zuviel verraten zu wollen, landet Ayten letztlich doch in einem türkischen Gefängnis und Lotte versucht, ihr zu helfen. An dieser Stelle kommt der Auftritt der grandiosen Hanna Schygulla, diesem legendären STAR des Neuen Deutschen Films! Sie spielt Lottes Mutter und erkennt sich selbst in der Leidenschaft der Tochter wieder. Hat sie in der Vergangenheit nicht auch gekämpft? Nun aber hat sie Angst um Lotte, denn ihre Tochter ist genauso idealistisch wie naiv. Am Ende wird auch sie nach Istanbul reisen und bei Nejat leben. Auch sie wird sich auf die Suche machen nach Ayten... Eines der schönsten Erlebnisse ist das, dem Altern von Schauspielern zuzusehen. Was haben wir selbst in der Zwischenzeit gemacht? Wie ist es uns selbst ergangen? Schygulla war einst eine romantische Hauptdarstellerin, nun begegnen wir ihr wieder als rundlicher Dame von 65 Jahren. Aber was für eine 65jährige! Kein Plastikmodell mit entfernten Träsensäcken! So taktvoll und warmherzig! Wie sie leise spricht, fast flüstert! Schygulla leuchtet in ihrer Rolle dieser tragischen Figur und wir lieben sie für ihre Kunst! Ja, wir beten sie an! Wo aber ist nun die Auflösung des Knotens? An welchen Punkt finden diese Charaktere letztlich zusammen? Werden sie überhaupt im Plot zusammen geführt oder motivisch? Fatih Akin hatte das Gefühl, türkisch zu sein und sich vertrieben zu fühlen, in der Vergangenheit bereits gezeigt. Akin führt uns nun diese Personen vor, drei Eltern und drei Kinder, teils türkisch und teils deutsch. Ihr aller Leben wird davon bestimmt, dass einige von ihnen türkisch sind und die anderen deutsch. Ich denke, Akins Antrieb ist ganz einfach: Er möchte, dass wir seine Charaktere kennen lernen und sie mögen. Selbst Ali ist kein schlechter, "böser" Charakter. Er hat Yeter nicht mit Vorsatz getötet, es war ein tragischer Unfall. Im Verlauf des Films leidet (und freut) man sich mit ihnen. Ich fand Akins Figuren faszinierend! Keine von ihnen wirkt künstlich konstruiert und für keine wird übermässig viel Zeit aufgewendet, sie vorzustellen. Sie alle versuchen einfach, ihr Leben zu leben und das findet statt innerhalb zweier unterschiedlicher Kulturen. Im Grunde sind es gute Menschen, die wegen ihrer Fehler leiden müssen und versuchen, dass es irgendwie weitergeht. Ist das nicht bei uns allen so?

FILM LIST: Istanbul

Istanbul

Früher, als West-Berlin noch eine Insel war, dachten die Ureinwohner bereits, sie lebten in einer wahren Metropole. Man sah etwas amüsiert herab auf die Türken. Umgekehrt, doch das wussten die Berliner nicht, sahen die Türken genauso herab auf uns. Sie durchschauten das Grossstadt-Gehabe der Icke-Micke Berliner, die am liebsten Jogging-Anzug trugen und dazu Currywurst assen. Schliesslich wussten die Zugezogenen ja auch, wie eine wahre Metropole atmet: Wenn sich vor einem der weite Blick auf den Bosporus öffnet! Wer gerade kein Geld für einen Flug übrig hat, darf sich nun dieser Istanbul Liste einen Eindruck davon verschaffen. Ich habe türkische Produktionen gesammelt - und da es gar nicht soviele mit dem Schauplatz Istanbul gibt, auch ein paar Ko-Poduktionen dazugefügt. (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 31.10.1.16)

FILM LIST: Philosophy

 Wers verpasst hat, seinen Abschluss in Philosophie zu machen, darf das hier nachholen! (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. sEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 29.10.16)

youtube link: Sergej Parajanov: Sayat Nova (engl. subt.)

youtube link: Sergej Parajanov- The Color Of The Pomegranates (Sayat Nova) (engl. subt.). Bilder, wie sie in der Geschichte des Films nie wieder zu sehen waren! Der armenische Regisseur Sergei Parajanov hat mit Sayat Nova so etwas wie den heiligen Gral des Kinos geschaffen! Sicher, das Meisterwerk aus dem Jahr 1969 fehlt in keiner Bestenliste - diese restaurierte DVD Fassung machts aber möglich, Sayat Nova mit regenierierter Aufmerksamkeit zu geniessen! Vier Jahre, nachdem Parajanov sein Poem über den gleichnamigen Troubador wie ein Puzzlespiel fertiggestellt hatte, inhaftierten ihn die Soviet Behörden. Der Regisseur wurde 1924 in Armenien/Georgien geboren. Er begann als Musiker, studierte aber in den goldenen 20ern Film in Moskau - zu einer Zeit, in der im revolutionären Soviet Kino alles möglich schien. Als man ihm Homosexualität "unterstellte", musste er zum ersten Mal ins Gefängnis. Immer wieder verwehrte er sich gegen den Vorwurf, auch heiratete er später. Dennoch darf dieser Arrest als Schlüssel für seinen Film gelten. Schliesslich wurde seine Frau ermordet und man mutmasste, ihr eigener Bruder sei verantwortlich. Parajanov erlebte mit der Bekanntschaft Tarkovskys eine Erleuchtung - das Vorbild wurde sein Mentor. Das alles wirkt stilbildend. Parajanovs Filme zeigen die Kultur Armeniens abseits von dem, was sich die Behörden wünschten. World Cinema! Das kombinierte er mit den Vorbildern aus den 20ern und schuf seine eigene virtuose Bilderwelt. Parajanovs zunehmender Erfolg war den Soviets unangenehm. Hier stand nun ein inhaftierter - jedoch international gefeierter Regisseur - und Sayat Nova verbreitete sich über Raubkopien einfach immer weiter! Ein Werk, dass einerseits als poetische Biographie Novas, aber auch verschlüsseltes Selbstbekenntnis des Regisseurs funktioniert. Wer darin nach homoerotischen Elementen sucht, wird fündig werden! Bis in die frühen 80er dauerte dieser schreckliche Kreislauf an, in dem Parajanov immer wieder festgenommen wurde als Homosexueller. Nur zwei weitere Filme konnte er fertigstellen, bevor er 1990 verstarb. Sayat Nova als Film zu fassen - ein Ding der Unmöglichkeit! Ein Bilderrausch, der sich von Anfang bis Ende versperrt. Oder liegts an meinen westlichen Sehgewohnheiten? Eines aber bleibt in jedem Fall hängen: Parajanov ist Armenier!

youtube link: Ken Russell - Altered States

youtube link: Ken Russell - Altered States. Die Hölle von einem Film - im eigentlichen Sinne! Die Protagonisten werden Millionen von Jahre zurückgeschleudert, bis zurück zum Punkt der Schöpfung. Dort aber gibt es nichts zu erfahren als den Ausruf: "No!". Ganz so als würde das Leben gegen seine eigene Geburt protestieren. Schliesslich versucht das menschliche Ego zu insistieren in der Indefferenz des Universums: Das "No!" wird zu einem "Yes!". Das Finale: Mann und Frau fallen sich in die Arme. Hier soll nun der Versuchung widerstanden werden, so zu formulieren wie Ken Russells Charaktere sprechen: Wie eine Rotte bekloppter Intellektueller. Am besten die Sequenzen, in denen einfach alle gleichzeitig drauflosreden. Dabei ists ganz egal, was sie sagen. Wesentlich erscheint nur, mit wieviel Ernsthaftigkeit sie es tun! Altered State überrolt uns mit seinen visuellen Reizen, aber auch seinen Dialogen. Ein Film, der einem Energieschübe verpasst! Ken Russell, der Meister des Exzesses. Apokalyptischer Sex und ästhetische Pyrotechnik - das alles wird verbunden zu einem Ganzen, das womöglich ganz bedeutungslos ist. Nur interessiert uns das beim Zuschauen herzlich wenig! Inspiriert wurde sein Film durch den Roman von Paddy Chayevsky. Wie ist es, in die Dunkelheit der eigenen Seele einzutauchen? William Hurt spielt Jessup, einen Wissenschaftler. Er probiert Pilze aus, welche die merkwürdige Wirkung haben, dass sie jedem, der sie probiert, denselben Trip verpassen. Unser kollektives Gedächtnis der Schöpfung? Chaos, dann ein Lichtball, das Licht bricht, wird zurückgedrängt in ein Nichts. Das Nichts wird alles sein, was bleibt. Ein psychodelischer Trip, der sich zur Farce wandelt. Genauso wandelt der Forscher seine Erscheinung. Wie soll man einen solchen Film beschreiben, geschweige denn kategorisieren? Schliesslich wird der Forscher von wilden Hunden gejagt und frisst ein Schaf. Drei wesentliche Bereiche umfasst Russells Werk: Die Wissenschaft, Special Effects, dann die Liebe des Wissenschaftlers zu seiner Frau. Dabei lernen wir: So gut wie nichts. Die Liebesbeziehung aber ist so kraftvoll inszeniert wie die Liebe nur sein kann! Dann die Verwandlung in das Protoplasmas des Lebens selbst: "Was it as good for you as it was for me?" Altered States, ein wundervoll dummer Film! Eine Maschinerie, die uns in Angst versetzt, dann wieder zum Lachen bringt. Film pur, ohne störende Bedeutung. Das muss reichen. Ich würde davon abraten, allzu tief in die Materie einzutauchen.

FILM LIST: Trip, Smoke & Drink

Trip, Smoke & Drink

Vor dir liegt ein Beutel mit Pilzen oder eine feine Flasche Schnaps? Oder beides? Dann bleib zu Hause! Manchmals ists besser, allein zu sein, sich nicht unter Volk zu mischen. Dein Videothekar der Filmkunstbar Fitzcarrlado rät dir: Mach dir einen gemütlichen Glotzer Abend! (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 28.10.16)

youtube link: Jurek Becker/Manfred Krug - Liebling Kreuzberg (germ. only)

youtube link. Jurek Becker / Manfred Krug - Liebling Kreuzberg (german only). Zum Tod von Manfred Krug! - Zwei aussortierte Staatsbürger der DDR stehen hinter diesem Serien-Urgestein: Schriftsteller Jurek Becker und der heute verstorbene Schauspieler (und Schlagersänger) Manfred Krug. Becker zog nach Kreuzberg, nachdem man ihn ausgebürgert hatte und schrieb nebenbei die Anwalts-Serie, die Kreuzberg noch so sieht, wie man den Bezirk in den späten 70ern wohl wahrgenommen hatte: Als lange Amüsiermeile ("Kreuzberger Nächte sind lang"). Ein Hippie Bezirk, in dem die 68er Revolte eben etwas länger andauerte. Das war 1986. Dann lief - immer Montags - die zweite Staffel an. Becker hatte den viel zu netten Regisseur ausgetauscht und sich verbeten, dass man weiterhin in seine Skripts eingriff. So trägt die zweite Staffel 1988 einem Bezirk Rechnung, der langsam berühmte wurde, weil am ersten Mai immer die Autos brannten. Die Titelrolle schrieb er seinem bärbeissigen Freund Krug auf den massigen Leib. Ein Advokat der kleinen Leute, der am liebsten Götterspeise nascht. Neben ihm: Arnold (Michael Kausch), der so unscheinbar wirkt, aber immer genau weiss, wos lang geht. Die Fälle wirken manchmal dubios, so bringt ein Vater seine Tochter selbst ins Krankenhaus oder ein Falschmünzer läuft herum. Becker spart nicht mit ironisch vorgetragener Sozialkritik, Krug schultert das als komödiantisches Naturtalent. Robert Liebling, Anwalt und Notar. Ein Bonvivant mit Schlapphut und Zigarre. Privat ist er ein treuoser Liebhaber mit ewig quengliger Tochter. Die eindrucksvollste Frau: Senta (Anja Franke), die nur ungern den Kopfhörer abnimmt, wenn der Chef spricht. Senta ist das Kreuzberg der 80er! Übrigens ist Liebling oft gar nicht sympathisch und die Schuldigen werden auch nicht zwangsläufig verurteilt. Alles ganz schön realistisch!

youtube link: Robert Wiene - The Cabinet Of Dr. Caligari (engl. subt.)

youtube link: Robert Wiene - The Cabinet Of Dr. Caligari 8engl. subt.). Kurz vor Halloween sei der Frage erlaubt, welches der allererste Horrorfilm war? - Das erste, worüber jeder spricht, der Caligari gesehen hat, ist die Optik des Films. Die schiefen Wände und Fenster, die wahnsinnigen Diagonalen der Treppen und die Bäume, deren Blätter wirken als seien es Messer. Bis dato versuchte die Kamera stets, die Realität abzubilden. Caligari setzt sich davon ab und ist (bis heute!) anders! Sicher, die Bauten in Caligari waren billiger als echte Requisiten. Ich bezweifle aber, dass Kostensenkung der mutmassliche Grund gewesen war, weshalb Regisseur Robert Wiene sich für die Caligari Ästhetik entschied. Immer handelten seinen Filme von Wahnsinn und Mord. Nie gingen wir davon aus, dass seine Figuren der Wirklichkeit entsprangen - genauso wenig wie sie das selbst voneinander glaubten. Wir werden eingeführt in die deutsche Stadt Holstenwall, in der alles so wirkt, als wäre es direkt aus einem Gemälde von Munch entsprungen. Ein fahrender Jahrmarkt kommt in die Stadt. Caligari (Werner Krauss) will dort einen Schlafwandler zur Schau stellen. Eine Kreatur namens Cesare (Conrad Veidt), der seit seiner Geburt schläft - in einem Sarg. Der Held Francis (Frederich Feher) besucht die Vorstellung mit seinem Freund Alan (Hans Heinz von Twardowski), der verwegen nach seinem eigenen Tod fragt. In der Dämmerung. Genauso tritt es ein und ein Verdacht fallt auf Cesare. Am nächsten Morgen wird Francis' Verlobte Jane (Lil Dagover) entführt. Wieder fällt der Verdacht auf Caligari und seine Kreatur... An sich ist das keine ungewöhnliche Handlung und dennoch, Caligari wirkt wie ein unwirklicher Albtraum. Wie Cesare die bewusstlose Jane durch die Strassen trägt und von ein em aufgebrachten Mob verfolgt wird - durch enge Gassen im Widerspiel von Licht und Schatten, schliesslich einer bizarren Zickzack-Treppe folgt, die einen Berg hinauf führt... Währenddessen verfolgt Francis Caligari bis zu dem Ort, in dem er lebt: Die städtische Nervenklinik! Ist es so, dass der Schlafwandler unter Caligaris Fluch steht? Dass er ihm gefügig gemacht wurde? Fest steht, Wiene und sein Team kreierten den ersten echten Horror Film. Sicher, bereits zuvor wurden in Frankreich die Fantomas-Filme produziert, doch spielten sie in einer erkennbaren Wirklichkeit. Caligari aber ist angesiedelt in einer subjektiven, in einer psychologischen Welt. Hier ist jeder Horror vorstellbar! Caligari ist auch der erste expressionistische deutsche Filme, der einige Nachahmer nach sich zog. Hier sind nicht nur die Charaktere, hier ist die ganze Welt aus den Fugen geraten! Wer Krakauers von Caligari bis Hitler liest, versteht, weshalb diese Filme als Prophezeiung des dritten Reichs gesehen werden mögen: So wie alle Winkel im Film von falschem Ausmass sind, so gelten alle Werte als verloren. Caligari steht für Zerstörung (obwohl ich nicht glaube, dass Wienes Film als Wegbereiter der NS Zeit fungiert). Die 20er waren die Hochzeit des Surrealismus und Dadaismus. Alles Gewohnte wurde negiert. Eine Dekade, in der sämtliche Sicherheiten schwanden. Schliesslich der Aufstieg Hitlers. Robert Wiene musste fliehen, produzierte im Exil gemeinsam mit anderen deutschen Flüchtlingen. Die Klasse von Caligari hat er nie wieder erreicht.

FILM LIST: Polnish Comedies

Polnish Comedies

Wer kann da helfen? Es gibt viele neue Filme aus Polen - gerade mal 100 Kilometer weit entfernt von uns! Wir von der Filmkunstbar Fitzcarraldo wollen die euch natürlich zur Verfügung stellen, sind aber auf den Markt in Deutschland und UK beschränkt! Wer hat was? Wer kann was bringen? (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 25.10.16)

youtube link: Wish You Were Here

youtube link: Wish You Were Here. Wer kennt noch Emily Lloyd? Für mich eine der britischen Ikonen der 80er! - Ihre Mutter ist tot, der Vater ein Säufer, aber tief in ihrem Innersten hat sie ein Gefühl, dass aufrichtig ist und voller Freiheit! Wir befinden uns aber im Jahr 1951, irgendwo in einer englischen Kleinstadt, umringt von einer Nachbarschaft, die man als "Working-Class" bezeichnet. Von einem Mädchen wie Lynda erwartet man, dass sie ihren Platz dort kennt. Lynda aber entspricht diesem Bild überhaupt nicht. Im Kino hängen die Jungs an den Schenkeln von Betty_Grable, wenn sie die Beine übereinander schlägt. Lynda probiert dasselbe am Strand aus. Was gibts schon zu verlieren? Wish You Were Here ist eine Coming Of Age Geschichte und Lynda wird als "Bad Girl" wahrgenommen. Niemand im Ort versteht, dass sie ein wunderbarer Mensch ist, der einfach nur anders leben will. Ausgenommen eine kleine ältliche Dame, die Klavier spielt in einer Teestube. Eine Komödie mit wütenden Untertönen! Sie zeigt, wie ein freies Mädchen gebrochen werden soll durch den immergleichen Mix aus Sexismus und Konventionen. Sollen wir lachen oder weinen - der Film selbst kennt die Antwort nicht und entwickelt sich ganz langsam zu einer Tragödie. David Leland schrieb und inszenierte Wish You Were Here aufgrund der Erinnerungen von Cynthia Payne. In Cynthias Kindheit war Sex etwas, worüber man nicht sprach. Ihre Einstellung dagegen, musste als amoralisch verstanden werden: Wenn nun aber alle Männer Sex wollen und sie viel zu geben hat - wo ist nun das Problem? Die Antwort: Es gibt nicht nur ein Problem! Was geschieht mit einem Mädchen, das so unschuldig ist wie Lynda im Film? Sie wird zum Opfer ihres Chefs oder eines selbsternannten Don-Juans. Wieviel ist das Menschliche dabei noch wert? Unter diesen Umständen fällt es Lynda schwer, weiterhin zu lächeln, so zu tun als ob. Womöglich hält sie sich selbst für wertlos? Oder gibt es sie doch noch; die echten Romantiker? Mir kam es so vor, als ob der Film gen Ende eine Vorstellung davon hätte und ein wenig Optimismus verbreite. Der Schlüssel zum Film ist die erst 16jährige Emily Lloyd als Lynda. Sie versprüht soviel Lebensfreude und wirkt so wild, dass allein ihre Persönlichkeit ausreicht, uns diese schwierige Rolle nahe zu bringen. Ihre Zukunft als Schauspielerin damals in UK: Rosig! Ganz anders als die von Lynda.

FILM LIST: 80s Essential Comedies II

Essential 80s Comedies II

Als Eddie Murphy noch lustig war und Albernheit eine Zier der US College Elite! (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 24.10.2016)

youtube link: Zucker/Abrahams/Zucker - Top Secret

 youtube link: Zucker/Abrahams/Zucker - Top Secret. Längst haben sie sich getrennt und schreiben auf eigene Faust Running Gag Komödien. In den 80ern aber standen David Zucker, Jerry Zucker und Jim Abrahams für die lustigsten Filme des Jahrzehnts! - Bestimmt gibts diejenigen, die vielleicht fünf Mal lachen müssen in Top Secret. Auf der anderen Seite mich: Ich musste allein während der ersten zehn Minuten fünf Mal schallend losprusten. Alles eine Frage des Humors, vielleicht auch des Alters und der Abstammung. Ich bin über 40 und aus West-Berlin. Wahrscheinlich das richtige Alter, um solche über-albernen Running Gag Komödien zu feiern und empfänglich zu sein für Witze über die DDR. Die zumindest, sollte man wenigstens einmal besucht haben, um Top Secret zu geniessen. Top Secret mixt genüsslich politische, satirische und bekloppte Witze. Dahinter stehen Zucker/Abrahams/Zucker, ihres Zeichens Legenden des Anarcho Humors der 80er. Manche mögen total daneben liegen, andere treffen. Verbunden werden zwei äusserst unterschiedliche Genres: Spionagefilme mit Elvis-Filmen. Die Geschichte: Ein politischer Flüchtling flieht mit einem Ballon während der Carter Administration. Oder so ähnlich. Den Plot zu beschreiben würden einem Unterfangen der Sinnlosigkeit gleichkommen. Einer "Storyline" zu folgen wäre auch dumm, handelt sichs bei Top Secret doch um geradezu körperlichen Humor: Der verdiente Wein des Volkes, serviert von der olympischen Damen-Mannschaft der DDR und eine Verfolgungsjagd der Stasi (natürlich getarnt wie das in der DDR eben so war). Top Secret bietet so viele Momente, die fast poetisch wirken. Wer erinnert sich an die tolle Nachtclub-Szene in Ost-Berlin oder die vielen Elvis Imitationen? Tutti Frutti!

youtube link: John Landis - Coming To America

youtube link: John Landis - Coming To America. Der arme John Landis. Sein letzter Kinofilm liegt Jahre zurück. Vor allem arbeitet er fürs TV. Wie toll waren da doch die 80er! - Ich bin hemmungsloser John Landis Anhänger und bedingungsloser Eddie Murphy Fan. Coming To America stellt für beide den Karriere-Zenit dar. Die Geschichte ist zuckersüss. Der Prinz Akeem aus einem afrikanischen Märchenland (Eddie Murphy) will sich vor seiner Heirat in New York die Hörner abstossen. So zumindest lässt er den Vater glauben. In Wahrheit aber sucht er die Frau fürs Leben. Da in seiner Welt alles aus Gold ist und noch viel zuckersüsser als es Bollywood je war, sucht er die Zukünftige dort, wo das Leben tobt: In Queens. Gemeinsam mit seinem Busenfreund Semmi (Arsenio Hall) mietet er sich in dem schäbigsten Apartment ein. Es soll niemand merken und vor allem nicht die Zukünftige, dass er der Prinz ist. Arbeit findet Akeem auch und Sammi muss das widerwillig über sich ergehen lassen. Beide heuern an beim Hamburger Produzenten McDowells (desse Firmenzeichen einer anderen Hamburger Kette ein klein wenig ähnelt). Ganz unten fangen sie an, schrubben den Boden. Karriereaussichten: Am Grill Bouletten zu wechseln. Voller Schadenfreude stellt Murphy die Märchenwelt auf den Kopf und auch, dass die schwarzen Hamburger Aufsteiger ihren weissen Artgenossen in nichts nachstehen. Überhaupt gibt es nur einen Weissen zu sehen: Einen alten jüdischen Mann, der im Friseursalon um die Ecke sinniert - und der wird auch von Eddie Murphy gespielt. Shari Headley ist Lisa McDowell, John Amos ihr Vater. Ein Patriarch, der die eigene Tochter nicht an den Burschen geben will, der den Boden reinigt... Die Karriere von John Landis fand mit Coming To America ihren Abschluss. Sein alberner Humor, der doch den Stallgeruch eines Elite-Colleges trägt, schien den Geschmack des Publikums in den 90ern nicht zu treffen. Landis versuchte sich in Fortsetzungen seiner Klassiker, doch nichts gelang ihm mehr. Bis heute. Genauso ergings Eddie Murphy. Nach Coming To America versuchte er sich in einigen erfolglosen Produktionen, sogar einem Vampirfilm, um schliesslich als Familienkomiker zu enden. Das Erfolgsrezept aus Coming To America, gleich eine ganze Handvoll Rollen zu übernehmen, verfolgt Murphy bis heute. So betrachtet stellt Coming To America den Brückenfilm vom Underdog zum Disney Angestellten dar...

FILM LIST: Essential 80s Comedies

Essential 80s Comedies

Immer hat man den Eindruck, dass trotz aller Albenheiten und Blödeleien, doch irgendwo der Professor dieses Studentenhaufens noch im Raum sein müsste. So mein Gefühl ob der besten Komödien der 80er. (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 23.10.16)

youtube link: Chen Kaige - Farewell My Concubine (engl. subt.)

youtube link: Chen Kaige - Farewell My Concubine (engl. subt.). Chen Kaige leifert zwei Filme auf einmal: Ein Epos der jüngeren Geschichte Chinas sowie ein Drama hinter den Bühnen der Peking Oper. Auf den ersten Blick mag das kaum logisch erscheinen: Was hat die Geburt einer modernen Nation mit dem Aussterben einer traditionellen Theaterform zu tun? Doch alles in Farewell My Concubine fliesst mühelos ineinander. Wir werden überwältigt; so sehr, dass Objektivität sowieso nichts mehr zählt. Anfangs erleben wir, wie zwei Waisenkinder vorbereitet werden auf ihre Theaterkarriere. Jahre später erreichen sie ihren Zenit, sind berühmt. Douzi (Leslie Cheung) in der Rolle der Konkubine als Transvestit, Shitou (Zhang Fengyi) als König. Ein Leben ausserhalb ihrer Rollen ist beiden nicht vergönnt. Ihre Beziehung überdauert den zweiten Weltkrieg, schliesslich die Kulturrevolution. Obwohl berühmt, sind sie politisch unbedarft. Die Beziehung der Beiden befindet sich nicht im Gleichgewicht. Während Douzi homosexuelle Gefühle hegt, heiratet Shitou die schöne Juxian (Li Gong). Sie ist die Heldin des Films und sie steht beiden Männern bei. So wie die royale Peking Oper die roten Zeiten des Kommunismus überdauert, als Anachrosnimus akzeptiert wird, wächst die Beziehung. Können die Beiden überhaupt eine eigene Persönlichkeit entwickeln, losgelöst vom Anderen? Doch die Kulturrevolution ist eine Zeit gegenseitiger Denunziation. Darunter zu leiden hat vor allem Douzi. Schliesslich prangert Xiaolou ihn als Homosexuellen an; er wiederum die Frau seines Freundes als Nutte. Offensichtlich hat Regisseur Chen Kaige eigene Erfahrungen mit der Kulturrevolution... Farewell My Concubine gewann die Filmfestspiele von Cannes und wurde anschliessend wahlweise verboten und doch wieder aufgeführt. Vor allem die homosexuellen Aspekte der Geschichte dürften den Kommunisten schwer gefallen sein. Bedenkt man die Umstände, unter denen gedreht wurde, ist die Ruhe, die Eleganz des Werks fast ungeheuerlich! Wundervoll auch, mit wieviel Liebe zum Detail die Pekinger Oper dargestellt wird! Und mit was für Farben! Ein modernes Epos, das uns an einen fremden Ort in eine andere Zeit entführt. Ein moderner Klassiker!

youtube link: The Lobster explained

 youtube link: Yorgos Lanthimos - The Lobster explained. Jeden Tag fragt ihr uns nach The Lobster. Nur wegen The lobster (und wir tun das gern!) brechen wir unsere eiserne Regel, dass die Filmkunstbar Fitzcarraldo nur eine Kopie pro Film kauft. Schliesslich sind wir ja auch eine griechische Bar, oder nicht? Yorgos Lanthimos stellt die Speerspitze dar der griechischen Neuen Welle. Seine Filme sind gezeichnet von Sadismus und Grausamkeiten. Die Lacher in seinen "Komödien" (sofern es welche sind), bleiben einem im Hals stecken. The Lobster ist sein erster Film, der in englischer Sprache inszeniert wurde und Stars wie Colin Farrell, Rachel Weisz und Lea Seydoux bietet. The Lobster lebt aber wie die früheren Filme des Regisseurs von seinen künstlichen Dialogen und eingebauten Elementen wie Tanz oder künstlerischer Performances. Sein Stil jedenfalls wurde durch die Übersetzung ins Englische nicht beeinträchtigt. Der Plot spielt in der Zukunft. Alleinstehende Menschen (gleichwohl ob verwitwet, geschieden oder eben alleinstehend) werden geladen in ein geräumiges Anwesen an der Küste, neu eingekleidet und bekommen 45 Tage Zeit, einen Partner zu finden. Verfehlen sie diese Aufgabe, verwandelt man sie in ein Tier. Wir erleben nun wie der neue Gast David (Colin Farrell) eintritt mit einem Hund (der früher mal sein Bruder gewesen war). Falls unser Held ebenfalls sein Ziel verfehlt, muss er sich entscheiden, in welches Tier er verwandelt werden will. Er wählt einen Hummer. Der Hummer hat blaues Blut, wie ein Aristokrat der Tierwelt. Man gratuliert ihm, da die Welt voll sei von Hunden. Man bindet ihm nun eine Hand auf den Rücken, damit er die Vorteile einer Partnerschaft wieder schätzen lernt. Morgens trainiert eine Bedienstete seine Erektionsfähigkeit. Abends geht es gemeinsam mit anderen Gästen des Straflagers auf die Jagt, die Geflohenen aus der Einrichtung einzufangen. Für jede Überführung bekommt man einen Bonus Tag. Lanthimos stellt sein Konzept von Liebe und Partnerschaft realistisch dar: Vom gemeinsamen Tee bis zur Tanzveranstaltung. Seine Grotekske ist radikal, nicht zynisch, aber von tiefschwarzem Humor geprägt. David ist nach 44 Tagen immer noch Single. Es gelingt ihm nicht, Gefühle vorzutäuschen, die er nicht hegt. Deshalb flieht er aus dem Hotel und schliesst sich den Loners im Wald an. Die Regeln der Loners sind aber genauso erstarrt: Hier ist Flirten strengstens verboten. Wer gar beim Küssen erwischt wird, dem verstümmelt man die Lippen. Was ist schlimmer: Der Zwang zur Liebe oder das Verbot? David glaubt schliesslich, er hätte seine fehlende Hälfte gefunden und sei verliebt. Beide "gehen gemeinsam Essen" im Wald (dort gibt es blutiges Kaninchen). Wie real ist Liebe? Kann sie am Ende gewinnen? The Lobster ist eine Liebesgeschichte in extremer Dimension.

youtube link: Julio Medem - Los Amantes Del Circulo Polar

Youtube Stream: Julio Medem - Los Amantes Del Circulo Polar. Medem aus dem Baskenland ist wieder da. Im Kino läuft Ma Ma, bei uns sein internationaler Durchbruch. - Palindrom, Wörter, die man vorwärts als auch rückwärts lesen kann. Immer wieder gabs Kunstwerke, die sichs absichtlich schwer machen. Klavierstücke, komponiert, um sie einhändig zu spielen oder Filme ohne Schnitt. Julio Medem hat sich für einen Film entschieden, der ein Palindrome darstellt. Es ist die Geschichte von "Ana" und "Otto" (natürlich vor- als auch rückwärts). Das Leben von Ana und genauso das von Otto funktioniert genauso. Die Ereignisse des Anfangs spiegeln sich gegen Ende. Alles kehrt wieder. Los Amantes Del Circulo Polar ist ein Liebesfilm, zumindest einer über Romantik - so wie Ana und Otto sie idealisieren. In ihrer Welt besitzt das Leben die Kraft, das Schicksal zu ändern. Drei Episoden ihres Lebens werden gezeigt. Wie sie sich als Kinder im Wald treffen und Otto das Gefühl der Liebe kennenlernt. Schliesslich verlieben sich auch ihre Eltern und so wird aus der Geliebten Ottos seine Stiefschwester. Liebhaber sind sie auch während ihrer Zeit als Teenager. Ana und Otto als Erwachsene aber leben getrennt voneinander. Nur ein Mal sitzen sie Rücken am Rücken in einem Cafe, ohne es zu bemerken. Es ist einer dieser Momente in Julio Medems Film, da uns fast das Herz stockt! Im Finale treibt es beide nach Finnland und auf wundersame Weise überkreuzen sich die Kreise ihrer Leben wieder... Julio Medem glaubt, dass die Liebe nicht einfach aus der Geschichte beider resultiert. Ein Plot ist ihm nicht genug! Medem vertraut dem Schicksal. Für ihn gleicht die Liebe einem Mythos, der beide füreinander vorherbestimmt. Immer wieder unterbricht Medem seine Geschichte, streut Szenen ein, die zurück- oder voraus weisen: Ganz am Anfang wird ein Chrakter in den Augen des anderen reflektiert. Dann dieser Augenblick, da ein Auto in einen roten Bus rast - oder eben nicht. Warum? Am Ende wirds uns klar. Medem weiss, dass es unbedingt notwendig ist für einen metaphysischen Film, dass die Charaktere Bodenhaftungs haben. Deshalb ist es ihm so wichtig, uns vorzuführen, wie Ana und Otto aufwachsen, mit all den kleinen Problemen, die in einer Familie existieren. Die Romanze der Halbgeschwister wird über Jahre entwickelt. Als Kind fordert Ana Otto auf, mutig zu sein! Er soll zu ihrem Fenster kommen, hinaufklettern! Sexualität spielt dabei keine Rolle. Es gibt ihn, den freien Willen in Medems Film - doch wird der nicht auch von einer geheimnisvollen Kraft gesteuert? Alles ist miteinander verbunden. Wir lernen einen deutschen Piloten im 2. Weltkrieg kennen und der wiederum ist mit einem anderen Piloten Jahre später verbunden. Auch eine Zeitungsnotiz kann bei Medem ihre Bedeutung verändern. Und dann? Doch ich kann unmöglich das Ende verraten, denn bei Medem ist das Ende einfach alles! Und das Ende wiederum ist der Anfang...

Our Daily Free Stream: Jean-Luc Godard - Bande A Part

Our Daily Free Stream: Jean-Luc Godard - Bande A Part. Er war der brillianteste, einflussreichste Filmemacher seiner Zeit und wird auch jetzt noch permanent von euch geliehen. Und: Die Mehrheit der Zuschauer wird seine Filme auch heute noch nicht leicht verdauen! Wen wunderts, ist Godard doch ein schwieriger Filmemacher, tief in seinem eigenen Universum befangen. Um "traditionelle" Filme hat sich kaum jemand weniger gekümmert als Godard. Er verlangt dagegen, dass wir partizipieren, seinen Filmen unsere volle Aufmerksamkeit schenken. Dummerweise ist das Publikum aber lieber faul. Einfach zurücklehnen, einen Film sehen, eintauchen. Der Film wird den Rest dann schon erledigen. Mit jedem Jahrzehnt erfüllte Godard dieses Verlangen weniger. Bande A Part ist ein Genre Film geworden. Ist es? Die Heldin heisst Odile (Anna Karina) und am liebsten rast sie mit ihren Freunden Arthur (Claude Brasseur) und Franz (Sami Frey) durch die Gegend. Ob im offenen Cabrio mitten im Winter oder durch den Louvre in Rekordzeit. Die Narration, Godard sprengt sie munter Einstellung für Einstellung in die Luft. Voice Overs (von ihm selbst gesprochen), Extravaganzen, Löcher. All das hält das Geschehen nicht zusammen, auch nicht der vermeintlich allwissende Erzähler. Ein Film, der im Laufen gedreht wurde in nur 25 Tagen. Bewegung, Bewegung, Bewegung und dann wird der Ton im Cafe Madison einfach weggeblendet. Es geht um Shakespeare, Liebe und Tod. Kahle Bäume ragen in den Himmel, der schwarzweiss ist, aber ein Zentrum gibts nicht in Bande A Part. Nachdem Godard nun also mit uns gemacht hat, was immer er wollte, spendiert er noch ein lächerliches Ende. Dabei ist doch Bande A Part einer seiner frühen "Publikumsfilme"!

FILM LIST Metaphysics & Love

Eine bittersüsse Referenz an die Vergänglichkeit des Lebens. Lost In Translation ist witzig und traurig zugleich und auch ziemlich hämisch. Scarlett Johansson und Bill Murray geben zwei verlorene Seelen, die sich in einer Hotelbar in Tokyo treffen. Irgendwann nachts. Sie unterhalten sich über ihre Ehen, Glück und die Sinnhaftigkeit des Ganzen. Es sind Gespräche, die man im Grunde nur mit Fremden führen kann. Die Feststellung, es sei so, als würde man sich ein Leben lang kennen, impliziert schliesslich, dass es nicht so ist. Derartige Konversationen mit Freunden würden auch ganz anders verlaufen. Man kennt sich, fragt nach Details und Hintergründen. Mit Fremden aber können wir uns über alles, was jenseits dessen liegt, austauschen. Ironie des Schicksals; während der eigene Ehepartner diese Ebene mit uns nicht mehr erreicht, fällt das einem Fremden ganz leicht. Insbesondere, wenn Alkohol im Spiel ist... Murray ist Bob Harris, ein amerikanischer Filmstar, der einen Whiskey Spot in Tokyo für zwei Millionen dreht (obwohl er auch irgendwo Theater spielen könnte). Seine Frau Lydia fragt ihn am Telefon, ob sie sich Sorgen machen müsste: "Only if you want to." Johansson ist Charlotte, eine Philosophie Absolventin, die seit zwei Jahren mit einem berühmten Fotografen verheiratet ist. Einer Freundin erzählt sie am Telefon, wie fremd ihr der eigene Gatte ist. Sie ist Anfang 20, Harris Mitte 50. Die klassische Ausgangssituation für eine Romanze Marke "Junges Mädchen - alter Mann". Zum Glück ist Lost In Translation kein solcher Film, sondern intelligent und witzig. Sofia Coppola schickt die Beiden nicht ins Bett, um anschliessend nach Antworten zu fanden. Beide teilen etwas Persönliches, nicht aber Körperflüssigkeiten. Wundervoll, die beiden Hauptdarsteller! Murray war nie besser. Er steckt fest, weiss das auch, hat aber darüber resgniert. Manchmal ist seine Frau am Telefon - stets auf Autopilot. Er liebt seine Kinder. Er hasst sich selbst dafür, Werbespots zu produzieren und ist vor allem sehr müde. In guten Momenten kann er charmant und witzig sein. Ich denke aber, das Leben ist eine Plage für Harris. Charlotte liegt allein in ihrem Hotelzimmer. Ihr Ehemann spricht von seiner Arbeit und sich selbst. Er glaubt, die Ehe sei auch für Charlotte so in Ordnung. Weil sie sich aber so verloren und allein fühlt, spricht sie Bob Harris in der Hotelbar an (wichtig: Nicht, weil er ein Star ist). Mit Freunden besuchen sie verdrogte Karaoke Parties (wo tolle Musik von The Pretenders und Roxy Music läuft). Während sie durch Tokyo driften, führen Charlotte und Bob Gespräche, die nicht umfangreich sind, aber voller Verständnis. Fast, als wären sie ganz allein in dieser Stadt voller Aliens. Wer würde nun eine Komödie erwarten? Lost In Translation aber lebt von Murrays lakonischem Humor. Immer wieder bieten sich dabei Möglichkeiten, den alten Komiker der 80er wiederzubeleben. Murray aber widersteht, bleibt immer Bob Harris. Ich liebe lost In Translation! Wie Coppola und ihre Darsteller die Balance zwischen Komik und Tiefsinn halten! Wie sie ihre schönen, sehr romantischen Momente gewinnen! Wie Bob und Charlotte ihre Probleme nicht lösen. Am Ende flüstert Bob ihr etwas ins Ohr, dass wir nicht verstehen (sollen). Charlotte lächelt zuversichtlich. Es ist nicht für unsere Ohren bestimmt, sondern ein intimes Gespräch zwischen den Beiden. Das ist der Punkt. Bob und Harris werden von uns als echte Charaktere akzeptiert, denen wir gerne ihre Privatheit lassen. Hat er geflüstert, dass er sie liebt? Hat er sich bedankt? Hat er ihr seine Telefonnummer gegeben? Der Film ist vorbei und wir müssen wieder raus. Manchmal stolpert man dabei die Kinotreppe herunter. Dabei waren wir so gerne in Tokyo, in Lost In Translation! Welche Filme haben diese Magie auch? Darum gehts in dieser Film List. (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 19.10.16)

Our Daily Free Stream: Jonathan Glazer - Under The Skin explained

 Our Daily Free Stream: Jonathan Glazer - Under The Skin Explained. Jonathan Glazer ist ein brillanter Science Fiction Film gelungen, der mehr wie ein "Experiment" anmutet und weniger wie eine klassische Geschichte. Der Film hat so einiges zu sagen über die verschiedenen Gender Rollen, Sexismus und die Macht der Begierde. Im Grunde ist es eine sehr alte Geschichte über die Angst des Mannes vor der Frau. Ist Under The Skin nun ein Film, dessen tieferer Sinn sich erst bei mehrmaligen Anschauen erschliesst oder eines dieser Werke, deren visueller Stil darüber hinweg täuscht, dass es gar keine tiefere Ebene gibt? Gibt es so etwas wie "Under The Movie's Skin"? Und überhaupt, was haben wir hier vor uns: Genre- oder Experimentalfilm? Arthaus oder Camp? Mit groser Ruhe und ohne störende Dialoge nehmen wir die Perspektive einer Ausserirdischin ein. Sie nimmt die Gestalt von Scarlett Johansson an, um in Schottland auf Männerjagd zu gehen, die von ihrer Spezies verwertet werden. Wie das genau geschieht und warum bleibt offen. Under The Skin arbeitet mit Gegensätzen wie grossem ästhetischen Prunk und dann wieder minimaler Reduktion. Manchmal fühlt man sich wie in einer Doku, dann erscheint das Geschehen wieder abstrakt. Und wer könnte auf den schottischen Strassen fremder wirken als Scarlett Johansson mit schwarzer Perücke und Pelzmantel? Filme wie Under The Skin finden ihren Weg nicht oft ins Kino. Glazers Werk scheint seelenverwandt mit einigen Produktionen aus den frühen 70ern, die sich dagegen sträubten, dieses oder jenes darstellen zu wollen. Ich hab mir den Film jetzt innerhalb einer Woche zum zweiten Mal angesehen und kann sagen, dass er mir während dieser ganzen Zeit im Kopf herumspukte. Ist Under The Skin der perfekte Film? Vermutlich nicht. Dazu kan er sich nicht eindeutig genug entscheiden, was er eigentlich sein will: Von diesem zu viel und von jenem zu wenig. Dafür ist Under The Skin ein ungeheuer sensibles Werk, dass so aussieht wie kein Film sonst: Zum Niederknien schön und überwältigend!

Our Daily Free Stream: Steven Soderbergh - Kafka

Our Daily Free Stream: Steven Soderbergh - Kafka. Auch weiterhin kein neuer Soderbergh in Aussicht... Wie lange mag dieses Versprechen halten? - Wer erinnert sich noch an die tolle Entstehungsgeschichte von Steven Soderberghs Debüt? Wie er das Drehbuch in acht Tagen schrieb als er nach Hollywood fuhr? Wie er die Schauspieler gegen Rückstellung spielen liess und schliesslich alles "independent" finanzierte. Indie, das war damals noch ein Abenteuer und keine Marke! Schliesslich gewann Soderbergh überraschend Cannes und darf seitdem als "Godfather" des Indie Kinos gelten. Kafka war sein zweiter Film und spielt wie bereits sein Debüt vor allem in Innenräumen. Die sehen aus wie der wahrgewordene Albtraum eines Set-Designers - oder wie Kafkas Prag. Kafka wurde in Schwarzweiss gedreht, springt aber manchmal um und erscheint dann farbig wie ein billiger Science Fiction Film. Hauptrolle: Jeremy Irons, der Mann mit dem ewig leidenden Gesichtsausdruck. So ausgemerkgelt und bleich wie Irons stelle ich mir auch den Dichter Kafka vor. Er bewohnt seine eigene fiktionale Welt. Kafka lebt in Kafkas literarischem Szenrario (wobei Soderbergh aber auch andere filmische Quellen anzapft). Kafka schreibt Kurzgeschichten, so wie die über einen Mann und seine Transformation in eine Kakerlake. Sein Vertrauter heisst Eduard. Die Geliebte Eduards ist Gabriela (Theresa Russell), für Kafka aber stellt Leidenschaft eine Fremdsprache dar. Natürlich. Ich denke, dass Vorhaben, Kafka filmisch umzusetzen, dürfte eines der schwierigsten sein. Handeln seine Geschichten doch von selbstbezogenen Einsiedlern. Wie verfilmt man aber das Innere des Menschen? Die Kafka Verfilmungen, die ich zuvor sah, vermochten dieses Problem nicht zu lösen. Soderbergh versuchts zu umgehen, denn sein Film handelt doch eher von Kafkas Romanfiguren als dem Autoren selbst. Für mich gehört Kafka in den Bereich existentialistischer Träumereien, bei Soderbergh aber kommt er wie ein verrückter Forscher daher. Warum hat Soderbergh sich da rangewagt? Vermutlich ist er Kafka Bewunderer und versuchte sich daher an diesem filmischen Labyrinth. Einer aber passt nicht in diese Welt: Kafka selbst. Soderbergh beweist sich als guter Regisseur, doch der Stoff mag ungeschickt gewählt sein. Dann doch lieber wieder eine achttägige Tour bei der am Ende ein Drehbuch steht.

Our Daily Free Stream: Oskar Roehler - Der alte Affe Angst (engl. subt.)

Our Daily Free Stream: Oskar Roehler - Der alte Affe Angst (engl. subt.). Sein letzter Film Tod den Hippies wirkte etwas aufgesetzt. Dach, was für tolle Filme hat Oskar Roehler auch gemacht! - Was aber, wenn die Liebe nicht mehr ist und auch keine Therapie hilft? Dann befinden wir uns in der bizarren Welt von Oskar Roehler. Und aus der gibt es kein Entrinnen. Robert (Andre Hennicke) und Marie (Marie Bäumer) schlafen seit einem Jahr nicht mehr miteinander. Nun versucht sie mit rosa Perücke und billigen Dessours, Robert zu animieren. Es hilft nichts. Marie schrubbelt an ihm herum und Robert reagiert gereizt: "Das bringt nichts!". Triebhafte Liebe, das geht eben nur mit bezahlten Frauen. Marie und Robert aber erleben Sex als nackte Verzweiflung. Romantik, die gibts in Oskar Roehlers Welt auch nicht. Die Neurosen seines Paars bilden das Gegenteil ab von allem, was wir uns wünschen und ersehnen. Wenn Robert, der Theater-Regisseur (natürlich entwickelt sich auch nichts beruflich) durch Berlin läuft, sieht die Stadt leer und schmutzig aus. Ein bisschen so wie das Berlin, da wir meinen, verloren zu haben (dabei hat Roehler seinen Film 2003 inszeniert). Schliesslich bekommt Robert einen Anruf von seinem sterbenden Vater Klaus (Vadim Glowna). Beim Betrachten alter Fotos überfällt ihn ein unbekanntes Gefühl: Sentimentalität. Klaus stirbt und Marie wird plötzlich doch schwanger. Robert aber bleibt bei seinen Prostituierten. Als Marie herausfindet, dass eine seiner "Damen" HIV positiv ist, versucht sie einen Selbstmordversuch... Sicher, der Vergleich ist weder neu, noch originell, aber Marie Bäumer erinnert nicht nur in dieser Szene an eine Schauspiel-Legende, die ihr auf irritierende Weise ähnelt... Der Mann, gesteuert von Geilheit, die Frau, wartend auf das grosse Glück. Klischee? Und doch wirkt Roehlers Film echt. Sind nicht alle Gefühle letztlich nur Defekte? In Roehlers Welt ist kein Platz für Geborgenheit. Heil ist hier gar nichts, auch wenn Maries rosa Cabrio das vermitteln soll. Einen merkwürdigen Nebeneffekt hat diese verdorbene Liebesgeschichte: Irgendwie traut man sich nicht so recht zurück in die Realität.

Polnische Filme 00er-heute

Polnische Filme 00er-heute

zum Tod von Andrzej Wajda

Andrzej Wajda ist tot und seinen berühmtesten Film hat er ganz zum Schluss realisiert: Katyn. Sein Vater starb in Karyn und somit dürfte es wohl auch Wajdas persönlichster Film sein. Eine Nation gefangen zwischen den grossen, finsteren Mächten des 20. Jahrhuderts, Deutschland und Russland. Polen okkupiert. Wajda war wohl der erste, der eine Filmsprache erfand, die ausdrückt, was sein Land so dringend braucht (und das trotz Zensur). Seine ersten Werke stellen Schlüsselfilme dar, wie Polen unterdrückt wurde. Ein einziges Bild in Katyn drückt die Misere seines Landes aus: Eine Brücke, auf der die Zivilisten fliehen - doch rechts warten die Nazis, links die Soviets. Wajda, ein Nationalkünstler. Was folgt? Eine Liste der besten polnischen Filme der letzten Jahre. (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 15.10.16)

Our Daily Free Strem: Thomas Arslan - Gold (engl. subt.)

 Our Daily Free Stream: Thomas Arslan - Gold (engl. subt.). Hat nach Gold keinen Film mehr fertiggestellt: Thomas Arslan. Bald mehr? Wir hoffen das! - Von unserem ehemaligen Kollegen Thomas Groh: Keine Emphase: Der dem Strom entrissene Nugget liegt auf einer Hand, bestaunt von einer Gruppe Pioniere. Es fällt kein und damit auch nicht dieses Wort - Gold. Darin liegt, im Norden Amerikas des späten 19. Jahrhunderts, auch ein Versprechen: Die Aussicht darauf, beengtesten und elendsten Verhältnissen (beschrieben wird einmal eine Unterkunft in New York: Vier Leute, ein Zimmer, dunkel, Feuchtigkeit und Kälte nagen an der Gesundheit) zu entkommen - sofern man die Strapazen meistert, die zwischen den jungen städtischen Zentren und dem Goldvorkommen in unwirtlichem Gebiet lauern. So finden sich in Thomas Arslans Post-Berliner-Schule-Western denn auch eine Gruppe deutscher Migranten ein, die dem Ruf des Goldes, genauer: der Annonce eines windigen Reiseführers, der zum geringen Preis eine weniger strapaziöse Passage zum neuen Reichtum in Aussicht stellt, folgen. Keine Emphase: Der dem Strom entrissene Nugget liegt auf einer Hand, bestaunt von einer Gruppe Pioniere. Es fällt kein und damit auch nicht dieses Wort - Gold. Darin liegt, im Norden Amerikas des späten 19. Jahrhunderts, auch ein Versprechen: Die Aussicht darauf, beengtesten und elendsten Verhältnissen (beschrieben wird einmal eine Unterkunft in New York: Vier Leute, ein Zimmer, dunkel, Feuchtigkeit und Kälte nagen an der Gesundheit) zu entkommen - sofern man die Strapazen meistert, die zwischen den jungen städtischen Zentren und dem Goldvorkommen in unwirtlichem Gebiet lauern. So finden sich in Thomas Arslans Post-Berliner-Schule-Western denn auch eine Gruppe deutscher Migranten ein, die dem Ruf des Goldes, genauer: der Annonce eines windigen Reiseführers, der zum geringen Preis eine weniger strapaziöse Passage zum neuen Reichtum in Aussicht stellt, folgen. Im Grunde: Eine Migrantengeschichte, eine Geschichte, wie Menschen sich, allen Risiken für Leib und Leben zum Trotz, in Richung eines fremden Landes aufmachen, sich in die Hände eines undurchsichtigen Schleppers begeben, der für seine Route eine Sicherheit in Aussicht stellt, für die er nicht garantieren kann. Nur, dass die Migranten diesmal Deutsche sind - aus Bremen und Hannover, schnarrig aufschneidend und altpreußisch überheblich im Auftreten der Journalist Müller (Uwe Bohm), norddeutsch spröde - wie stets - Nina Hoss als Hausmädchen, das sich - unter den spitzen Blicken einer alten Köchin - ohne einen männlichen Begleiter in den hohen Norden aufmacht. Von Thomas Arslans Dokumentarfilm "Aus der Ferne", der 2006 im Forum der Berlinale lief, sind mir vor allem auch die atemberaubend wuchtigen Landschaftsaufnahmen aus dem Innern der Türkei in Erinnerung. In "Gold" klingt ein Echo aus derselben Ferne an, wenn Arslan sein - wie sich denken lässt - zusehends dezimiertes Figurenensemble durch weite, karge, in ihrer Bedrohlichkeit gar nicht pathetisch ins Bild gesetzte Landschaften reiten lässt. Dazu erklingt grenzpsychedelisches Gitarrenspiel - Neil Youngs Soundtrack zu "Dead Man" nicht völlig unähnlich. Magie der Entgrenzung - 1500 Kilometer Wildnis gilt es zu durchqueren. Das ästhetisch Defizitäre, das Karge, insbesondere das Gestelzte im Dialog, das mit den "Berliner Schule" gelabelten Filmen für gewöhnlich verbunden wird, tritt in einen Dialog mit der amerikanischen Filmgeschichte: Die Standardsituationen des Genres meidet Arslan nicht - sogar ein Kopfgeldjäger mit schwarzem Mantel tritt auf. Vor der bombastischen Kulisse - gedreht wurde vor Ort in Kanada - wird das Skelett des Genres bloß- und freigelegt: Der obligatorische Showdown auf der Hauptstraße einer Siedlung mitten im Nirgendwo erfolgt buchstäblich in wenigen Shots. In seinen besten Momenten befreit sich der Film ohnehin von der Verpflichtung zum Erzählen und nähert sich einer spröden Psychedelic an: Marko Mandic (der sich mit diesem Film endgültig zum spannendsten Gesicht unter den jungen deutschen Filmschauspielern gemausert hat) und Nina Hoss reiten in völliger Ermattung minutenlang durch eine so magische, wie menschenabweisende Landschaft. Einmal läuft ein schwarzer Wanderer quer durch das Lager der Migrantengruppe, die ihm mit offenen Mündern nachschaut, und ward nicht mehr gesehen. Immer wieder tauchen, wie aus dem Nichts, Indianer auf, die für etwas Geld den Weg weisen. Was hat man sich im deutschen 19. Jahrhundert nicht alles fabuliert von magischen Wesen, von mondumglänzten Zauberlandschaften, vom Naturschönen und Weltgeistern - an der Schwelle zum 20. Jahrhundert reisen diese deutsche Migranten durch solche Landschaften und kommen darin um.

Our Daily Free Stream: Mel Brooks - Spaceballs

 Our Daily Free Stream: Mel Brooks - Spaceballs. Bevors weiter geht mit J.J. Abrams "Original" - Hat Mel Brooks Spaceballs 1987 zur Feuer des Star Wars Jubileums produziert? Dürfen wir ihn nun, bald 30 Jahre später, als Brückenfilm zum zweiten Teil der neuen Saga benutzen? Spaceballs, eine Rundum-Satire, mit Dark Helmet und Pizza The Hut. Ich mochte Spaceballs damals wie heute bedingt, empfand ihn als eine Art Revival. Ich erinnere mich, dass er Ende der 80er zu einer Zeit ins Kino kam, als der Star Wars Appetit bereits erlahmt war (man ging davon aus, dass es endgültig doch nichts mehr würde...). Seit 1968 hat sich Mel Brooks auf Satire Filme spezialisiert. Einige sehr laute Lacher und ganz viele kleinere finden sich in seinem Werk. Spaceballs aber kam mir damals eines Mel Brooks unwürdig vor, da sich doch bereits so viele an dem Thema abgearbeitet hatten. Und heute? Einer atemberaubenden Eröffnungsszene (fast wie das Original) folgt eine heiter dümmliche Geschichte. Sämtliche Helden und Bösewichter wirken wie Clones des Originals. Bill Pullman als Lone Starr, Rick Moranis alias Dark Helmet und John Candy: Barf. Halb Mensch, halb Köter. Daphne Zuniga wiederum ist Princes Vespa. Ah, Brooks selbst spielt Skroob, den Präsidenten von Spaceballs und Yogurt: "May the Schwartz be with you". Aus solchen Namen, Wortspielen und etwas abgehangenen Witzen besteht der Humor von Spaceballs. Visuell hat sich Brooks das alles einiges kosten lassen, vor allem Pizza The Hutt ist toll! Eine Riesenpizza mit Pepperoni. Ob man Spaceballs empfehlen kann? Es kommt drauf an. Gibts genügend Lacher? Ich denke nicht. Alles wirkt ein bisschen so wie am Fliessband gefertigt. Wie mag wohl Brooks wahre Meinung über Star Wars sein? Doch leider scheint er sein Gehirn beim Filmemachen auszuknipsen. Manchmal meint man fast, er würde immer noch für das Fernsehen der 50er schreiben, so altbacken wirkt sein Humor teilweise. In jedem Fall ist Brooks klüger als sein eigener Film - als ob er uns nicht mehr zutraut. 1987 hatte man noch gehofft, "The Schwart" würde Brooks helfen, sein Potential wieder wie in besseren Tagen auszuschöpfen. Tat ers? Leider nicht.

Our Daily Free Stream: Walter Hill - The Warriors

Our Daily Free Stream: Walter Hill - The Warriors. Gefragt ist Walter Hill vor allem als Produzent der Alien Reihe. Wer aber erinnert sich noch an Hills eigene Regie Arbeiten? - The Warriors aus dem Jahr 1979 (dem Jahr, in dem alle grossen Gang Filme das Licht der Welt erblickten) ist eine Besondersheit! Dieses Werk über den Strassenkrieg in New York gerät zu einer einzigen Stilübung des Manierismus. Kaum ein Moment, in dem wir glauben möchten, dass die Warriors, ihre Feinde, ja sogar die Strassen, in denen sie kämpfen, echt sind. Ich denke nicht, dass es die Absicht Walter Hills war, dass wir das annehmen sollen. Deshalb ist The Warriors so ungewöhnlich, denn wir bekommen einen "Male Rampage" Action Film als Ballet, als Opernstück in verschiedenen Akten dargeboten. Ein typischer Walter Hill, denn auch seine ersten Filme waren ein gutes Stück weit entrückt von der Realität. Hier ist alles Mythos, Legende, ja lebende Statue. So sehr stilisiert Hill, dass jedes Leben aus seinen Tableaux herausgehalten wird. Es gibt grossartig choreographierte Szenen und viel Energie, wenn die Warriors aber miteinander sprechen, meint man, ein Märchen vor sich zu haben. Vor dem Kampf wird sich in Reihe positioniert. Dann spricht der Anführer, danach sein Stellvertreter, schliesslich der Dritte in der Reihe. Erst anschliessend wird losgeprügelt. Und die Polizei? Genauso überhöht! Hier wird an symbolischen Orten gekämpft, nicht in Brooklyn oder sonstwo. Verwundert hat mich der Cast, denn nur wenige Gangmitglieder wirken überhaupt so als könnten sie draufhauen. Die meisten sehen einfach nur wunderbar verkleidet aus. All das wurde von der Paramount 1979 als Action Film verkauft. Im Ernst? Wie wärs denn so: The Warriors, ein Meisterwerk der Avantgarde von Walter Hill (mit vielen Kloppereien).

Our Daily Free Stream: Andrzej Wajda - Kanal (engl. subt.)

Our Daily Free Stream: Andrzej Wajda - Kanal (engl. subt.) Kanal ist ein Film, der unter der Erde spielt, in feuchten dunklen Abwasserkanälen. Der Kanal steht symbolisch für den polnischen Widerstand gegen die deutschen Besatzer während des zweiten Weltkrieges. Eine 70köpfige Gruppe - die meisten von ihnen werden sterben. Ein aussichtsloses Unterfangen, was uns genauso bewusst ist wie den Protagonisten. Die Untergrund-Szenarie wirkt wie ein Albtraum. Für Wajda bedeutete sein zweiter Spielfilm den internationalen Durchbruch. Die Kriegs-Trilogie steht im krassen Gegensatz zu den optimistischen Propaganda Filmen der Stalin Ära. Man versuchte im Westen, den polnischen Pessimismus zu kopieren - erfolglos. Kanal, ein Film, der den Toten des Krieges seine Stimme verleiht. Wir sehen den Film und verstehen es, das bittere Gefühl der Ohnmacht.

Film List: Polen Filmauswahl nach 1955 - zum Tod von Andrzej Wajda

Polen

Zum Tod von Andrzej Wajda 2016. Filmauswahl nach 1955

Das „Dritte Polnische Kino“ der 60er Jahre waren aussagekräftige Filme über die Gegenwart. Es war ein Kino der moralischen Aufklärung, stets die Sinnfrage nach dem richtigen Leben verfolgend. Grosse Namen wie Zanussi, Wajda, Kieslowski, Polanski und Hoffman waren auch nach kurzer Zeit einem internationalen Publikum bekannt (vgl. epd 2/99, S. 24f.). Wie in allen Ländern der kommunistischen Welt, herrschte auch in Polen eine Tendenz zur Erstarrung vor, die bis zu Stalins Tod anhielt. Der Aufschwung begann erst 1956, nachdem Gomulka an die Macht gekommen war. 1956 debütierten Jerzy Kawalerowicz, Andrzej Wajda und Andrej Munk. Sie wendeten sich gegen Klischees der Nachkriegszeit und der Phrase des „positiven Helden“, eine Abwehr Reaktion gegen die künstlerische Praxis der Stalin Zeit. Bevorzugt wurden die Themen des Krieges und der Besatzung, es kam die Zeit der Skeptiker und Pessimisten. Kawalerowicz Pociag (Nachtzug) ist ein Psychodrama, dass sich im Schlafwagen eines Nachtzugs abspielt. Mother Joan of the angels ist ein mystischer Film, der die vom Dämon befallenen Nonnen eines Klosters im 17. Jahrhundert zeigt. Der Film nimmt das Schaffen eines David Lynch vorweg und funktioniert auch als Warnung vor Fanatismus und Intoleranz. Wajdas Debüt A generation ist ein Widerstandsfilm, der weiter geführt wird von A canal, gestaltet wie die unentwirrbaren Gänge eines Labyrinths vor der Apokalypse. Ashes and daimonds ist sein Meisterwerk mit dem Höhepunkt einer makabren Party zur Feier des neuen Polens. Munks Filme sind weniger emotional als intellektuell. Ihre Vorliebe für Düsterkeit entspricht der Ablehnung modischer Zeiterscheinungen in Polen (vgl. Gregor/Patalas: Geschichte des modernen Films, Gütersloh 1965, S. 186f.). Wojciech Has The Saragossa manuscript ist ein unglaublich verschachtelter Film, gegen den Christopher Nolans Inception geradezu linear wirkt. Ein Labyrinth, ein Drahtseilakt dessen, was gerade noch möglich ist und ein philosophisches Traktat gegen alles Rationale. Walerian Borowczyk war einer der herausragenden Trickfilmer bevor er als erotischer Filmemacher mit surrealen Meisterwerken wie La bete schockierte. Borowczyk konnte seine Filme an der Grenze zum Porno nicht in Polen verwirklichen, er emigrierte Anfang der 60er nach Frankreich. Roman Polanski drehte einige schrullige Kurzfilme und sein Debüt Das Messer im Wasser in Polen, bevor er das Land verliess. Das Messer im Wasser ist ein straffer Thriller von drei Personen in der Falle und immer noch einer der grössten Polanski Filme überhaupt. Das Messer im Wasser zeigt den polnischen Film auf der Höhe seiner Zeit, gleichauf mit der französischen Nouvelle Vague und den italienischen Filmen Anfang der 60er. (Titelbild: Mother Joan of the angels)

Our Daily Free Stream: Eliseo Subiela - Don't Die Without Telling Me Where You Go (engl. subt.)

Our Daily Free Stream: Eliseo Subiela - No te mueras sin decirme a donde vas...(engl. subt.). Eliseo Subiela ist der Poet des argentinischen Kinos! Alles beginnt 1885 in Jersey. Der junge Assistent von Thomas Edison, William, hilft bei der Erfindung des Kinomatographen. Nur ein Traum liegt zwischen ihm und dem Erfinder Leopoldo, der 1995 in Buenos Aires lebt. Leopoldo ist Kinooperator und bastelt nebenbei an einer Erfindung, die menschliche Träume sichtbar machen soll. Das funktioniert folgendermassen: Leopoldo setzt sich einen verkabelten Hut auf den Kopf und verbindet sich mit dem alten Röhren-Monitur. So begegnet er der schönen Rachel. Doch ist sie wirklich bloss ein Traum? Ist Rachel nicht eine wandernde zwischen dem Diesseits und Jenseits? Während Leopoldos Freund Oscar einen patenten Roboter konstruiert, wandelt der junge Träumer durch die Nacht... No te mueras sin de cirme adonde vas bringt ein altes menschliches Bedürfnis zum Ausdruck: Wohin verschwindet der Geliebte nach dem Tod? Subiela macht daraus ein Gedicht aus Imagination und Musik. Eine Hommage an die ewige Liebe und das Kino!

Our Daily Free Stream: What is wrong with Showgirls?

Our Daily Free Stream: Paul Verhoeven - Showgirls (What is wrong with Showgirls in 20 Minutes?). Bekommt Verhoeven für Elle nun doch einen Oscar? Wir erinnern uns an seine Goldene Himbeere 1995. - Ein Schlachtfest, das uns Innenansichten von La Vegas liefert. Hinein in die Welt der Stripperinnen und Huren. Vor allem aber mag Showgirls der persönlichste Film seines Autoren Joe Eszterhas geworden sein - seine eigene Masturbations Vorlage. Das Drehbuch beweist Eszterhas äusserst begrenzte Vorstellungskraft, die von Regisseur Paul Verhoeven zu einer teuren, exquisiten und schön schmierigen Soap Opera aufgeblasen wird. Immerihn, einer der ganz wenigen "Adults only" Big Budget Filme! Nacktheit gibts auch zu genüge, sexy wirds aber immer nur dann, wenn die Mädels ihre Klamotten wieder anziehen. Echte Erotik bietet Showgirls überhaupt nicht, denn die müsste ja eine mentale Verbindung zwischen zwei Personen schaffen. Showgirls ist aber eben nur Joe Eszterhas Fantasie. Die geht so: Frauen mit Messern, Lesbierinnen, Sex gegen Bares und ordentlich Gewalt. Der damals teuerste Schreiberlings Hollywoods bezieht seine Bilder aus "Pulp Fiction" Romanen. Ausserdem muss er unter einer gewaltigen Angst vor dem weiblichen Geschlecht leiden: Frauen töten dich und das Beste, was dir da noch widerfahren kann, ist vorher der Besuch einer Lesbenshow. Paul Verhoeven nimmt sich dessen mit voller Kraft an. Alles, was wir über Eva wussten, geschieht auch in Showgirls, wenn sich die Eine das Bein bricht und die Andere ihren Rang einnimmt. Elizabeth Berkley, eine Verhoeven Entdeckung zu ihrem Karriere-Pech, nimmt sich der Titelrolle mit grosser Heftigkeit an. Ein gelungener Einstand! Sie spielt Nomi Malone, ohne Vergangenheit oder Familie, die aus dem Nirgendwo aufbricht nach Las Vegas. Nomi braucht eine Freundin, denn offensichtlich ist sie eine zügellose Person mit gewaltigen Benimm-Problemen. Die findet sie in Molly (Gina Ravera). Bald gibts auch Arbeit im Cheetah Club (ein toller Name, oder?). Leider sind nur zwei Schwarze nett zu Nomi und sonst niemand. Der Star der Show heisst Cristal Connors (Gina Gershon) mit ihrem Freund (Kyle MacLachlan), der aber mehr Befehlsempfänger ist. Wichtig: Cristal ist bisexuell. Der Plot entwickelt nun ein Gemetzel hinter der Bühne und gibt uns eine Ahnung von Eszterhas Vorstellung wie Frauen untereinander reden: "How do you like your breasts?" All das behandelt Paul Verhoeven so wie seine grossen Filme zuvor. Sein Geheimnis: Er arbeitet ohne Abstand oder Ironie, dafür mit einem kernigen Humor, der Showgirls seine Note gibt. Sicher wärs wünschenswert, würde Eszterhas noch etwas über Erotik lernen, doch das sind nur unbedeutende Abstriche (obwohl es fast schade ist um das schöne NC 17!).

Verhoeven Vs. De Palma

Verhoeven vs. De Palma

6:4

Für mich der entscheidende Unterschied zwischen Verhoeven und De Palma: Obs uns passt oder nicht, De Palma ist "postmodern". Er zitiert Hitchcock, Antonioni usw. Darüber legt er seine Sauereien. Verhoeven macht das nicht. er liebt B-Movies (so wie De Palma), erfindet aber seine eigenen. Eines aber hat De Palma Verhoeven voraus: Er erzählt nahezu perfekt. Body Double, Blow Out, Scarface (und das ist mal kein "postmodernes" Remake, sondern eigentlich gar keins), vor allem The Untouchables (mit Anleihen an Eisenstein: Die Kinderwagen Szene aus dem Panzerkreuzer Potiemkin) - perfekt erzählt! Lückenlos! Straff! Extrem logisch. Verhoeven dagegen: Basic Instinct - wo bleibt die Auflösung? Solange sich der Film im "postmodernen" Zitieren nicht verliert, akzeptiere ich das. Einen trinken gehen würde ich aber lieber mit Verhoeven. Er ist so ein witziger und netter Mann. Allein seine Dankesreden für die viele, vielen Goldenen Himberren seines Opus Magnums Showgirls. Er war aufrichtig stolz über diese Ehre. Einen Oscar bekam er - glaube ich - nie (im Gegensatz zu De Palma, was ein Vorteil ist. Allerdings könnte sich das mit Elle nun ändern). De Palma blieb übrigens der Verleihung der Himbeere für Mission To Mars fern, so weit ich weiss. Oder wars nur eine Nominierung und kein sieg? Dabei ist der Film wirklich toll und eine würdige Himbeere! Interessant die Frage, wer überhaupt noch in der Liga der Beiden agiert? (Wir stellen nicht die Filme, nur die links zur Verfügung. SEHT EUCH DIE LINKS SCHNELL AN, BEVOR SIE GELÖSCHT WERDEN. 10.10.16)

Our Daily Free Stream: Ming-Liang, Tsai - What Time Is It There (engl. subt.)

 Our Daily Free Stream: Ming-liang, Tsai - What Time Is It There (engl. subt.). Immer schon hat man Tsai Ming-liang mit den ganz grossen Namen der Filmgeschichte verglichen. Mit dem Kino der Stille, Einsamkeit und Isolation. Wer What Time Is It There sieht, wird bemerken, dass Tsais Filme genauso witzig wie traurig sind. Und zwar beides im gleichen Moment. Tsais Held heisst Hsiao Kang (Lee Kang-Sheng) und er verkauft Armbanduhren, draussen auf den Strassen von Taipeh. Er hat etwas von der Befangenheit, aber auch der Redlichkeit der grossen Vorbilder, die wir aus Tatis oder Keatons Filmen kennen. Eines Tages will er Shiang-Chyi eine seiner Uhren verkaufen, doch sie besteht auf genau der an seinem Handgelenk. Die wiederum kann zwei Zeitzonen anzeigen und das ist wichtig für Shiang-Chyi. Sie wird bald nach Paris ziehen. Hsiaos Leben daheim ist trist und ohne jede Hoffnung auf Erlösung. Einmal sehen wir seinen Vater rauchend, allein in einem verdunkelten Zimmer. Die Mutter glaubt längst, die Seele ihres Mannes sei auf den grossen weissen Fisch in ihrem Aquarium übertragen worden. Ein Fisch als einziger Freund. Der Vater wird sterben, ohne je einen Funken Lebensfreude an seinen Sohn weitergegeben zu haben. What Time Is It There eröffnet uns das Versprechen der Gleichzeitigkeit. Ohne je wirklich mit ihr gesprochen zu haben, stellt Hsiao seine Uhren nach der Pariser Zeit. Gleichzeitigkeit oder einfach nur die Hoffnung darauf? Wenn unser Leben voller Leere ist, hoffen wir dann nicht auf ein fernes Ereignis? Währenddessen ergibt sich Shiang-Chyi ihrer Einsamkeit in Paris. Welchen Grund hat sie überhaupt, dort zu leben? Hsiao versuchts mit einer Prostituierten, Shiang-Chyi mit einer anderen Frau. Alles ereignet sich zur selben Zeit, doch tatsächlich im Einklang? What Time Is It There ist kein einfacher Film. Er hat mich noch lange verfolgt, ich sah einzelne Szenen vor Augen und musste daran denken. Vor allem aber brachte er mich durcheinander. Immer wieder ringen die lustigen mit den traurigen Anteilen - nie gewinnt ein Pol die Überhand. What Time Is It There - gleichermassen witzig und traurig. Nichts ist schliesslich trauriger als die unerwiderte Liebe. Nichts ist lustiger als die unerwiderte Liebe! Weshalb sollte es auch tragisch sein, wenn sich zwei Menschen NICHT kennenlernen nach zwei bedeutungslosen Gesprächen? What Time Is It there handelt von der Vorstellung von Liebe. Nicht von der Liebe selbst. Was ist depressiver: Eine Mutter, die glaubt die Seele ihres Mannes in einem dicken Fisch zu finden? Ein Sohn, dessen einziger Freund dieser Fisch ist? Ein Film, der derartige Fragen stellt, verdient es gesehen zu haben. Mitleid für den Anspruch, die Antworten zu kennen. Immerhin aber sinds Fragen, deren Existenz uns meistens gar nicht bewusst ist.

Our Daily Free Stream: Murnau - Nosferatu

Our Daily Free Stream: Friedrich Wilhelm Munau - Nosferatu. Murnaus Nosferatu zu sehen ist ganz so, als würde man DEN Vampirfilm an sich sehen. Wir erleben, wie das Genre entsteht, bevor es hundertfach wiederholt und postmodern sezziert wurde. Die Geschichte Draculas, bevor sie lebendig begraben wurde im Selbstzitat. Murnaus Films ist voller Ehrfurcht vor der eigenen Geschichte. Fast so als würde er tatsächlich an Vampire glauben. Anders als seine Nachfolger spielt Max Schreck den Vampir auch nicht pathetisch überhöht, sondern zurückhaltend. Jede Theatralik fehlt in seiner Darbietung, stattdessen erleben wir den Vampir leidend unter einem fürchterlichen Fluch. Sein Graf gleicht mehr einem Tier als einem Menschen - ausgestaltet mit Fledermaus Ohren und Klauen mit langen Nägeln.Übrigens verbat sich die Witwe von Bram Stoker, dass der Buchtitel ihres Mannes für das Werk herhalten sollte - deshalb heisst Murnuas Dracula Nosferatu. Nichtsdestotrotz, vielleicht ist ihm sogar die werktreueste Verfilmung gelungen. Die Geschichte beginnt in Bremen. Hier will Graf Orlock Besitz erwerben und zwar ein abgelegenes Gebäude. Der Angestellte des Zuständigen Händlers Knock, Hutter (Gustav von Wangenheim), reist nach Karpathien und muss feststellen, dass dort jeder verstummt in dem Moment, da der Name Orlock fällt. Hutter lernt noch mehr: Der Graf muss tagsüber schlafen in der Erde aus den Gräbern des schwarzen Todes. Kurz vor dem Schloss weigert sich Hutters Kutscher, ihn noch weiter zu bringen. Graf Orlocks Büttel übernimmt, der sich mit der Hast einer Ratte bewegt. Immer noch schlägt Hutter die Warnungen über Vampirismus in den Wind, bis er sich während des Abendessens schneidet und der Graf entzückt ist von Hutters wundervollem Blut. Zwei Schlüsselszenen folgen, die wir heute wohl gar nicht mehr als revolutionär erkennen: Während der Grafe näher rückt an Hutter, das Opfer, erleben wir in Parallelmontage, wie Hutters Frau Ellen in Bremen schlafwandelt und voller Vorahnungen schreit. Später flieht Hutter, während der Graf den Seeweg nach Bremen einschlägt. Hutters Frau Ellen wiederum wartet begierig... Auf dem Schiff des Grafen verstarben alle Mitglieder der Crew. Man öffnet eine Kiste mit fauliger Erde und Ratten entkommen in alle Richtungen. Murnau fügt nach der Ankunft einige Szenen ein, die eher symbolischen Charakter haben, die Handlung aber nicht entwickeln. Wir erleben den Händler Knock, der in einer Zelle der Nervenklinik auf seinen "Meister" wartet. Ellen Hutter wiederum erfährt, dass es nur einen Weg gibt, den Vampir zu stoppen: Eine gute Frau muss ihn an ihrem Bett halten bis zum ersten Hahnenschrei. Ihre Geschichte erinnert uns an die verborgene Sexualität aus Bram Stokers Roman, ganz im Sinne des viktorianischen Zeitalters. Sex ist hier gleichbedeutend mit gesellschaftlicher Gefahr. Der Vampir, eine Metapher der Begierde. Allein verbringt er seine Zeit, jagt seine Opfer und sucht sie auf mit dem Versprechen, ewiger Glückseligkeit. Murnaus Horrofilm ist nicht gruselig im modernen Sinne. Er spricht nicht meine Gefühle an, erschreckt mich nicht. Vielmehr verzückt mich das Werk durch seine Atmosphäre und die Kraft seiner Bilder. Spannung entsteht, wenn die Subjekte aus dem Schatten ins Bild steigen - sowieso ist Nosferatu das Spiel mit Licht und Schatten - vor allem mit der Dunkelheit. Murnau verstarb mit nur 43 Jahren. Er hatte 22 Stummfilme inszeniert; die Tonfilm-Ära erlebte er nicht mehr. Bestimmt hätte er auch grossartige Tonfilme gemacht, die Wirkung von Murnaus grössten Werken aber resultiert daraus, dass er keine oder kaum Titelkarten braucht. Nosferatu wirkt wie ein böser Traum. Was heisst das? In Nosferatu werden die Protagonisten mit schaurigen Bildern konfrontiert, ohne jede Möglichkeit, sich durch Gespräche davon zu befreien. Die menschliche Sprache könnte den Traum auflösen, alles zur Normalität erklären. In Nosferatu gibt es diesen Weg nicht. Das, was nachts geschieht, bedarf keiner Rede. Es wartet auf seine Opfer, unheilvoll, unerklärt...

Our Daily Free Stream: Wanderers Of The Dessert - El Haimoune (engl. subt.)

Our Daily Free Stream: Wanderers Of The Dessert - El Haimoune (engl. subt.) Die Abwesenheit von Zeit, das muss möglich gewesen sein vor der Moderne. Wenn ein Schiff auftaucht vor den Mauern der Stadt, ganz so wie im Märchen. Das Meer, die Suche nach Weite, nach etwas hinter dem Horizont. Die Baliseurs leben ausserhalb der Zeit. Sie wandern durch die Wüste, singen alte andalusische Lieder. Cordoba, die andalusische Brücke kann nicht fern sein. Der Alte klagt, wie sich die Kinder, von einem Fluch befangen, auflösen in einer Fata Morgana. Sie werden von der Wüste verschlungen. Sein ganzes Leben hat der Alte einem Buch gewidmet, das er entziffert und neu ordnet. Die Kinder sollten es lesen, um den Fluch zu bannen. Ein Lehrer muss dabei helfen als Mittler zwischen Zukunft und Vergangenheit. Ein Märchen oder ein Traum, ganz nach Wunsch...